Thomas Schutte, rétrospective « Trois actes »

Texte et photos / Chen Chi-Hsiang Dates – Du 15 mars au 16 juin Lieu – Exposition à la Monnaie de Paris. Thomas Schutte (né en 1954) est l'un des principaux sculpteurs de la nouvelle génération allemande des années 1980.

Son œuvre unique s'est développée dans les signes postmodernes, partant de concepts classiques tels que la nature, la politique, la société et le contexte culturel spatio-temporel (postmoderne), intégrant diverses conditions thématiques et relations sociales.

Ses motifs récurrents vont de l'architecture représentative à la sculpture publique.

De nombreux types de thèmes ont été négligés par le modernisme : les figures humaines, les bustes, les nus féminins et les maisons ; le choix de ces thèmes porte souvent une dimension ironique et critique.

En 2005, sa création a reçu la reconnaissance honorifique du prix du meilleur artiste à la Biennale de Venise.

Les explorations multiples de Thomas Schutte peuvent être classées selon trois axes créatifs : un intérêt passionné pour la sculpture d'images humaines imaginatives, des modèles architecturaux rigoureux et des œuvres sensibles lyriques sur papier (aquarelle) et en gravure.

Une maîtrise technique approfondie et une exploration de médiums composites variés : céramique, bronze, fer, aluminium, verre, etc.

Dans cette rétrospective, il présente comme un film, sous forme de scènes et de champs, les « Trois actes » intitulés « Muses et héros », « Autres et plus loin » et « Du modèle au monument ».

Ce titre « Trois actes » provient du thème d'un groupe d'œuvres réalisées en 1982, ses premières œuvres. Thomas Schutte appartient à la génération née après la Seconde Guerre mondiale au siècle dernier.

Inspiré par l'éveil artistique de Joseph Beuys, l'artiste touche aux contextes nationaux, historiques et spatio-temporels grâce à sa sensibilité personnelle et à sa conscience de l'époque.

Sa création expose ses pensées et sentiments diversifiés par le symbolisme et la métaphore, ainsi que sa conscience existentielle philosophique, témoignant des passions historiques dramatiques et du monde fou qui ont suivi la guerre en Allemagne.

Ses mythes et héros oscillent entre tragédie et comédie, satire, désespoir, mélancolie et contradictions insolubles ; une contemplation plus ou moins profonde semble exprimer les collisions violentes du monde.

Premier acte « Muses et héros » Sculpture : Les sculptures de figures humaines sont l'un des axes centraux de la création de Thomas Schutte.

Il commence par utiliser de petites figures comme échelle spatiale, puis élargit progressivement les statues de personnages pour en faire la valeur principale.

Ses créations sculpturales en trois dimensions explorent continuellement leur ampleur par l'essai de petits modèles (comme « Trois actes » (1982) et la série « La vie de l'artiste Mohr » (1988-89)).

Quelques années plus tard, elles deviennent de grandes œuvres de forme monumentale. Il libère clairement son style en s'aidant de différentes approches, allant de la sculpture classique au minimalisme.

Il met constamment à jour et cherche une image, une atmosphère et une texture très personnelles et uniques, offrant une expression large – des situations humaines variées, de l'absurde à la contemplation, dynamique et captivante.

Dans l'héritage de la tradition sculpturale, l'homme est héros et la femme muse. Les statues héroïques sont des personnages figuratifs au caractère grotesque et expressif, au visage triste et souffrant.

Notamment avec « Père Patrie » (2010), statue commémorative nommée d'après le pays d'expression allemande, c'est un vieil homme maigre et sans bras, qui semble insignifiant, sans pouvoir et impuissant, mais dont l'expression grave suffit à maintenir son autorité.

Lorsqu'on lui demande la notion d'État, l'artiste cite un passage écrit par l'écrivain Gunter Eich en 1968 : « Qu'est-ce qui est le plus dégoûtant au monde ? Ils sont mes parents. Où que j'aille, ils me suivent comme une ombre, (...).

Quand je trouve une chaise, la porte s'ouvre, dedans, l'un ressemble au Père Patrie ou à la Mère Patrie » (Note 1). Lorsque les gens demandent à l'artiste pourquoi il n'a pas de bras, il répond humoristiquement qu'il n'a pas eu le temps de les finir, haha.

Cela suffit à illustrer le tableau lamentable et inavouable face à l'histoire nationale des artistes allemands.

« Personnes sans visage ou personnes tenant un drapeau » (2018) est une œuvre créée spécialement pour cette exposition. Deux hommes robustes (héros) se tiennent face à face dans la boue, dans une posture de dialogue et de contraste.

L'homme sans visage portant un bonnet en coton, tenant un objet d'une main et l'autre main dans la poche de sa combinaison, semble suggérer que tout est « rien ».

L'homme en trench-coat tenant un drapeau, aux yeux perçants et à la posture hautaine, permet à l'artiste de questionner par métaphore la manifestation du pouvoir et ses possibles héros.

« Jeunes garçons dans le vent » (2018) tire son motif des petites sculptures en argile modelée de 1982, représentant trois jeunes hommes vigoureux avançant péniblement dans la boue sous un vent violent.

À y regarder de près, les trois adolescents résilients affichent une volonté forte sur leur visage et leur corps, avec une expression pensante.

Deux d'entre eux sont enveloppés dans des trench-coats ; celui du milieu laisse voir un bras épais ; celui de droite, au visage de type oriental, rentre ses deux mains dans le manteau pour se protéger du froid ; celui de gauche, vaillant, est entièrement nu, drapé d'une peau animale, serrant un poing d'une main et tenant un objet de l'autre, regardant vers le ciel.

Les trois avancent lentement avec effort, endurcis. Un sentiment d'encouragement dramatique, suggérant la traversée de scénarios historiques après une tempête.

Ces deux séries rappellent les Bourgeois de Calais de Rodin ; l'image virile et autoritaire du père devient concrète – réalisme figuratif héroïque, un chef-d'œuvre suprême.

« L'ennemi commun » (2011) est un agrandissement de la série en argile modelée vêtue de 1993-94. Cette sculpture de personnage aux visages doubles tordus, exagérés et nerveux, est manifestement dans un état de tension névrotique, enroulée ensemble comme des siamois.

Cette série reflète le contexte historique de l'unification de l'Allemagne de l'Est et de l'Ouest après la chute du mur de Berlin, et les réflexions, pensées et sentiments de l'artiste sur la politique et la société de l'époque.

L'art est comme un miroir clair reflétant l'histoire, témoin d'une époque. Ce groupe de sculptures évoque fortement les relations tendues de la vie individuelle et peut rendre fou.

Depuis les années 1990, il tente d'explorer les possibilités de la sculpture en céramique, qu'il utilise massivement depuis une dizaine d'années. « Nains » (2006), série de 12 têtes en céramique, dans la tradition de l'expressionnisme exagéré et des images grotesques, remplis d'expressions comiques au goût presque cartoon, possèdent une dimension de moquerie, de dérision et de critique de la nature humaine, rappelant les sculptures de Daumier.

Le verre comme matériau marque un tournant dans la création à partir de 2010. La série « Têtes en verre » (2013) suppose de montrer la beauté texturale du matériau verre à travers des visages féminins ou androgynes expressifs. Cette série a été réalisée par des artisans verriers renommés mondialement de Murano, en Vénétie. L'artiste dit : « Réparer quelque chose et le révéler d'une manière un peu sauvage, sinon à quoi sert la beauté ? » (Note 2)

« La vie de l'artiste Mohr » (1988-89) consiste en petites sculptures en argile modelée, vêtues, disposées autour d'objets quotidiens dans une installation spatiale, reflet de la situation de l'identité personnelle de l'artiste.

Elle décrit la vie de l'artiste Mohr en trois actes : Le premier acte montre le peintre Mohr en train de peindre un paysage sur son chevalet ; derrière lui, trois paysages sont alignés sur le chevalet, le peintre faisant face à des chaussettes multicolores séchant et réfléchissant.

Le deuxième acte montre le sculpteur Mohr se tenant devant sa statue de tête pour examiner sa création ; à gauche se trouve un pot de peinture, à droite une lampe de bureau, et derrière une armoire à chaussures.

Le troisième acte montre un marchand d'art se tenant devant une armoire en train de vendre une vieille veste à un collectionneur, tandis que l'artiste examine ou admire sa propre création.

Métaphore du mécanisme narratif de l'artiste, ce dernier semble être décrit comme une personne abandonnée.

L'artiste explore le nu féminin traditionnel à partir de 1997, puis continue à agrandir ces petites sculptures en statues monumentales. À partir de 1999, la série « Nus féminins » (assises, allongées et penchées) compte 18 pièces (bronze, fer, aluminium).

La muse féminine est souvent présentée sous une forme déconstruite, construite entre le figuratif et l'abstraction, tantôt calme, tantôt lascive, tantôt mutilée et irrégulière ; chaque pièce est mesurée par l'épaisseur de l'histoire de l'art.

Dans cette exposition, quatre grandes statues monumentales sont présentées allongées sur des plateformes de structures de lits en fer : deux œuvres extérieures « Femme nue en fonte » (2001), une figure figurative corpulente rappelant le style de Maillol, une femme nue déconstruite, privée de la tête et des mollets, pliée sur elle-même formant une courbe ; « Femme en fonte -18 » (2002), une image de femme nue réduite à des surfaces planes, les deux sculptures formant un contraste.

Intérieur « Femme en fonte » (2006), le corps est déconstruit puis reconstruit, avec une tête de femme nue sur le torse, une image surréaliste rouge de femme en fonte ; « Femme en aluminium » (2009), un corps tordu et puissant, une tête de femme complète, un miroir lisse façonnant une spatialité unique, la puissance maternelle de la terre nourricière et la forme bienveillante tendent vers l'image et l'abstraction.

Deuxième acte « Autres et plus loin » : Thomas Schutte, très jeune (27 ans), réfléchit à l'existence et à la signification et à la conscience de la mort ?

Il crée pour lui-même un « Tombeau d'artiste » rouge vif (1981), sur lequel est inscrit le nom de l'artiste, indiquant les dates de naissance et de mort 16.11.1954-25.3.1996, prédisant une carrière jusqu'à 42 ans.

C'est une œuvre d'humour noir ou philosophique, ouvrant l'attention constante de l'artiste sur la mort et l'Autre.

« La mort est quelque chose qui vous éloigne de toutes les idées absurdes, c'est vraiment intéressant, quand elle se manifeste, elle produit un sentiment fatal, ce choc produit un sentiment humain » (Note 3).

« L'ennemi commun » (1993-94) est l'œuvre la plus célèbre de l'artiste.

Des petites sculptures semblables à des poupées, moulées en argile, contrastent par des visages exagérés et des corps tordus, enveloppés de vêtements et enroulés ensemble sur des tiges de bois dans un plateau, présentant une situation inquiétante.

L'artiste dit : « Lors de l'exposition, personne ne voulait les regarder car elles étaient trop petites ». Ainsi, les expressions de ces statues ont été photographiées et agrandies. Cette série oppose donc les petites sculptures vêtues aux photographies de têtes agrandies.

Outre l'explication du contexte de l'unification allemande, elle entre dans l'exploration de la nature humaine, la dualité existante du noir et du blanc, du Yin et du Yang, du bien et du mal, de la vie et de la mort, de l'ennemi et de l'ami, du rire et de la tristesse, etc.

Embrasser son ami est naturel, mais aimer son ennemi sera une transcendance de l'opposition binaire.

Exprimer les contradictions insolubles du cœur, ses différences folles et son dissonance, se manifestent dans la double silhouette de l'ennemi commun, oscillant entre tragédie et comédie.

Troisième acte « Du modèle au monument » : Le modèle est une miniature physique du bâtiment, souvent composée de matériaux simples.

La distance entre le modèle architectural et l'art réside dans le fait que le modèle architectural sert à construire un objet réel et est aussi une étape du processus architectural.

L'artiste Thomas Schutte joue avec les modèles architecturaux dès son plus jeune âge ; à partir de 1973, le modèle architectural devient son souhait utopique.

Quant à la forme monumentale, elle apparaît dans le théâtre « Trois actes » (1982), où toutes les actions se déroulent devant le rideau, nous voyons les signes de force et de progrès. Ainsi, l'artiste revient souvent à la position du spectateur de ce monument fictif ou réel.

Au nouveau millénaire, l'artiste retourne dans son monde utopique, construisant ses aspirations artistiques sous forme de modèles architecturaux, « Modèles architecturaux » (1973-2016), « Maison de vacances des terroristes I-II-III » (2002), « Maison célibataire » (2006), « Maison cristalline » (2014), « Musée de sculpture » (2012-15), « Extension du Musée de sculpture » (2018).

Il est difficile de dire si l'artiste joue avec les clichés de l'architecture moderne ou s'il prend cette discipline au sérieux ? À partir de 2007, il réalise sur commande d'un collectionneur un bâtiment à l'échelle 1.

En 2016, il collabore avec un architecte pour concevoir son propre musée de sculpture.

L'artiste dit : « Je ne m'intéresse pas beaucoup à l'architecture, elle apparaît simplement comme un sujet, en réalité comme un substitut de la nature, car son travail est si difficile sur la nature.

Sinon, je ne pourrais que dessiner magnifiquement les arbres et les personnages devant les bâtiments » (Note 4).

Note 1 – Communiqué de presse de la rétrospective Thomas Schutte « Trois actes » Note 2 – Communiqué de presse de la rétrospective Thomas Schutte « Trois actes » Note 3 – Communiqué de presse de la rétrospective Thomas Schutte « Trois actes » Note 4 – Communiqué de presse de l'exposition personnelle de Thomas Schutte 2007-06-13