Agnes Martin – Rétrospective à la Tate Modern de Londres

0000 — Agnes Martin - Rétrospective à la Tate Modern de Londres

000 Agnes Martin 1912-2004 2015-07 — Grande affiche d'une artiste dans le désert du Nouveau-Mexique

001 Agnes Martin untitled 1957 oil paint and graphite on canvas — L'une des premières œuvres, sans titre, 1957, huile et graphite sur toile

001-2 Agnes Martin 1912-2004 falling bleu 1963 huile et graphite sur lin — falling bleu 1963 huile et graphite sur lin

002 Agnes Martin the tree 1964 oil paint and graphite on canvas — the tree 1964 oil paint and graphite on canvas

004 Agnes Martin adventure 1967 acrylic paint and graphite on canvas — adventure 1967 acrylic paint and graphite on canvas

016 Agnes Martin 1912-2004 untitled-5 1988 acrylique et graphite sur lin — untitled-5 1988 acrylique et graphite sur lin

Texte et photos / Chen Chi-Hsiang. Dates : du 3 juin au 11 octobre. Lieu : Londres, Tate Modern. Deux expositions personnelles d’artistes américains des années 1970 lors de notre visite aux musées londoniens en juillet, pendant les vacances d’été.

« Quand je pense à l’art, je le trouve beau. La beauté est le mystère de la vie ; elle ne se voit pas des yeux, mais se ressent avec le cœur. » — Agnes Martin

Agnes Martin (1921-2004) est l’une des artistes les plus visionnaires de l’art minimaliste américain, et l’une des rares femmes à avoir exclusivement pratiqué la peinture dans ce mouvement. Elle commence à peindre à la fin des années 1940. Ses premières œuvres, relevant d’un expressionnisme abstrait sensible, s’apparentent au style d’Arshile Gorky, Mark Rothko et Barnett Gottlieb. Pionnière de l’art minimaliste américain, elle affirme radicalement la valeur de l’art minimal dès 1958, alors que l’expressionnisme abstrait fait rage et que l’abstraction colorée monte en puissance. Dans une organisation linéaire rigoureuse, elle explore la relation entre forme et espace.

À partir de 1963, son œuvre atteint sa maturité, se purifiant dans un état d’esprit minimaliste. Sur des toiles carrées blanches, elle trace uniquement des lignes verticales ou parallèles fines et sensibles, réalisées au crayon ou selon des grises sensuelles, structurant ainsi la composition. Cette peinture sensible et purifiée devient le langage et le visage les plus emblématiques de Martin. Utilisant systématiquement le format standard carré (200 × 200 cm), qu’elle considère comme la forme la plus neutre, semblable à celle de Malevitch ou Reinhardt, Martin déclare : « Mes formes sont carrées, mais mes grilles n’ont jamais été véritablement carrées. Plutôt que d’être parfaitement carrées, elles créent un type aberrant, une discordance, que je n’ai jamais souhaitée dès le départ. »

En 1967, poussant ses recherches à leur limite, Martin interrompt brutalement sa pratique artistique et se retire dans le désert du Nouveau-Mexique. Elle reprend en 1972, explorant un nouveau plan presque éthéré, encore plus purifié, où elle interroge l’espace blanc vaste et contemplatif. De grandes toiles carrées sont traversées par seulement quatre ou six lignes fines bleues ou rouges, verticales ou parallèles. La couleur réelle y suscite une sensibilité aiguë, inédite, telle une illumination soudaine, profondément envoûtante.

Dans les années 1980, son travail se purifie davantage, atteignant un niveau minimal où il ne reste que deux lignes verticales ou parallèles traversant un espace blanc infini, s’approchant de la monochromie blanche sensible. Martin cherche à exprimer sa présence la plus pure, dans un état quasi éthéré, produisant les œuvres les plus spiritualisées du mouvement minimaliste, ancrées dans un monde métaphysique et symbolique. Ces recherches se situent entre celles de Barnett Newman et de Mark Rothko.