Anish Kapoor, artiste

Texte et images / Chen Chi-Hsiang. Anish Kapoor (né en 1954 à Bombay, Inde) s’installe au Royaume-Uni au début des années 1970 ; il est l’une des figures clés de la nouvelle sculpture britannique des années 1980, célèbre pour ses couleurs intenses et ses formes envoûtantes. Imprégné d’un héritage indien profond et mystérieux ainsi que de sa philosophie, il subit le baptême de l’art moderne occidental, fusionnant expériences interculturelles et civilisations orientales et occidentales pour créer une esthétique métaphysique riche en méditation. Ses œuvres évoquent un espace imaginaire et religieux, faisant de lui l’un des sculpteurs les plus singuliers de notre époque.

Kapoor commence sa pratique artistique en 1974. Au début des années 1980, il attire l’attention par ses formes géométriques magiques et ses sculptures aux couleurs fortement expressives, souvent inspirées des traditions indiennes. Il utilise des pigments colorés (noir, blanc, rouge, jaune, bleu, vert, violet, etc.) sur ses sculptures, insufflant énergie et conscience. L’artiste explique : « Les pigments confèrent à l’objet une caractéristique invisible, produisant une sensation de forme complète, une unité structurale qui sert de concept fondamental avant et après, approchant des pratiques inexistantes. » La forme archétypale constitue le corps de l’œuvre, tandis que la couleur en est l’âme. Ces couleurs vives, semblables aux épices indiennes envoûtantes, sont puissantes et magnétiques. Elles renforcent la structure et l’intention métaphysique, injectant une force motrice dans des images initialement statiques. La couleur érode et dissout la forme, transformant les reliefs en surfaces planes et effaçant la profondeur, créant un espace mystérieux et sensuel, riche en réflexion et en imagination, révélant les secrets extraordinaires de la couleur.

Au milieu des années 1980, son approche devient plus originale : les couleurs vives disparaissent au profit d’un bleu profond et d’un noir majestueux. Il creuse des formes géométriques (cercles, rectangles, carrés) au centre de cubes ou de formes irrégulières, puis applique des couleurs, construisant un espace de conscience métaphysique profonde, dématérialisé et formalisé, atteignant l’état oriental mystique du « vide ». Il crée ainsi un monde de méditation religieuse. L’artiste déclare : « Le « vide » se présente à différents niveaux… Je suis souvent attiré par des concepts de peur, ressentis comme un vertige, une chute ou une aspiration vers l’intérieur. » À partir de 1986, il utilise divers matériaux tels que la fibre de verre et le polystyrène.

En 1990, il représente le Royaume-Uni à la Biennale de Venise. L’année suivante, il reçoit le prestigieux prix Turner, la plus haute distinction pour l’art contemporain au Royaume-Uni. Cette période marque l’exploration de nouveaux matériaux, la découverte de nouveaux espaces et une nouvelle incubation créative. Ses œuvres deviennent plus grandes et plus définies, se libérant des médias artisanaux et des techniques traditionnelles pour intégrer des matériaux industriels, oscillant entre objet, sculpture et installation spatiale. Au début des années 1990, il introduit des formes en vortex, utilisant de nouvelles méthodes pour transformer l’espace en objet. Sa première grande installation, Descent into Limbo (1992), est présentée à la Documenta en Allemagne.

Au milieu des années 1990, il ajoute de la feuille d’aluminium doré et développe des matériaux lisses et réfléchissants comme miroirs : acier inoxydable, marbre, résine. Chaque nouveau matériau offre une occasion de tester l’immatérialité. L’artiste note : « J’aime le concept selon lequel tous ces matériaux, pris ensemble, constituent une présentation de l’immatériel. » En 1999, il utilise pour la première fois du plastique PVC, aidé par les nouvelles technologies industrielles. En 2002, invité par la Tate Modern de Londres, il réalise Marstas, une immense œuvre intérieure rouge sombre longue de 155 mètres, qu’il décrit comme « matérialiser les astres ». Il continue d’explorer différents médias, réalisant notamment plusieurs monuments en acier inoxydable, tels que le monument aux victimes britanniques du 11 septembre à New York ou le monument urbain de Chicago.

De 2009 à 2010, il tient des rétrospectives à la Royal Academy of Arts de Londres et au Guggenheim Bilbao en Espagne. En 2011, invité à l’exposition Monuments, il expose au Grand Palais de Paris son vaste dispositif spatial Leviathan.