« Deadline » : exposition thématique sur les artistes face à la mort

L'exposition thématique « Deadline » a été présentée au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris du 16 octobre 2009 au 27 janvier 2010. Il s'agit d'une exposition spéciale novatrice consacrée aux artistes contemporains confrontés à leur propre mortalité, répondant aux épreuves traumatiques de la guerre, aux maladies invalidantes ou à la perte d'autonomie qui engendrent une souffrance intense. Par la création artistique, ils tentent de transcender la maladie et le corps physique, ou de traverser l'éveil de l'éclat vital émanant de la conscience de la mort. L'apparition du sida dans les années 80 a particulièrement modifié la perception de la fragilité de la vie, notamment au sein des milieux artistiques cultivés ; les décès prématurés de deux graffeurs new-yorkais célèbres, Keith Haring et Jean-Michel Basquiat, en sont des exemples flagrants. Face à l'inquiétude, la confusion et la douleur de la vie, ou à la torture des maladies et à la perte d'autonomie qu'elles entraînent, voire à la confrontation avec la sénilité, les artistes, tout en affrontant courageusement leur propre existence, présentent habilement les situations et les états du monde vivant.

Depuis la publication en 1970 par l'écrivain Gaëtan Picon de Ode au temps secoué, décrivant la naissance, la vieillesse, la maladie et la mort ainsi que la libération du corps physique, jusqu'à l'exposition thématique « Les Dernières Œuvres » organisée par la Fondation Maeght en 1989, qui abordait la production artistique tardive des créateurs selon une perspective transversale, l'exposition « Deadline » poursuit cette exploration approfondie de la question vitale. Elle propose un regard nouveau sur les artistes décédés au cours des vingt dernières années, dont beaucoup ont intégré l'ombre de la mort dans leurs œuvres ou se sont transcendés par celles-ci. De nombreuses pièces semblent devenir des stèles de voyage vers le point final de la vie ou des œuvres finales culminantes, présentant une illusion de libération sans précédent, aussi audacieuse qu'elle dépasse les limites de l'être dans l'espace-temps, souvent comme si elle présageait la vérité de l'arrivée de la mort. La mort libère effectivement l'individu des entraves du passé et des geôles corporelles d'hier ; les œuvres d'art deviennent alors le lieu et l'intensité de la libération de l'énergie et de la volonté finales des artistes, témoins éclatants d'une vie forte.

Douze artistes représentatifs y sont réunis, issus de la peinture, de la sculpture, de la photographie, de la vidéo et de l'installation. Le plus âgé est l'artiste américain expressionniste abstrait Willem de Kooning (93 ans), tandis que le plus jeune, l'artiste israélien Absalon, n'avait pas encore 30 ans. La plupart ont continué à créer avec force sous la torture de la maladie, jusqu'à leur dernier souffle, faisant de l'art la sortie la plus éclatante de leur vie et le monde où leur âme galopait. Le cas le plus long de cohabitation avec la maladie et de perte d'autonomie corporelle est celui du peintre réaliste narratif français Gilles Aillaud (pendant 28 ans) ; sa persévérance artistique non seulement émeut mais ébranle l'art lui-même. Tous ont exploré l'art avec une intensité maximale de leur existence, visant une plénitude vitale, cherchant à exprimer au mieux la vérité de la vie, comme pour interpréter tout ce qui existe. Certains thèmes jamais abordés auparavant sont soulevés ici : l'état du corps dévasté par la maladie, l'ombre de la mort et sa mise en scène, les références éternelles de l'histoire de l'art... Parfois, c'est l'évolution du processus créatif qui est montrée : un ralentissement soudain ou une accélération du rythme, l'utilisation de nouvelles technologies médicales, une forme presque épuisée, la privation de l'acte pictural, ou encore l'usage de formes et de couleurs inhabituelles et extraordinaires, reflétant des points de vue atypiques.

Martin Kippenberger (1953-1997) était un artiste néo-expressionniste allemand polyvalent de la nouvelle génération, qui remettait en question l'originalité des œuvres sous le défi subversif du néo-dadaïsme. Mort prématurément à 44 ans d'une hépatite aiguë alors que son art atteignait son apogée, ses œuvres étaient multiples et complexes. Ses productions tardives étaient empreintes de l'ombre de la mort, notamment dans sa série de 1996 faisant référence aux chefs-d'œuvre mondiaux de Picasso et Géricault. Dans sa réinterprétation du Radeau de la Méduse de Géricault, mélancolique et dramatique, il utilisait ses propres photographies corporelles pour représenter la scène de mort sur le radeau, illustrant la tragédie humaine et l'éclatement de la vie.

Felix Gonzalez-Torres (1957-1996) était l'un des artistes les plus représentatifs des États-Unis dans les années 90, spécialisé dans les objets et les concepts, maîtrisant les objets quotidiens pour leur conférer un sens extraordinaire. Bien que porteur du virus du sida, il maintenait une attitude créative optimiste et proactive. Ses œuvres incarnent souvent des notions d'amour inégalable, de perte, de renouveau et d'espoir, cherchant à partager, par l'art, une dimension ouverte totale. Ayant expérimenté la brièveté et les limites de la vie, son impermanence et sa fluidité, il explorait habilement via l'art une permanence métaphysique ou symbolique de l'être. Ainsi, nombre de ses œuvres conservent leur plasticité physique dans la temporalité.

Chen Zhen (1955-2000) était l'artiste chinois le plus représentatif vivant à Paris dans les années 90. Arrivé en France en 1986, il a développé initialement une série de thèmes sur la migration et le déplacement à partir de sa situation d'étranger, construisant des objets et des installations dans un langage globalisé localisé. Rapidement, après avoir contracté une maladie incurable, la souffrance physique a changé l'orientation globale de sa création, la concentrant directement sur son propre corps fixe, cherchant à transmettre par ses œuvres la volonté de combat et l'expérience de l'anémie. Issu d'une famille de médecins traditionnels chinois, il endossait aussi le rôle de médecin, espérant simplement guérir son propre corps, transformant ainsi sa maladie en inspiration et énergie créative. L'artiste disait avec optimisme : « J'accepte une autre bénédiction : c'est cette maladie grave. Les crises incessantes, la douleur, les difficultés physiques et psychologiques également évidentes, m'accompagnent toute ma vie et forgent ma volonté et mon esprit. Elles se transforment en source d'énergie existentielle ; cette énergie exceptionnelle me permet de continuer à vivre et d'aimer toujours l'art. »

Absalon (1964-1993) mourut prématurément à 29 ans, tel Raphaël dans l'histoire de l'art. Diagnostiqué porteur du virus du sida très jeune, sa carrière artistique fut fulgurante. Durant sa courte vie, il produisit rapidement à partir de 1989, se concentrant sur une création artistique intense, développant une série de projets architecturaux utopiques intitulée « Habitat Personnel ». Cet espace d'état corporel et mental ressemblait au corps prisonnier de l'artiste ; les volumes blancs de cette série d'habitats personnels partaient des limites corporelles fixes de l'artiste, évoquant les perspectives de vie individuelle. Ses œuvres étaient le reflet authentique de la vie personnelle de l'artiste, ainsi qu'un autre corps existant. Tardivement, l'artiste s'est étendu à la vidéo expérimentale, présentant par ses performances personnelles la rébellion, la violence et l'agitation de la vie.

Robert Mapplethorpe (1946-1989) était l'un des photographes américains les plus célèbres de nos jours. Depuis le début des années 70, il était connu pour ses œuvres noir et blanc élégantes (portraits célèbres, nus et natures mortes), oscillant entre esthétique et provocation. Atteint du sida à partir de 1986, la maladie l'a épuisé, l'empêchant de continuer à photographier des modèles. Il a commencé à photographier des objets symboliques périphériques, tels que des crânes suggérant la vacuité de toutes choses, ou des bustes en marbre et en cuivre métaphorisant ce qui n'est ni temporel ni mortel. Son dernier autoportrait, les yeux perçants tenant une canne-crâne, présente avec élégance la lumière de la vie et la vérité de l'existence, devenant une stèle de voyage vers le point final de la vie ou une œuvre finale culminante.

Hannah Villiger (1951-1997) était une photographe suisse célèbre. Atteinte de tuberculose pulmonaire aiguë en 1980, elle a été placée en isolement pendant plusieurs mois. Cela lui a permis de réfléchir seule et de faire face à son état de vie, examinant attentivement les phénomènes de son corps dans cet environnement spécial, et enregistrant avec sensibilité ces séries de paysages et de situations corporelles novatrices grâce à un appareil photo instantané. L'artiste déclarait : « Lorsque je crée, je transforme mon corps en objet : il devient la matière de mon travail. Je le manipule dans ces conditions : malade, je suis perdu, même certains gestes deviennent problématiques, ou plus précisément, il est difficile de simplement se pencher. »

Gilles Aillaud (1928-2005) était l'un des peintres français les plus représentatifs du réalisme narratif européen des années 70, et l'un des promoteurs et théoriciens les plus actifs de ce mouvement. Sa peinture la plus célèbre, indubitablement, est la série des animaux du zoo. À partir de 1964 jusqu'à aujourd'hui, les animaux qu'il peignaient semblaient pitoyablement enfermés dans des cages de fer, isolés de l'environnement naturel, devenant des métaphores des diverses conditions sociales et de survie humaines. Après un accident vasculaire cérébral paralysant la moitié de son corps en 1977, il a commencé à relever le défi de la réalité et a perdu son autonomie corporelle. Bien que handicapé, il a poursuivi avec courage l'art qu'il aimait. Bien que son rythme de création ait été lent, aidé par sa famille, il a réalisé certaines toiles. En bonne santé, il peignait des animaux enfermés dans des cages de fer ; après son handicap, il peignait des groupes d'oiseaux volant librement dans des paysages naturels lumineux, métaphore du vol et du galop de l'esprit et de la volonté libres. L'art devenait la sortie de la vie et le chant élevé de l'âme. Il a ainsi maintenu sa vie existante pendant 28 ans, ce qui est difficile à imaginer.

Jorg Immendorff (1945-2007) était l'un des peintres les plus représentatifs du néo-expressionnisme allemand des années 80, un artiste de ligne politique de gauche dont toute la création tournait autour du marxisme et du monde idéal utopique. Son inspiration picturale provenait de l'histoire récente de l'Allemagne, et son œuvre majeure est la série « Café ». Imprévisible et changeante étant la nature humaine et la vie, alors que l'artiste atteignait l'apogée de sa création en 1998, il a contracté une sclérose osseuse rare (le système nerveux s'atrophiant progressivement). Il a continué à enseigner et à créer avec l'aide de nombreux assistants, bénéficiant de bases de données d'images informatisées. Dès lors, toutes ses œuvres reflétaient l'aggravation progressive de son état, présentant symboliquement le système nerveux via des collages et des citations. En 2004, l'état de rigidité et de luxation du corps s'est aggravé ; son autoportrait assis dans un fauteuil roulant, souffrant atrocement, semblait entrer dans unesituation onirique infernale. Finalement immobilisé, il ne pouvait que diriger verbalement les assistants à participer à la création, suivant ce qu'il appelait : « Comme un chef d'orchestre ».

James Lee Byars (1932-1997) était l'un des solitaires les plus emblématiques du milieu artistique occidental des années 70, artiste américain longtemps actif en Europe, ami proche de Joseph Beuys. Il combinait diverses expressions créatives : art conceptuel, performance, art objet et installation. Mystique alchimiste moderne, sa création se rapprochait de Marcel Broodthaers et de Beuys, ses œuvres échappant à toutes les catégories d'art contemporain. Byars considérait que sa pensée était orientale, sa position créative réelle reposant sur les philosophies de Stein, Einstein et Wittgenstein. Atteint de cancer en 1990, l'ombre de la mort entourait toutes ses créations et projetait la disparition de son propre corps dans ses œuvres. Il estimait que « la mort est comme un concept esthétique, faisant partie de la vie ». Ses œuvres étaient très humanistes, ciblant l'esprit et la spiritualité humains, car son objectif était de poursuivre le suprême bien de l'humanité.

Joan Mitchell (1925-1992) était la peintre la plus représentative de l'expressionnisme abstrait américain des années 60. En 1960, elle a quitté New York pour s'installer à Vétheuil, sanctuaire impressionniste français (non loin de Giverny de Monet). Libérant la conscience subjective des paysages naturels, elle renforçait les formes et utilisait des couleurs vives et fougueuses, manifestant pleinement la tension picturale et une sensibilité extraordinaire. Quelques années plus tard, face à des maladies corporelles difficiles, l'artiste a fait preuve d'un courage total pour lutter jusqu'au bout contre la maladie. Elle disait : « J'existe, nous existons, nous ne savons pas ce que sera l'avenir, mais j'ai peur de la mort... » Sous le choc interne de cette contradiction face au défi de la vie dans ses dernières années, elle opposait le vide laissé par ces traits épais luxuriants et ces couleurs puissantes, émettant un éclat et une conscience vitaux excellents.

Willem de Kooning (1904-1997) était le peintre le plus représentatif de l'expressionnisme abstrait action américain des années 50, célèbre pour ses peintures figuratives et abstraites de femmes aux signes distinctifs. À 76 ans en juillet 1980, il a commencé à subir une dégénérescence mentale, entrant dans une phase de création prolifique et singulière. Il a maintenu sa vigilance et sa concentration sur la peinture qu'il aimait. Cependant, devenant de plus en plus lent et distrait, ses œuvres perdaient la rigueur et la densité du passé, entrant dans unesituation de distribution lâche, formant un nouveau style novateur tardif : aplatissement, remplissage de lignes colorées irrégulières, structures simples, assez cohérents, dans l'ensemble paisibles. S'appuyant sur sa riche expérience picturale pour ouvrir de nouvelles voies, il a développé, dans un équilibre complexe entre tension et complexité, la conscience de l'existence vitale et le cristal de l'art.

Hans Hartung (1904-1989) était l'un des principaux figures de l'abstraction lyrique parisienne française des années 50, l'un des rares créateurs vieillissants mais vigoureux du milieu artistique (vivant jusqu'à 85 ans). Âgé de 82 ans, un accident vasculaire cérébral l'a paralysé sur un côté, lui faisant perdre son autonomie corporelle. Après des traitements médicaux et une rééducation physique, il est retourné dans son atelier, reprenant le pinceau avec l'aide d'assistants, poussé par une passion et une volonté, créant au total 650 œuvres en trois ans de carrière artistique finale. Pour cette production riche, le peintre disait : « C'est une vitalité juvénile exceptionnelle qui me permet une telle énergie créative, surtout pour peindre de grands formats. » Tardivement, il a continué à étendre les nouvelles expériences picturales, essayant de créer un système de pulvérisation global à l'aide d'un pulvérisateur agricole. Cet nouvel outil lui permettait de libérer pleinement des coups de pinceau extraordinaires et des séries de couleurs riches et variées, renforçant la conscience libre et l'espace imaginaire, ouvrant un nouveau ciel abstrait, portant son art à un apogée sans précédent.