Joan Miró – Série « Constellations »
Deux personnages retournés par Miró, 130x162cm, 1949, Musée d'Art moderne de Bâle (Suisse), collection.
« Il n'y a aucune différence entre ma peinture et la poésie. » Joan Miró
Peintre et sculpteur espagnol (1893-1983), Joan Miró est l'un des plus proches alliés du surréalisme. Libéré par les techniques automatiques, il crée un langage pictural exceptionnel, établissant ces symboles entre optimisme et humour, et révélant une forme constante dans l'usage des courbes et des points. Au milieu des années 1920, il purifie davantage son langage formel, créant une série à mi-chemin entre peinture et poésie, véritablement innovante visuellement. Sous une logique irrationnelle, des symboles fragmentés, des formes, des lignes claires, des taches colorées et un espace scriptural s'associent comme en un rêve ludique. Dans ses peintures des années 1930, des symboles mixtes et implicites coexistent avec des formes anthropomorphiques et biologiques. Pendant la Seconde Guerre mondiale, la série Corrida évoque immédiatement l'Espagne et la corrida ; nombreux sont les peintres espagnols à avoir traité ce thème, Miró ne fait pas exception. Il transforme cette tragédie dramatique en peinture, déclarant : « Il n'y a aucune différence entre la peinture et la poésie ». Dans Corrida, sur un fond gris transparent légèrement bleuté, Miró dessine avec maîtrise, ajoutant des couleurs tendues (noir, rouge, vert) pour créer des symboles humoristiques. Il écrit : « Pour Corrida, j'ai exprimé quelques symboles poétiques : le toréador ressemble à un insecte, la corne du taureau aux ailes d'une colombe, le cheval blessé à un œil géant... Le sang jailli devient un idéogramme qui se transforme en étoiles... ». Ensuite vient la célèbre série Constellations, où des éléments réels déformés sont librement combinés sur des formes géométriques simples et colorées, parsemant la palette de toutes ses plus belles couleurs, offrant un espace imaginaire poétique. Ces trois grandes toiles bleu foncé, cristallisant toute l'esthétique de sa vie et pleines d'énergie cosmique, marquent un retour au « bleu profond », couleur de ses rêves depuis 1925. Ici, Miró utilise un langage formel minimaliste et des couleurs chargées d'état spirituel (noir, rouge) pour une composition efficace. Il note : « Je passe beaucoup de temps à travailler ces œuvres, mais je ne peins pas, je réfléchis ». Les œuvres semblent retrouver une fonction intrinsèque, invitant à la contemplation.