Paris Palais de Tokyo – Exposition spéciale « Gakona »

Roman Signer : installation spatiale de quinze chaises et d'une tondeuse à gazon, 2007.

Préface : L'exposition spéciale « Gakona » s'est tenue au Palais de Tokyo à Paris du 12 février au 3 mai. Suite à la série d'expositions spectaculaires et dramatiques de 2008 axée sur la logique, celle de cette année vise, au-delà du choc visuel, à interroger le passage « d'une révolution à l'autre ». L'exposition actuelle « Gakona » poursuit l'intention d'étendre une interprétation qui évite les inerties théoriques et esthétiques, par une attitude d'observation optimiste et entreprenante ; elle s'établit dans le mouvement perpétuel opposé aux courants dominants de l'art.

L'exposition contemporaine spectaculaire « Gakona », semblable à un laboratoire d'expérimentation technologique ou physique, offre un nouveau champ de vision et une expérience sensorielle corporelle. L'électricité, l'électrostatisme et les ondes électromagnétiques deviennent la force motrice de l'art. La relation entre l'art et la technologie est ancienne, remontant à l'art cinétique moderniste du début du XXe siècle, où la technologie entretenait des liens étroits avec l'art d'avant-garde expérimental. Aujourd'hui, les images numériques, en 3D, biochimiques et haute technologie modifient également l'apparence de l'art contemporain.

Le thème de l'exposition « Gakona » provient d'une base secrète militaire américaine en Alaska dédiée à l'étude des ondes électromagnétiques, soit le High-frequency active auroral research program (HAARP), fondé et dirigé par le scientifique Nikola Tesla. Ce programme étudiait spécifiquement la conduction électrique et ionosphérique dans la haute atmosphère, variant selon les cycles solaires, capable d'absorber ou de réfléchir les ondes électromagnétiques. En raison de ses implications militaires et de son opacité, il a suscité les soupçons du public. Craignant ces ondes électromagnétiques, HAARP est devenu une source inépuisable de rumeurs et de débats sociaux, tels que le contrôle du climat, la transmission mondiale, l'influence sur le comportement humain ou diverses pratiques non divulguées. Cette forêt d'antennes pleine d'imagination magique et de science-fiction constitue le cœur exploré par cette exposition.

« Gakona » oscille entre les rumeurs et les débats, le réel et l'illusion, la science et l'imagination, le visible et l'invisible, le matériel et le non-matériel. Elle se compose de quatre expositions personnelles dramatiques, intégrant des installations environnementales et des objets magiques : l'artiste français Laurent Grasso reconstitue le site insolite de la forêt d'antennes « HAARP » américaine ; l'artiste italienne Micol Assael crée une installation électrique basée sur les « Leçons Chizhevsky » du scientifique soviétique ; l'artiste britannique Cela Floyer développe un espace négatif ; Roman Signer propose une série d'événements sculpturaux. De nombreuses œuvres immatérielles, intangibles, presque invisibles mais perceptibles, stimulent l'imagination magique et l'espace du spectateur, tandis qu'une puissance troublante entoure le lieu et offre des expériences plus subtiles.

Attention – Espace interdit : Les installations environnementales de Laurent Grasso (monument à la forêt d'antennes) et de Micol Assael (« Leçons Chizhevsky ») dégagent une atmosphère paradoxale, semblable à un espace extraterrestre ou à un laboratoire de science-fiction. L'accès nécessite de franchir un poste de garde, interdisant toute intrusion arbitraire. Il faut lire attentivement les avertissements : interdiction de porter des badges, écouteurs ou autres accessoires électroniques ; interdiction d'entrée aux femmes enceintes et aux enfants de moins de huit ans (les enfants doivent être accompagnés) ; extinction obligatoire de tous les appareils électroniques (téléphones, appareils photo, ordinateurs, lecteurs MP3) ; interdiction de toucher le visage d'autres visiteurs, surtout les yeux. Après lecture, signer pour assumer sa responsabilité avant d'entrer. Des panneaux indiquent de ne pas franchir les limites et mettent en garde partout. Dans cet espace insolite et étrange, cela suscite immédiatement chez les spectateurs une inquiétude, un sentiment et une curiosité forcée : que font les artistes ? Cette situation alternative, semblable à une entrée dans l'espace ou un scénario expérimental, sous une lumière tamisée, rend le corps sensible ; sous une forte tension, un sens du danger émerge (on entend distinctement le bruit de quelques kilovolts). Le lieu est rempli d'électrostatisme subtil et d'ondes électromagnétiques, entre le visible et l'invisible, le psychologique et le physique. Se déplacer avec précaution, le corps et l'esprit en état d'alerte ; le corps, le manteau et le pull réagissent au champ électrostatique, créant une insécurité constante. Surtout sous l'installation novatrice de Micol Assael, les cheveux des spectateurs se dressent ; les ondes traversent le corps, causant un inconfort. Forcer les spectateurs à entrer dans cet espace interdit confronte non seulement physiquement mais psychologiquement, touchant au non-matériel autant qu'au matériel, ouvrant sur une imagination magique et une expérience artistique extraordinaire.

Laurent Grasso (né en 1972), jeune artiste français, lauréat du Prix Marcel Duchamp d'art contemporain français en 2008. Sa création artistique s'appuie, telle une astronomie scientifique, sur l'exploration de la science, de la tradition cinématographique et du récit littéraire. Ses œuvres développent des mécanismes de représentation, de modélisation, de décontextualisation et d'interprétation potentielle. Curieux de sciences astronomiques dès l'enfance, Grasso s'est intéressé récemment aux controverses entourant la base secrète militaire américaine en Alaska dédiée aux ondes électromagnétiques. Fasciné par le mystère de HAARP et l'imaginaire des ondes électromagnétiques et de l'espace extra-atmosphérique, il a étendu son monde virtuel et son espace imaginaire, influençant sa création. Pour cette exposition, l'artiste a reconstitué le site HAARP d'Alaska ; la grande salle du Palais de Tokyo est devenue, tel un chef-d'œuvre invisible, une base « HAARP » exceptionnelle : forêt d'antennes, groupes systématiques d'antennes, structures ordonnées, câbles entrecroisés, transformateurs, instruments de transmission, etc., formant de manière organisée un laboratoire d'information ou physique hors norme, semblable à un observatoire servant de plateforme de communication avec l'espace lointain. Entre forme et espace, illusion et réalité, vision et imagination, physiologie et physique, il révèle un espace de transmission globalisé et un monde extérieur inaccessible.

Micol Assael (née en 1979), jeune artiste italienne, semblable à un physicien et mécanicien, maîtrise la conversion des principes mécaniques et physiques. Par des dispositifs spatiaux matériels ingénieux, ses œuvres révèlent non seulement le visuel mais aussi le corporel. Son exploration originale s'ancre entre la science physique et la mécanique, approchant des théories scientifiques dépassées ou des machines oubliées. En actualisant et renforçant la relation inhabituelle entre l'espace et le spectateur, elle invite ce dernier dans son monde physique et mystérieux – immergé dans un espace de champ électrostatique d'ions négatifs – le désorientant, imposant un contraste face à cet espace indicible, tout en vivant personnellement des états d'induction physique et psychologique. Dans cet espace poétique et étrange, elle partage une expérience artistique singulière.

Ici, Micol Assael dispose douze plaques carrées de cuivre symétriquement suspendues à mi-hauteur dans la grande salle, installant au centre une série de projecteurs solaires, créant une atmosphère étrange. À côté, une génératrice, un transformateur et un système de câbles (tous cachés) convertissent spécialement les ions négatifs de l'air, créant ainsi un champ électromagnétique statique dans l'espace. Intitulée « Leçons Chizhevsky », l'œuvre rend hommage au scientifique soviétique du début du XXe siècle. Sa recherche la plus célèbre porte sur l'impact de l'ionisation de l'air sur l'homme ; sa théorie repose sur la corrélation entre la lumière solaire et l'humanité, soulignant particulièrement les événements historiques de guerre ou de révolution. Cette œuvre d'installation environnementale « Leçons Chizhevsky », simple et élégante, supra-visuelle, éveille chez le spectateur entrant dans le champ de l'œuvre une conscience de crise corporelle aiguë : non seulement il entend le bruit de haute tension, mais perçoit l'induction électrostatique des ions négatifs dans l'air, dressant ses cheveux. Comment le champ d'ondes électromagnétiques influence-t-il la psyché et la physiologie humaines ? Dans cette sensation extrême, le corps du spectateur est forcé de confronter le champ magnétique et de recevoir le baptême d'une nouvelle expérience artistique.

Suspens – Espace négatif : Les œuvres de Laurent Grasso et Micol Assael réveillent dramatiquement le corps du spectateur et sa conscience de crise, faisant l'expérience du visible et de l'invisible, transmettant un sens vers l'extérieur, voire corporel. Les œuvres de Cela Floyer et Roman Signer, en revanche, manifestent suspense et incertitude ; dans leur expression minimaliste, elles vont jusqu'à provoquer une certaine absurdité et malaise. Ils condensent la réalité comme des énigmes ; le spectateur doit exercer une imagination maximale pour percer les secrets du temps et de l'espace. Ces deux artistes détournent et convertissent des objets quotidiens insignifiants. Chez le premier, l'objet devient médium, l'image devient index, injectant le temps dans l'espace, pointant vers une double lecture de l'objet, créant un espace intellectuel conceptuel et négatif. Chez le second, ils combinent et construisent des objets dramatiques, jouant dans le temps et l'espace de l'énergie magique troublante des objets, utilisant des fonctions de retardement et d'inversion pour surprendre le spectateur, formant une scénographie théâtrale et ludique.

Cela Floyer (né en 1968), jeune artiste britannique, lauréat du Young Art Prize de la National Gallery de Londres en 2007, figure représentative de l'art conceptuel nouveau. Visiter son exposition laisse une impression de minimalisme saisissant, si concis qu'il devient suspensif et anxiogène, laissant parfois perplexe. Des objets insignifiants, dans un acte et une attitude, soulignent des formes et des médias simples, visant à étendre les concepts de confrontation spatio-temporelle et les significations multiples de l'objet. Toute sa création repose sur le détournement, la conversion et l'appropriation d'objets du quotidien, comme une ampoule, un seau ou un lit métallique mélangés à des phénomènes naturels tels que l'eau bouillante ou une flamme tremblante.

Maîtrise de créations diversifiées : objets, installations, dessins, vidéos ou sons, ceux-ci agissent comme des indices formels, révélant souvent un double sens sous son image habituelle. Ainsi, lors de l'exposition collective « Cinquante millions d'années » au Palais de Tokyo en 2002, il montrait le processus d'ajustement d'image. Utilisant directement un projecteur, il ajustait consciemment ou inconsciemment l'objectif, révélant la diversité substantielle de la projection. Certes, Cela Floyer détourne et s'approprie des objets ordinaires, guidant le spectateur à s'éloigner de l'observation de l'objet pour entrer dans un dialogue possible entre l'image ou l'installation. En profitant subtilement du biais entre l'objet et le thème de l'œuvre, ce jeu intellectuel textuel est souvent empreint d'humour et d'ironie, embrouillant le spectateur comme une énigme, et créant ainsi un espace négatif. Ici, dans le vaste espace d'exposition, Cela Floyer présente trois petites œuvres : « Taking a line for a walk - 1 litre » : une ligne blanche sinueuse au sol guide le regard vers une machine à tracer sur tricycle contenant un seau d'un litre de peinture blanche. Dans le coin du mur, « Light switch » : un projecteur projette à hauteur d'interrupteur une tête d'interrupteur électrique, simulant le vrai pour le faux. Installation sonore « mu » : deux haut-parleurs installés sur un pilône diffusent continuellement une musique monotone « mu », plongeant dans l'illusion sous une musique hypnotique minimaliste. Ces objets apparemment insignifiants cachent un problème d'incertitude ; quel message transmettent-ils ? Submergés dans l'espace vaste, ils creusent un suspense et une négation.

Roman Signer (né en 1938), artiste suisse, vigoureux malgré l'âge, poursuit l'esprit d'art d'avant-garde pour explorer de nouveaux territoires, basé sur les fonctions de retardement et d'inversion des principes scientifiques et physiques. Avant l'explosion, il n'y a aucune tension ; le miracle apparaît ensuite. Bien que la fumée se dissipe, le drame n'est pas fini ; le meilleur reste à venir. Ce retardement crée un état suspensif et imprévisible pour le spectateur. Cachés derrière ces images d'objets et de fumée, ils soulignent l'incertitude là où le concept de temps est étendu, là où la réalité est raffinée et condensée en possibilités. Concrètement, derrière l'image, rien qu'une flaque de brouillard vide, vraiment rien. C'est dans ce minimum de « rien » que s'exerce l'imagination maximale ; dans cet insignifiant, Roman Signer répond vaguement à l'information finale.

Depuis 1973, Roman Signer commence à combiner et construire des sculptures, objets, performances, photographies et archives vidéo novatrices. Depuis, il traque sans relâche la manifestation de la force naturelle, la force tranquille telle que la gravité universelle. Il excelle à détourner et convertir des objets trouvés existants, utilisant des explosifs inhabituels, voire des hélicoptères, signifiant le développement de la quatrième dimension et de la temporalité ; ces œuvres peuvent être appelées « sculptures temporelles ». Chaque œuvre traite d'un scénario et libère de l'énergie. Ici, Roman Signer expose trois œuvres dramatiques : « Table flottante » : un ventilateur industriel installé sous terre souffle une table en l'air grâce à une force surpuissante. « Deux parapluies » : une génératrice rouge semblable à deux mains ouvertes, avec à chaque extrémité face à face une machine-objet noire en forme de parapluie, émettant périodiquement de dramatiques éclairs. « Quinze chaises » : quinze chaises disposées dans l'espace, une tondeuse à gazon se déplace et tourne continuellement dans l'espace, traversant les chaises ou les poussant, un jeu sans fin. Dans ces objets-sculptures mécaniques poétiques et dramatiques, il convertit le réel en science-fiction, explorant les possibilités de l'art entre réel et imagination, temps et espace, physique et psychologie.