Gabriel Orozco « L'art comme la vie » : exposition personnelle

L'exposition personnelle Gabriel Orozco « L'art comme la vie » est présentée à la Galerie nationale du Jeu de Paume, du 15 septembre au 3 janvier 2011. Né en 1962 au Mexique, Gabriel Orozco est l'un des artistes les plus marquants depuis les années 1990, s'imposant sur la scène européenne et américaine. Dans cette perspective globalisée, son travail refuse toute limitation nationale ou régionale étroite, se fondant dans un esprit universel. Ses inspirations puisent dans les contextes sociaux, politiques, scientifiques et philosophiques d'un monde en mutation ; à travers divers scènes de vie et situations de voyage opportunes, il assume le rôle d'un observateur conscient, confrontant objets et environnements pour saisir des convergances fortuites liées à l'expérience vécue. Porté par une âme nomade, il parcourt le monde sans atelier fixe, fréquentant régulièrement les grands centres artistiques que sont Mexico, New York et Paris.

Depuis vingt ans, la création d'Orozco s'appuie sur les éléments du paysage urbain et du corps humain, explorant avec acuité le hasard et la coïncidence du quotidien, mêlant poésie et étrangeté. Il s'établit dans la zone floue et libre entre l'art objet et l'environnement de la vie quotidienne. Habile à libérer le réel et l'art, il opère par évolution, extension et cycle, tissant des liens entre géométrie et organique. Grâce à sa démarche ouverte et universelle, il explore constamment diverses possibilités, défiant les limites des matériaux, des médiums et des esthétiques, privilégiant la diversité et la pluralité. Ainsi naît une création aux potentialités extraordinaires : dessins, photographies, peintures, sculptures, céramiques, objets et installations, réalisés selon une méthode fluide et naturelle.

Le corps comme mesure de tous les objets : Dans la vie quotidienne, presque tous les objets et outils obéissent à des principes ergonomiques ; dans un monde régi par l'homme, le corps sert d'étalon. Orozco utilise son propre corps pour façonner son art avec ingéniosité. La pièce dramatique « DS » (1993) est issue d'une Citroën DS modifiée : l'artiste a coupé la voiture en deux selon sa longueur, puis réduit l'ensemble en un monoplace sans couture, oscillant entre ready-made et art objet. De même, dans « Elevator », il découpe un escalier selon ses propres mensurations, transformant astucieusement les objets du quotidien. Plus subtil encore, « There is Always One Direction » assemble quatre vélos hollandais en un cadre novateur. Ces trois sculptures n'altèrent aucune fonction des objets ni ne les transforment en autre chose ; elles illustrent une « extraction et remoulage », situées à la frontière floue entre ready-made et art, révélant non seulement leurs potentialités formelles mais aussi leur dimension esthétique et spirituelle.

Par ailleurs, l'artiste alterne entre sculpture et installation, présentant les possibilités des objets sous leurs aspects formels, esthétiques et spirituels, ouvrant sur des fonctions inédites et invitant à la participation du public. « Billard » est composé de deux tables de billard écartées, formant un bassin carré en forme de lotus où quatre spectateurs peuvent jouer au tennis de table ; si la balle tombe, elle chute dans l'eau. « Maman » est un petit jardinier blanc de classe moyenne, dont les murs latéraux abritent deux pianos noirs, invitant à interagir en jouant. « Horses Running Endlessly » propose une variante du jeu d'échecs, agrandie dans un registre infini. « Black Kites » est une remarquable sculpture en céramique représentant un crâne recouvert d'encre noire, métaphore de l'intensité vitale et de la tension visuelle.

Le corps comme marque et outil : De nombreuses œuvres lient le corps et l'action. « My Hands Are My Heart » en est l'exemple phote : l'artiste, torse nu, presse une boule d'argile avec ses paumes ; la photo suivante montre ses mains ouvertes révélant l'empreinte cardiaque laissée par l'argile. Cette petite sculpture indique clairement le processus et l'action, faisant du corps une marque et un outil. Une autre œuvre en argile, « Torso, Three arms, Four and Two Fingers… », porte les empreintes digitales, résultat de la rencontre entre le corps artistique et l'objet. De nombreuses œuvres sur papier utilisent également la main comme outil et sujet : formes de mains entrelacées ou empreintes palmaires. Le série plus théâtrale « First Was The Spitting » voit l'artiste cracher de la mousse dentifrice sur du papier quadrillé, entouré de points noirs au crayon ou à l'encre, révélant sous une forme organique abstraite l'origine de l'univers, à la croisée du rêve et de la réalité, de l'imagination et de la conscience, de la mémoire et de l'attitude.

Sur le cercle : Le cercle est une forme de mouvement constant, présente dans ses œuvres circulaires. « Recaptured Nature » est un immense ballon en caoutchouc gonflé, récupéré auprès de pneus de camion usagés et remodelé, conservant les marques visibles de son histoire. Beaucoup de ses œuvres réceptent des objets quotidiens ou industriels qu'il transforme et recrée par ingéniosité. « Yielding Stone » est également une sphère, pesant autant que l'artiste. Un peu neuve à sa réalisation, il l'a fait rouler sur la route jusqu'à ce qu'elle acquière une patine verdâtre sale, jouant entre réel et imaginaire, temps et traces, action et attitude.

D'autres petites sculptures d'objets traitent d'échange, de cycle, de transfert et de mouvement, transformant miraculeusement des objets ordinaires par l'action et l'attitude : « Shoes » est une paire de chaussures dont les semelles sont collées ; « Two Socks » contient des chutes de papier dans des bas courts ; « Seed » remplit une boîte légère en aluminium de billes de polystyrène blanc ; « Soccer Ball 7 » est un ballon de football percé et endommagé. À la frontière entre objet et art, imagination et allégorie.

Éléments naturels et exploration mécanique : Une autre série notable mêle sculpture végétale, peinture et objet, utilisant des éléments naturels du désert mexicain. « Drops on Trunk » grave des motifs géométriques cycloniques style Orozco sur une section de tronc de manguiers. « Eyes under Elephant Foot » incruste humoristiquement deux yeux en verre sur un tronc à l'écorce rugueuse, évoquant un personnage cartoon amusant. Deux œuvres suspendues créent un rythme et un volume saisissant : « Spume Stream » est une forme organique construite à partir de moisissure jaune d'urate, changeant de qualité avec le temps et l'humidité. L'autre est une installation mécanique, « Toilet Ventilator », où un ventilateur fixé au plafond entraîne deux rouleaux de papier toilette suspendus qui dansent légèrement au gré de la rotation.

Peintures de motifs géométriques : Orozco n'a jamais abandonné la peinture. Cette exposition présente la belle série « Samourai Tree », composée de motifs géométriques en rouge, bleu et blanc sur des planches plaquées feuille d'or. Il y explore des formes de mouvements cycliques et de rotation mathématiques. Depuis 1995, il dessine des images en constante extension sur des billets de train, des reçus bancaires ou des affiches sportives, considérant la peinture comme un graphique structurel en progrès continu.

Photographie novatrice La photographie d'Orozco, initiée dans les années 1990, capture les hasards rencontrés lors de promenades urbaines, tentant de saisir par l'instantané la perception et le ressenti du moment. Ces images résultent d'une participation active face à l'environnement spatial et aux objets publics, révélant une poésie et un humour extraordinaires dans des choses simples.

Le critique Jean-Pierre Criqui note que certaines œuvres d'Orozco adoptent une stratégie post-limitiste, convenant que « le corps est la mesure de tous les objets ». Christine Macel, dans « L'accumulation de l'art comme la vie », souligne qu'Orozco s'est intéressé tôt à la matière, indiquant dès 1982-83 dans ses dessins que celle-ci ne vient pas seulement du corps mais approche une forme organique. Pour lui, la matière n'est pas isolée ; elle se modèle dans un fonctionnement continu matière-espace-temps, sur des bases conceptuelles proches de celles des physiciens, nourrissant l'idée d'un monde « tout entier », développant des prototypes originaux et leurs lois naturelles, comme Klimt ou Kandinsky. Orozco travaille par déformation corporelle jusqu'à la matérialisation temporelle. Son esthétique révèle une équivalence totale de la matière, poétique, bien que nombre d'œuvres soient vibrantes. Il exige un éloignement du « plaisirisme » et une « primauté du matériel sur l'esthétique ». L'artiste conçoit le monde comme un univers, reliant volumes interchangeables du microcosme au macrocosme. Même attaché à l'univers, tous les volumes conservent une permanence. Orozco n'adopte pas une couleur spirituelle ; il relève du matériel, dans une contemplation silencieuse axée sur la tonalité invariante. Non spiritualiste, il pratique le dessin comme exercice contemplatif, exprimant que « ces planètes, pleines d'espace imaginaire, expriment l'évolution cosmique et énergétique ». Plein d'idées sur le vide, il cite Démocrite : le vide sera là quand il n'y aura pas d'atomes, environnement où évolue ce qui est négligé par l'invisible, le non-espace, infiniment gravé dans ses œuvres matérielles visibles.

Note 1 : Christine Macel, « L'accumulation de l'art comme la vie », communiqué de presse de l'exposition personnelle Gabriel Orozco au Centre Pompidou.