Le Christ mort (1480-1490), 68×81 cm, tempera sur toile, est conservé à la Pinacothèque de Milan. Mantegna est le peintre le plus représentatif de la Renaissance du nord de l'Italie. Élève de l'archéologue et peintre Squarcione, il fut fortement influencé par Donatello. Ses caractéristiques picturales se manifestent dans un réalisme naturel, raide et austère, que Vasari a qualifié de « style pierreux ». On perçoit dans ses œuvres son intérêt pour l'archéologie, en particulier sa passion pour les architectures anciennes et sa maîtrise de la perspective. En 1460, il devint peintre à la cour des Gonzague. En 1474, il peignit une série de fresques dans la « Chambre des Époux » du château pour commémorer la famille Gonzague ; les personnages semblent s'étendre dans l'espace intérieur. Plus remarquable encore, le plafond représente un balcon dont les occupants surplombent la scène sous un vaste ciel : il s'agit de la première illusionniste décorative entièrement réalisée en perspective ascendante de la Renaissance. Son œuvre la plus célèbre est ce Christ mort, où le drame pictural repose sur un raccourci prononcé.

Cette composition est la plus exceptionnelle parmi toutes les représentations de la mort du Christ Jésus. Dans ce réalisme naturel, raide et austère, le corps lourd du Christ gît sur le lit, le bas du corps recouvert d'un drap blanc plié qui laisse voir ses pieds au premier plan. On distingue clairement les blessures (les trous des clous) à ses mains et à ses pieds. Son corps robuste rend parfaitement la beauté anatomique masculine ; son visage apaisé, la tête légèrement inclinée vers la droite sur l'oreiller. L'ensemble du corps forme une ligne droite dans un raccourci perspectif très original, créant une profondeur spatiale extraordinaire sans précédent dans la peinture occidentale, et révélant une scène de lamentation – le Saint-Sépulcre – novatrice. Cependant, ici, la perspective géométrique normale n'est pas strictement respectée : la tête ne diminue pas. Il modifie les proportions de cette image visuelle naturelle pour renforcer la dimension émotionnelle et tragique. En haut à gauche (en diagonale), la Vierge au visage pâle et solitaire exprime une compassion infinie dans sa lamentation. Toute la peinture baigne dans une atmosphère désespérée aux tons sombres, formant une image de chagrin sans précédent.