Hsu Chin-Yuan, « Espace de dette », exposition personnelle 2019

Texte et photos / Chen Chi-Hsiang

« Abattre un arbre, bâtir une maison »

Hsu Chin-Yuan (Note 1)

Dates : du 8 novembre au 7 décembre. Heures d'ouverture : vendredi, samedi et dimanche, 14h-19h. Lieu : n° 250, rue Ziyóu, district de Sanmin, Kaohsiung. Hsu Chin-Yuan est un jeune talent monté sur la scène artistique taïwanaise. Vivant et créant à Kaohsiung, il remporte en 2017 le prix Kaohsiung avec sa série photographique « Piégé », devenant l'artiste le plus âgé à recevoir cette distinction. Passant du promoteur immobilier à photographe alternatif, il exprime son sens de l'existence à travers des images au style unique et naïf. Après trente ans dans le développement immobilier, ayant construit des milliers de logements, son esprit aventurier et son expérience riche en architecture et chantiers ont aiguisé son observation sociale, jetant les bases de sa création artistique. À la retraite, il dirige un groupe d'ouvriers vers leur passion commune, utilisant principalement la photographie grand format. Sans formation académique ni cadre institutionnel, il ose expérimenter et explorer diverses possibilités, passant récemment de l'image statique à la vidéo, aux performances et aux installations environnementales.

Le titre de l'exposition, « Espace de dette », provient de l'expérience humaine de l'artiste dans le secteur immobilier. La « dette » évoque l'investissement par emprunt et le développement capitalistes ; elle symbolise la circulation des ressources dans la société industrielle et commerciale, devenant une énergie motrice du progrès social. Que signifie ici « espace de dette » ? Pour les promoteurs, il s'agit des prêts immobiliers pour les espaces qu'ils construisent. Le développement foncier implique « abattre un arbre, bâtir une maison », jouant un rôle actif dans l'urbanisation bétonnée actuelle. Chaque immeuble élevé nécessite l'abattage de nombreux arbres, faisant de la nature une victime cruelle, comme un bourreau. C'est le destin collectif de l'humanité apporté par l'évolution de la civilisation.

Après avoir cessé de construire, Hsu Chin-Yuan parcourt les côtes uniques de l'archipel sud avec son appareil photo, se rendant à Baishuiwan, Beimen, Taïnan, un lieu à la fois familier et étranger. Il y photographie les troncs morts et les buissons sur la plage, contemple les forêts coupe-vent abattues sur le rivage et les dérivants emportés par les rivières vers la mer. Ces scènes éveillent en lui une multitude d'émotions, lui faisant presque voir les esprits des arbres enfouis sous les gratte-ciels. À travers sa création, il repense la signification de la dette : face à la nature, tous sont débiteurs, vivant tous dans un « espace de dette » (Note 2).

L'exposition « Espace de dette » de Hsu Chin-Yuan a lieu dans un ancien atelier de ferraille abandonné situé dans la zone industrielle de Kaohsiung. Elle ne met pas seulement à l'épreuve les œuvres, mais affirme aussi l'espace qui les accueille. Cette installation environnementale exploite la hauteur et la profondeur de l'ancien hangar en tôle, la lumière filtrant par le toit, les deux grands murs de ciment et les rangées de fenêtres métalliques. Ni murs blancs impeccables, ni éclairage brillant, ni sol propre : le sol est couvert de poussière et de cendres anciennes.

Dans cet environnement industriel exigeant, l'espace est aménagé pour mettre en valeur les œuvres. Cinq pièces sont exposées, mêlant photographie, vidéo, installation, sculpture sur fer et objets divers : l'installation spatiale intégrative « Abattre un arbre, bâtir une maison » est placée dans une grande boîte cubique purement blanche, semblable à une salle funéraire, racontant la libération des âmes des arbres. Suivant les rituels religieux traditionnels taïwanais, elle devient le cœur de cette exposition. Sur le mur d'entrée de la boîte blanche noire se trouve la photographie « Brûler le bateau roi » (2018). La cérémonie a d'abord eu lieu sur la plage de Beimen, Taïnan. Dans une scène dramatique, le bateau roi, chargé de trésors en or et argent ainsi que de sacrifices humains (un couple nu), navigue vers le gouffre noir. Consumé par les flammes, il élève les âmes souffrantes, priant pour la paix du pays et du peuple, évoquant ainsi une relation de dette entre les hommes et les dieux.

Dialogue en face à face entre les deux œuvres « Boîte blanche » et « Espace noir » : continuant à utiliser l'image « Brûler le bateau roi » pour créer de nouveaux objets, l'artiste utilise ensuite une pelle mécanique sur la plage de Beimen pour déplacer les restes de deux arbres près du bateau roi. Le cortège funéraire suit la côte, traverse les campagnes et les rues animées de la ville, avant de s'arrêter dans l'atelier abandonné. Ce processus de transfert est filmé à longue exposition depuis la perspective de la pelle mécanique, avec une caméra sténopé. À gauche, une photographie compresse le temps et l'espace du cortège ; la longue exposition déconstruit la réalité, visant à illustrer les dimensions temporelles et spatiales. À droite, un objet laissé par le brûlage du bateau roi, marqué par les traces dorées brûlées – les vestiges de l'esprit de l'arbre –, est érigé. Devant lui, trois petits coussins de prière sont disposés comme sur un autel. Une lune pleine sur le mur ? On perçoit le soin minutieux apporté à l'aménagement spatial. Un petit écran près de l'arbre diffuse un documentaire en noir et blanc du processus de transfert. Sous une atmosphère solennelle et sacrée, invitant les spectateurs à méditer, l'artiste semble agir comme un prêtre, sondant métaphysiquement l'inconnu et les mondes supra-dimensionnels.

Dialogue en face à face entre les deux œuvres « Boîte blanche » et « Espace noir » : continuant à utiliser l'image « Brûler le bateau roi » pour créer de nouveaux objets, l'artiste utilise ensuite une pelle mécanique sur la plage de Beimen pour déplacer les restes de deux arbres près du bateau roi. Le cortège funéraire suit la côte, traverse les campagnes et les rues animées de la ville, avant de s'arrêter dans l'atelier abandonné. À gauche, une photographie compresse le temps et l'espace du cortège ; la longue exposition déconstruit la réalité, visant à illustrer les dimensions temporelles et spatiales. À droite, un objet laissé par le brûlage du bateau roi, marqué par les traces dorées brûlées – les vestiges de l'esprit de l'arbre –, est érigé. Devant lui, trois petits coussins de prière sont disposés comme sur un autel. Une lune pleine sur le mur ? On perçoit le soin minutieux apporté à l'aménagement spatial. Un petit écran près de l'arbre diffuse un documentaire en noir et blanc du processus de transfert. Sous une atmosphère solennelle et sacrée, invitant les spectateurs à méditer, l'artiste semble agir comme un prêtre.

L'installation contrastée juxtaposant la photographie en noir et blanc « Cercueil et cercueil » avec un objet transparent rempli de sable formant un cercueil. L'image légèrement floue montre un corps silencieux (mort) sur la plage. La vie et la mort sont des phénomènes naturels humains ; la mort est un retour à la nature, une émotion cosmique. Sous un horizon minimaliste et les courbes ondulantes des dunes, structurées par deux lignes diagonales (le corps et le radeau de bois flotté), l'œuvre illustre le retour naturel du corps humain, l'âme étant éternelle. En regardant au loin, le cercueil transparent devant représente le signe de l'évolution civile. Hélas, cela dénature également la mort (le cercueil devenant un rituel hiérarchisé mondain, satisfaisant uniquement la vanité humaine), éloignant davantage la distance entre l'homme et la nature. L'intention est d'explorer, via l'image et l'objet en verre, le dialogue sur la relation de dette entre attachement et détachement dans le monde humain.

« La distance entre l'homme et la nature » : depuis le coup de cloche de la révolution industrielle annonçant la fin de la nature, cette œuvre est constituée d'une série de seize photographies en noir et blanc de paysages de plage, assemblées en une installation spatiale fluide. Elle contraste fortement avec la plateforme géométrique de l'ancien atelier de fer. Devant est suspendue une sculpture en acier représentant un grappin industriel, symbole de l'évolution industrielle, tandis qu'un mannequin brisé photographié sur la plage est suspendu à l'envers. Cela évoque un rituel de conflit entre l'évolution de la civilisation industrielle et la nature, pointant du doigt la cupidité dans le concept de progrès humain et l'exploitation incontrôlée des ressources naturelles. La destruction de l'environnement écologique et les catastrophes naturelles ou humaines sont alarmantes, confirmant la déclaration de l'artiste : « Face à la nature, tous sont débiteurs, vivant tous dans un espace de dette » (Note 3).

Une autre œuvre, « Sans titre », est une pièce dédiée à la mémoire de la grand-mère de l'artiste. Elle présente sur la plage une pile d'objets recouverts d'une bâche bleue de Kaohsiung, surmontée d'un gros tronc d'arbre brûlé. Au premier plan, une femme nue est allongée, créant un écho dramatique avec l'horizon. Cette scène dramatique et ce décor métaphorisent les émotions et la conscience de l'artiste, appelant à une connexion et une préoccupation envers la terre maternelle soumise à une invasion impitoyable. L'artiste extrait également des éléments de l'image pour créer des objets utilisés dans l'installation environnementale, recomposés selon les concepts de résurrection et de renaissance : un long bassin d'eau au premier plan, divisant une toile blanche à la surface ; suspendu au-dessus du bassin, le même gros tronc d'arbre brûlé vu dans l'image. L'objet et l'image dialoguent et se confirment mutuellement. En face, une toile bleue de Kaohsiung usée (une œuvre de l'artiste représentant la mer, marquée par le temps et l'eau de mer) est suspendue. Légèrement agitée par la brise, elle révèle la dimension temporelle et dialogue avec l'image précédente. Cette méthode originale de construction à partir d'une seule image est très habile ; son processus de mise en place devient une force de transformation artistique, présentée de manière rituelle.

Enfin, à l'arrière de l'atelier, l'installation circulaire revient à la première œuvre « Abattre un arbre, bâtir une maison », spécifiquement l'objet « bateau roi ». Il s'agit d'un bateau roi peint à la main collé sur du verre, dont les cendres, issues d'un rituel de feu, sont scellées dans l'image. Les flammes transforment la matière, ouvrant des possibilités artistiques et dimensionnelles, répondant aux quatre autres installations et concluant parfaitement le discours de l'exposition.

Remarque : Lorsque le soleil se couche, que la nuit engloutit lentement la terre et que les lumières s'allument, l'espace d'exposition de l'atelier est baigné par quelques lampes soigneusement disposées par l'artiste, créant un domaine magique. Cela transforme l'atmosphère en quelque chose de chaleureux et de suggestif. Les œuvres sont mises en valeur, accentuant les dimensions de l'espace, immergées dans une atmosphère mystérieuse et profonde. De jour à nuit, une rencontre belle et inattendue avec l'espace et le lieu se produit.

15 novembre 2019, à Zhuluo Shan Tao Cheng Note 1 : Se référer au texte de l'exposition « Espace de dette » de Hsu Chin-Yuan 2019. Note 2 : Se référer au texte de l'exposition « Espace de dette » de Hsu Chin-Yuan 2019. Note 3 : Se référer au texte de l'exposition « Espace de dette » de Hsu Chin-Yuan 2019.