L'École de Paris - Peinture abstraite

Lorsque la civilisation traverse des terres désolées, sombres et vides, elle atteint l'abîme intérieur de l'humanité. Après la Seconde Guerre mondiale, toute la civilisation humaine a progressivement sombré dans la désillusion. L'art de cette époque a tenté de s'auto-libérer de l'esprit humain, utilisant des formes et des couleurs pures pour manifester un langage sensible dans le domaine métaphysique de l'esprit, tendant vers un état idéaliste, et cherchant également à guérir la désillusion de la vie et les blessures subies par l'âme, ce qui est devenu l'essence de la création de la peinture abstraite d'après-guerre.

L'art abstrait lyrique parisien des années 50 d'après-guerre était une réaction contre la monotonie, la retenue, l'ascétisme et la non-expressivité oppressive de l'art géométrique abstrait d'avant-guerre. Ils ont hérité de l'imagerie intérieure et de la peinture abstraite lyrique musicale du cubisme, de l'expressionnisme, et d'artistes comme Kandinsky, Kubin et Klee, tentant de composer avec des points, des lignes, des surfaces et l'espace, en accordant une attention à la forme sur la surface du support. Au sein de l'humanisme européen, ils ont saisi l'acte inconscient du surréalisme et, à travers des techniques automatiques, se sont libérés par une méthode abstraite libre, accordant de l'importance à l'intention de l'image mentale, imprégnés d'un fort esprit de la tradition humaniste européenne.

L'art abstrait lyrique de l'École de Paris explorait et poursuivait essentiellement une forme esthétique. Ils s'émancipaient grâce à cette sensibilité aiguë et cette nouvelle méthode abstraite plus libre, affichant un esprit optimiste et entreprenant plein de renouveau après la guerre, sans être infectés par la mélancolie guerrière. Bien sûr, à l'inverse, ils semblaient délibérément s'isoler de la société, comme des artistes dans une tour d'ivoire, dans un monde d'illusions excitant, sensible et ingénieux. Bien sûr, il y avait des exceptions, comme le chef-d'œuvre Otages créé par Fautrier pendant la guerre, qui manifeste une essence intérieure à partir de sensations extérieures. Ou les peintres espagnols comme Tàpies et Millares, confrontés à la dictature militaire, exprimant des formes de volonté nées d'une oppression intérieure. Cependant, le peintre italien Burri ne faisait pas exception non plus, explorant les formes profondes de l'essence humaine à travers l'utilisation de divers matériaux (toile de jute, plastique, brûlés) pour exprimer l'essence de l'existence. Leurs œuvres énoncent directement cette angoisse métaphysique existentialiste, mais ce qui est réellement stimulant, c'est l'aspect ludique dans leurs œuvres, ainsi que leur sensation d'accessibilité.

En examinant l'art abstrait lyrique de l'École de Paris, on peut diviser ses formes d'expression en trois grands types : Premièrement, l'expression informelle (par exemple Wols et Fautrier). Deuxièmement, les expressionnistes de la forme (par exemple Hartung, Soulages ou Tàpies). Troisièmement, ceux entre l'informel et le formalisme (par exemple Mathieu).

Ses principaux artistes représentatifs : France Jean Fautrier (1897-1964), Wolfgang Wols (1913-1951), Hans Hartung (1904-1989), Pierre Soulages (1919), George Mathieu (1921), Henri Michaux (1899-1984), Nicolas de Staël (1914-1955), Serge Poliakoff (1900-1969), Jean-Michel Atlan (1913-1960), Jean-Paul Riopelle (1923-2002), Jean Messagier (1920-1998), Alfred Manessier (1911-1993), Maurice Estève (1904-2001). Italie Alberto Burri (1915-1995), Emilio Vedova (1919-2006), Giuseppe Capogrossi (1900-1972). Espagne Antoni Tàpies (1923), Antonio Saura (1930-1998), Manolo Millares (1926-1972). Autres tels que Bram van Velde (1885-1981), Vieira da Silva (1908-1992) et Zao Wou-Ki (1921), etc.

Par exemple, Wols appartient à l'abstraction informelle des formes naturelles. Hartung construit des formes calligraphiques en faisceaux ou en liasses. Mathieu, dans la lignée de l'humanisme européen, pratique une peinture d'action délicate et élégante. Staël poursuit une peinture synthétisant modernité et tradition, en accentuant les aplats de couleur, ce qui le rapproche de Poliakoff. Riopelle accentue la couleur et la texture dans une abstraction informelle. Michaux tend vers une abstraction aux accents orientaux. Burri, le peintre matiériste italien partageant des affinités avec Tàpies, utilise des matériaux pauvres (plastique, toile de jute, etc.) pour créer l'essence de l'existence, exprimant un aspect ludique de la matière, donnant une sensation d'accessibilité. Fontana, du spatialisme, avec ses œuvres d'espace réel où la toile est percée ou fendue, se manifeste dans ces peintures symphoniques de l'espace et ses sculptures de potier aux formes explosives.