« Dynasty » Exposition d'art contemporain français jeune (partie 2)

Melanie Delattre -Vogt Instruction 27.9x24.9cm dessin 2010

L'art vidéo pluriel : Grâce aux diverses possibilités offertes par la numérisation et les nouvelles technologies actuelles, l'art vidéo semble encore plus potentiel. À la frontière de ces sciences et arts pluriels, le croisement des disciplines et des domaines ainsi que l'entrelacement de divers thèmes deviennent le noyau de création de nombreuses nouvelles figures, tentant d'y convertir et d'explorer de nouvelles formes et les nouvelles significations qu'elles apportent. Cette exposition présente plusieurs types : documentaire, expressif, social et abstrait. Les œuvres d'Abrantes et de Crotty sont les plus fascinantes, avec une imagerie hollywoodienne exceptionnelle, une histoire émouvante et une exploration de questions contemporaines. Mohamed Bourouissa utilise de manière originale un téléphone portable pour créer des vidéos et y ajoute une expression par SMS. Les plus remarquables sont Giraud et Siboni, qui transforment la programmation informatique en vidéos abstraites d'espaces et d'objets compréhensibles.

Gabriel Abrantes (né en 1984) et Benjamin Crotty (né en 1979) ont les œuvres les plus envoûtantes, avec une aura de film hollywoodien américain. Les deux films sont profonds en signification et en réflexion. « Liberté » : dépeint l'histoire d'amour d'une jeune fille chinoise résidant en Angola, en Afrique, tombant amoureuse d'un bel Africain. Dans une ambiance romantique, elle expose les différences de contexte culturel et de valeurs sociales. « Une vision de l'Irak » utilise un mode narratif pour exprimer l'état d'esprit d'un jeune Portugais se préparant à quitter sa famille pour le champ de bataille en Irak. Sous le conflit et l'inquiétude, il présente l'état psychologique du jeune homme et des membres de sa famille. Les deux ont un point de vue fortement critique de la société.

Fabien Giraud (né en 1980) et Raphael Siboni (né en 1981) créent des vidéos rares de nature abstraite. Ils considèrent le monde comme un paysage en flux constant, cette sensation étant la même dans les processus d'information, rien n'est fixe, tout est en métamorphose et transformation. Deux œuvres sont présentées ici - intitulées « Sans titre (La vallée von Uexkull 1920x1080) » et « Sans titre (Si certaines parties certaines choses simplement te remplacent) ». Sur deux grands écrans de cinéma, apparemment vides, très très lentement, dans un coin du bord, une fine couche de rouge coucher de soleil s'élève progressivement. Dans une ambiance poétique et pittoresque, elle se transforme progressivement, comme une immense peinture monochrome. Les deux œuvres créent un monde où le programme informatique est l'échelle : des différences subtiles excluent déjà le système humain et réagissent à sa périphérie.

Florian Pugnaire (né en 1980) et David Raffini (né en 1982) font un art comme un jeu ou un champ de bataille, se concentrant particulièrement sur le processus de fabrication de l'œuvre. Leur œuvre est intimement liée à la pratique, l'action et la performance. Au Musée d'art moderne, ils confrontent une vidéo de performance à la sculpture et à la peinture. Au Palais de Tokyo, ils projettent un documentaire sur la reconstitution d'une bataille de l'époque napoléonienne. Pauline Curnier Jardin (née en 1980) présente une installation vidéo « performance-film », via des actions continues et des images fragmentaires, dans un rythme musical lyrique, racontant rapidement une situation extraordinaire.

Mohamed Bourouissa (né en 1978) est l'artiste participant ayant le plus haut niveau d'études, de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, du Fresnoy - Studio national des arts contemporains, et docteur en arts plastiques de l'université Paris-Sorbonne. Dans des comportements et attitudes, il transmet des émotions et des tensions instantanées via la vidéo. Particulièrement les situations de vie en banlieue parisienne, il considère la banlieue comme un territoire géographique et spirituel, comme un objet conceptuel, comme au Palais de Tokyo « Le temps suspendu » : enregistré avec un téléphone portable, le paysage d'un RER passant par la banlieue, parallèlement à une conversation avec un ami en prison. Dans le langage SMS et une imagerie brute, cela ouvre un espace d'imagination extraordinaire.

L'artiste chinois Chen Yang (né en 1979) utilise ses souvenirs personnels comme source de création, dans une nostalgie et une mélancolie, comme « Une belle journée » : sur un chantier de construction, un aquarium, à l'intérieur un groupe de poissons jouant librement au son d'une chanson chinoise « Une belle journée », tout en ajoutant dans l'eau des morceaux de sucre carré, jusqu'à remplir l'aquarium, rendant ces poissons incapables de bouger, métaphore forte des inquiétudes et de l'anxiété des résidents face à un projet imminent de relocalisation du village. Rebecca Dige (née en 1982) via des images fixes, répétitives et lentes, tente d'extraire le temps et l'espace, comme « Lever les mains immobile » dépeint la situation ambiguë d'un jeune homme face à face levant les mains, bougeant sans bouger, semblant faire face à un contrôle de police ou autre.

Bertrand Dezoteau (né en 1982) utilise des images d'archives de formes diverses et des collages fragmentaires pour construire une situation et une imagination irréelles.

Des installations sonores novatrices : L'exploration sonore existe depuis longtemps, le bruit des futuristes italiens, les collages sonores de Rauschenberg, etc., les diverses explorations avant-gardistes sonores et musicales du mouvement Fluxus international. Depuis les années 1990, l'exploration sonore a suscité un intérêt renouvelé. La popularité de la musique techno, ajoutée aux possibilités offertes par les nouvelles technologies audiovisuelles actuelles, a déclenché une exploration sans précédent du son, ou des arts plastiques de l'installation sonore. Dans cette plastique sonore, l'accent est mis sur la technique ou l'intention de découvrir de nouveaux éléments sonores à partir des nouvelles technologies et de redéfinir le son. D'autre part, on tente de développer de nouveaux sens et de nouvelles expériences auditives. Ici, Robin Meier et Ali Momeni Truce mènent une exploration sonore très professionnelle (tous deux issus du conservatoire de musique), mettant l'accent sur les nouvelles technologies, naviguant à la frontière de l'art et de la science, explorant diverses possibilités sonores et audiovisuelles. En comparaison, l'œuvre de Pierre-Laurent Cassière (diplômé de l'École des beaux-arts de Nice) semble très artisanale et simple, avec une certaine dimension ludique et conceptuelle, mettant l'accent sur de nouvelles expériences et sensations auditives.

Robin Meier (né en 1980) et Ali Momeni Truce (né en 1975) explorent la frontière entre l'art et la science, se concentrant particulièrement sur l'interaction entre l'homme et la machine, tentant d'explorer diverses possibilités via les processus des nouvelles technologies. Au Musée d'art moderne, « Tentative d'appeler les autres » est une installation spatiale sonore de forme monumentale. Sur le grand escalier devant la rotonde Dufy, des haut-parleurs sont suspendus en rangées. Dans cet environnement sonore, on entend le son d'une tempête formée par des ondes électromagnétiques, des chants, des incantations et des sons de rituels asiatiques et indiens, etc., plongeant les gens dans un espace d'imagination alternatif. Au Palais de Tokyo, « Le truc : stratégie pour un algorithme de temps post-apocalyptique » est une installation son et lumière assez technique et scientifique, avec des ampoules électriques, des haut-parleurs et trois plateaux de microscope. Sous le microscope, on peut voir des insectes similaires, et des images sont projetées sur le mur, tout en entendant une mystérieuse musique traditionnelle indienne.

Pierre-Laurent Cassière (1982) remet en question divers champs de vibration sonore, se manifestant à la limite de la perception. Son installation spatiale sonore offre aux spectateurs une expérience auditive extraordinaire et favorise de nouvelles capacités sensorielles. Comme l'installation spatiale « Mag-Net » au Musée d'art moderne, il utilise un fil de cuivre caché entourant toute la salle d'exposition, tentant de capter directement les ondes électromagnétiques de l'espace, les manifestant dans une installation sonore à distance, avec des sons subtils et sensibles. Au Palais de Tokyo, « Transport » son et lumière, combine une ampoule et un dissipateur thermique en mica. Via un laser, sous un effet de lumière, le dissipateur est perturbé et vibre, produisant ainsi un son novateur dans l'air.

L'exploration « post » conceptuelle : L'art conceptuel « post » actuel, faisant suite au passé et ouvrant l'avenir, intègre dans les multiples facettes potentielles du « post » conceptuel une sensation contemporaine et une vision au vocabulaire personnel unique, conservant encore une fraîcheur expressive. Benoit Maire (né en 1978), diplômé de l'École des beaux-arts de Nice et titulaire d'une maîtrise de philosophie de la Sorbonne, entreprend une exploration conceptuelle de « l'esthétique différente », une expression multiforme : rassemblant notes, dessins, collages, peintures, photos, objets, sculptures, etc., comme un arrangement équilibré et prudent d'images et de concepts, tentant d'en extraire une esthétique émergeant entre le spirituel et le plastique. Le concept dit « différent » s'appuie sur le théoricien postmoderne Jean-François Lyotard, permettant d'abord, après deux paradigmes, de structurer l'art conceptuel postérieur : rendre relatif et la forme linguistique.

Laetitia Badaut Haussmann (née en 1980) dans la forme de l'art conceptuel postérieur, pratique une exploration conceptuelle plurielle, acceptant ouvertement tous les médias possibles : sculpture, vidéo, texte ou photo, rassemblant des vecteurs de questions d'actualité pour décrire la mémoire historique. Dans cette exposition, elle interroge la mémoire historique de ces deux lieux. Devant le Musée d'art moderne, elle plante un cèdre, mémoire du lieu de 1937. Au Palais de Tokyo, avec une sonate pour piano, elle évoque l'accident où les nazis allemands ont caché les pianos confisqués aux Juifs dans le sous-sol de ce bâtiment pendant la Seconde Guerre mondiale.

Louie Herve (né en 1981) et Chloe Maillet (née en 1981) créent une œuvre conceptuelle plurielle, mêlant archéologie, histoire et virtuel, fabriquant diverses possibilités à partir d'échantillons de matière prélevés dans leur environnement pour développer des connexions. Comme au Palais de Tokyo, où elles transforment une lanterne arabe à huile en projecteur, projetant à intervalles réguliers « L'homme le plus fort ». Au Musée d'art moderne, elles utilisent un projecteur de conférence pour projeter « L'homme le plus fort - Hercule et Massinissa », cherchant à révéler la complicité entre ce film et ce bâtiment. Cyril Verde (né en 1986) collabore depuis 2007 avec Mathis Collins Tuyan (né en 1986), tournant souvent autour d'anecdotes historiques. Cette exposition explore particulièrement à nouveau l'histoire de Paris, surtout l'histoire du puits des Artésiens à la fin du XIXe siècle. Et au Palais de Tokyo, avec une installation d'objets et de motifs, elle indique que le puits des Artésiens se trouve ici. Au Musée d'art moderne, ils présentent en série tous les documents et objets qu'ils ont collectés sur le huitième puits des Artésiens.

Alain Della Negra (né en 1975) et Kaori Kinoshita (née en 1970) s'engagent dans une création multiforme, photos, vidéos, objets, etc., explorant un monde potentiel invisible. Alexandre Singh (né en 1980) combine dans une forme d'architecture mentale des constructions conceptuelles, collages, images, phrases. Il mène une imagination quasi alchimique, convertissant les protocoles visuels, les composant sous une forme systématique en formes géométriques, l'œuvre éclatant souvent d'un effet d'illusion scintillant.

La peinture en cage : Dans cette tempête d'objets, d'images vidéo et d'installations spatiales, la peinture est moribonde, une peinture faible, évoluant dans les formes diverses d'après le postmodernisme. La plupart dans cette exposition relèvent du domaine figuratif, mettant l'accent sur l'anecdotique et le narratif. Outre l'intention de proposer de nouvelles sensations, on voit peu de facettes picturales plus plurielles et de points de vue possibles, très français. Anormalement, dans le marché de l'art actuel, c'est encore la peinture sans nouveauté qui prédomine. Qui peut dire que la peinture est morte ? N'est-ce pas ?

L'artiste zimbabwéen Duncan Wylie (né en 1975) utilise « le tremblement de terre » comme thème de création picturale, se concentrant sur des touches vigoureuses et des couleurs fortes pour représenter les bâtiments et maisons chaotiques, renversés et effondrés après le séisme, mettant en valeur le pouvoir expressif de la peinture. Dans une utopie picturale, il explore l'espace structurel et son expérience personnelle. Établi entre le figuratif et l'abstrait, le réel et l'imaginaire, l'individu et le monde. La peintre syrienne Farah Atassi (née en 1981) via les lignes et les surfaces colorées des portes et fenêtres intérieures, des tables et chaises, des meubles et des objets, ces espaces privés et publics dépouillés, présente une peinture de forme géométrique rigoureusement construite. Elle appelle cela « le lieu transformé », entre forme et surface colorée, espace et structure, figuratif et abstrait. Jean-Xavier Renaud (né en 1977) dans le goût traditionnel de la « mauvaise » peinture, via une peinture expressive sensible et des dessins poétiques, sous un angle ironique et critique, tente d'explorer les conventions sociales et les relations humaines avec leurs limites, comme « Rassemblement » et « Cri ». Guillaume Bresson (né en 1982) dans un style narratif photoréaliste, présente des violences urbaines dramatiques, particulièrement « la scène de dispute et de duel dans un parking souterrain ». Sous une forme post-historique, il fait référence de manière plurielle à l'histoire de la peinture : la structure de Poussin, le clair-obscur du Caravage, les thèmes tragiques de Géricault. Armand Jalut (né en 1976) pratique une peinture multiforme, mêlant pop art et bande dessinée, empruntant à l'art populaire français et au cinéma américain. Sous une forme postmoderne, humoristique et ironique, parfois comique parfois grotesque, entre figuratif et abstrait, réel et imaginaire. Raphaelle Rico (née en 1973) est une peintre graffeuse de la nouvelle génération de la Figuration libre. Son inspiration vient de la culture populaire étendue et des sous-cultures, des dessins animés, des bandes dessinées, de la publicité et du cinéma. Assez instinctive et sensible, elle juxtapose souvent deux peintures, collant occasionnellement de petites figurines sur la surface de la peinture. Son imagerie forte possède un pouvoir choquant.

Melanie Delattre (née en 1984) se concentre sur le dessin. Ces motifs proviennent d'images de photos et de magazines. Via la collecte de fragments de diverses catégories, ils forment une image déconstruite, puis se recomposent intentionnellement et involontairement en une imagerie alternative. Son œuvre possède un espace d'imagination sur-réel.