Attention, un artiste se tient sur une échelle rotative motorisée, prêt à bondir
Un grand coussin d'air noir au sol

Lieu d'exposition : Centre Pompidou. Dates : mi-juin à mi-juillet. Texte et photos par Chen Chi-Hsiang. Loris Gréaud (né en 1979) est l'un des artistes français les plus représentatifs et radicaux de son temps, traversant de multiples disciplines : musique, design, publicité, architecture, sculpture, théâtre, peinture, vidéo, cinéma, performance, corps, technologie, science, physique, environnement et espace-temps. Il crée une dramaturgie symbolique et métaphorique inusitée qui sollicite tous les sens du spectateur — vue, ouïe, toucher, goût et hallucination — pour éveiller la perception intérieure. Dans le contexte actuel de pluralité artistique, il transforme la réalité en fiction, devenant une station de conversion de ces signes où les médias relient des systèmes conceptuels.

Comme un réalisateur ou un chef d'orchestre, chaque exposition de Gréaud est un projet complexe : il y construit des machines empiriques, dirige ses idées et les échange, puis met en scène des dispositifs extraordinaires grâce à ses concepts et équipements. Son œuvre utilise une écriture altérée dans toutes ses pièces, transposant diverses formes d'altération selon différentes règles : une onde lumineuse devient sculpture, un bruit devient objet, un son devient matière, etc., croisant ainsi la pratique artistique contemporaine et le discours de la mode.

Cette exposition au Centre Pompidou porte le titre « I ». Gréaud y érige deux œuvres monumentales noires : au sol, un tapis de bulles ; à côté, un escalier rotatif motorisé haut de près de dix mètres. « I » désigne la tour verticale, reflétant une imagination mathématique uniforme et les signes de l'intensité électrique. C'est une double exposition : parallèlement, « La Sculpture voilée » est présentée sous la Pyramide du Louvre. Face à cet escalier banal en mouvement continu et à ce coussin d'air, que ressent le public ? L'art est partout, il est là, sous nos yeux. Venir au Centre Pompidou n'est-ce pas pour « voir » ? Alors ouvrez les yeux. Les indices sont ailleurs.

Le public s'agglutine autour des garde-corps. À intervalles réguliers, des performeurs vêtus de noir montent lentement et gracieusement jusqu'au sommet de l'escalier de cinq étages. Sur signal visuel rappelant les drapeaux rouge et blanc d'un arbitre, ils bondissent sous l'accélération gravitationnelle. Instantanément, avec un bruit sourd, ils tombent dans le tapis de bulles. Cette répétition théâtrale surprend le public. Cette fusion pluridisciplinaire dépasse la perception et l'imagination ordinaires, laissant parfois perplexe. Mais participer, voir et ressentir constituent déjà une nouvelle expérience artistique. Comme le dit l'artiste Kendell Geers : « Je cherche à créer des lieux novateurs où le public doit accepter de faire face à l'œuvre. Bien sûr, on a le choix de partir ou de rester. Si l'on décide d'approfondir mon travail, on devient un spectateur actif… Le danger rôde inévitablement autour de mes œuvres. »

La tour verticale (ou immeuble) est le signe de l'utopie moderniste : la chute du corps décrit une sculpture soumise à la gravité. La machine louange le mouvement ; celui qui saute et tombe construit cette sculpture dynamique, manifestant une vanité humaine qui marque la régularité du rythme temporel. L'escalier de Gréaud est théâtral mais ne relève d'aucun divertissement ; c'est un objet purement contemplatif et interrogatif. L'exposition engage la sculpture, l'objet, le comportement, l'attitude, l'action, la performance et le théâtre, entre le visuel, le psychologique, le physique, le sensoriel et le référentiel, entre l'objet et la sculpture, le physique et le psychique, la réalité et l'imagination.

Comme l'écrit l'artiste dans la section « Faille spatio-temporelle » : « Cette bulle a aussi sa péremption ; elle devrait être consommée avant expiration. Les voyants vous lisent l'avenir, racontant à rebours votre passé. Cela repose sur comment dire plus avec moins, sur la machine mondaine qui récite, sur le langage rare dans les scènes et les personnages, et dans les stries et fissures claires. La bulle elle-même ne fournit pas de décor préexistant, mais fonde une nouvelle abstraction à partir de cette combinaison fine déjà existante. »