Jan Fabre « L'Incarnation de l'Ange » : exposition au Grand Louvre

« Message de la décapitation » 2006, détail. Avant-propos : Exposition Jan Fabre « L'Incarnation de l'Ange » : du 11 avril au 7 juillet dans la salle des peintures nordiques de la Grande Galerie du Louvre. Jan Fabre (né en 1958) est l'un des artistes plasticiens, dessinateurs, performeurs, acteurs, chorégraphes et metteurs en scène belges les plus représentatifs d'Europe aujourd'hui. Artiste interdisciplinaire hors norme, ses œuvres poly morphes et saisissantes sont marquées par un concept contre-intuitif et des comportements subversifs, suscitant souvent admiration et débat. Son théâtre expérimental remarquable est notamment connu pour sa violence crue. Invité en 2005 au Festival d'Avignon dans le sud de la France, son théâtre-action théâtral et ritualisé a provoqué débats sociaux et sensation dans le milieu théâtral, devenant l'une des saisons les plus inoubliables du festival.

Source créative inépuisable de l'artiste : Après avoir obtenu son diplôme à l'Académie royale des beaux-arts de Belgique et à l'Académie des arts décoratifs d'Anvers, Jan Fabre se lance dans une performance artistique subversive et provocante. Il déclare : « À 18 ans, lors d'une visite à Bruges pour découvrir les œuvres du début de la Renaissance flamande, j'ai vu les blessures mutilées et les flagellations du Christ. C'est là que j'ai découvert la performance et l'art corporel ». Durant cette période, il fait preuve de son talent de dessinateur avec la série Stylo bleu, tout en dirigeant et chorégraphiant librement au sein du Théâtre Troubleyn des pièces radicales inimaginables, franchissant toutes les frontières artistiques et devenant un dissident remarqué de la nouvelle vague artistique flamande des années 80. Souhaitant être comme un mystique contemporain, tel Jérôme Bosch ou Pieter Brueghel l'Ancien, Fabre s'inspire de ces maîtres flamands. Dans cette ère postmoderne libérant toutes les pensées anciennes et modernes, locales et étrangères, l'esprit aigu de Jan Fabre commence à explorer toutes les époques, domaines, créations : art, sciences naturelles, philosophie, littérature et religion, etc. Dans ce monde remarquable, il adopte des symboles tels que chevalier, ange, scarabée ou hibou pour interpréter. Il gravite autour de thèmes métaphoriques et littéraires tels que la vie et la mort, l'homme et l'animal, ou le rôle de l'artiste dans la société. Par hasard, il découvre les écrits du célèbre entomologiste Jean-Henri Fabre, passionné par le monde microscopique, tentant d'expliquer les mystères et merveilles de la vie à travers ce petit monde. Depuis la fin des années 70, le scarabée novateur devient son médium de création préféré jusqu'à nos jours. Sous l'humanisme, l'homme est au cœur de toutes ses créations. Une exploration approfondie du corps matériel et spirituel pousse naturellement son propre corps à l'extrême dans nombre de ses performances et vidéos, tentant d'interpréter la conscience et les possibilités de l'existence.

Nouvelle stratégie d'exposition du Grand Louvre : L'exposition Jan Fabre « L'Incarnation de l'Ange » se tient au Grand Louvre. Récemment, la politique d'exposition artistique du Grand Louvre ne se limite pas aux catégories établies de l'art ancien ; elle cherche de nouvelles perspectives et nouveaux publics, introduisant particulièrement l'art contemporain pour créer des dialogues entre passé et présent, offrant aux visiteurs une surprise inattendue et un affrontement inhabituel. Suite à l'exposition sensationnelle de l'artiste allemand Anselm Kiefer l'année dernière, l'invitation de Jan Fabre cette année suscite également acclamations et surprises. Cette exposition « L'Incarnation de l'Ange » se tient spécialement au deuxième étage de l'aile Richelieu, dans la salle des peintures nordiques. Jan Fabre, originaire d'Anvers, terre fertile et intelligente, est issu de la Renaissance flamande (actuels Pays-Bas et Belgique), héritant d'une tradition artistique unique flamande, notamment du monde onirique symbolique de Jérôme Bosch et des merveilles symboliques et imaginatives de Pieter Brueghel, ainsi que des situations surréalistes de Magritte, devenant source de sa création artistique. Présentant un art contrasté, selon la forme, l'état et le concept des œuvres, elles sont disposées dans la forêt d'expositions nordiques, visant, par ce contraste inhabituel, à ironiser sur le présent via le passé, ou à explorer les dilemmes éternels de l'existence humaine et les situations d'insécurité vitale, reflétant parfaitement la condition et l'état d'esprit éternels de l'humanité. Permettant au public de comprendre clairement les similitudes entre passé/présent ou Est/Ouest, les conditions d'existence et les validations spirituelles, bien que les formes de création varient selon le contexte historique, leur essence reste proche. Ce contraste ouvre une méthode et une disposition d'exposition novatrices.

Analyse des œuvres « L'Incarnation de l'Ange » : L'exposition commence avant l'entrée dans la salle nordique par la sculpture auto-référentielle « Je me vide moi-même (Nain) » (2007). L'artiste humoristique devient un nain excentrique, vêtu d'un trench-coat noir et d'un jean, le corps collé au mur, le visage inexplicablement plaqué contre le portrait de Rogier van der Weyden, comme s'il devait voir clairement la peinture, signifiant aussi un heurt avec l'histoire. Nu-pieds, une flaque de sang rouge vif sous ses pieds, l'artiste se vide lui-même, semblant se sentir très vide et néant face au chef-d'œuvre flamand. Cette œuvre est une conscience de faillite, déjà vaincue avant même le combat. « Moi-Rêve » (1978) : l'artiste rêve de devenir microbiologiste, reflet en réalité de l'entomologiste Jean-Henri Fabre. Un microbiologiste en costume et haut-de-forme, assis à un bureau de recherche, face à un microscope, rêvant follement, voyant effectivement tout ce qu'il peut imaginer (rêver), mais l'inverse n'est pas vrai. Remarquablement, toute la sculpture est construite à partir de minuscules punaises dorées et petits clous, ressemblant à une sculpture en bronze si on ne fait pas attention, soulignant davantage la fragilité du corps lui-même. Ici se trouve aussi une petite statue adorable de perroquet « Moi-Nain Perroquet-Je ne me répète jamais » (2006), indiquant que sa création privilégie l'originalité, comme reflet du thème. Ensuite, la statue « La Renaissance d'Arnolfini » (1997) du mari de la célèbre peinture mondiale « Les Époux Arnolfini » de Van Eyck, rendant ici le plus grand hommage au maître. Dans le surréel, Arnolfini est un personnage hybride – tête d'oiseau, armure, chaîne d'os blancs derrière la tête ressemblant à de longs cheveux blancs –, la sculpture étant construite par l'objet adoré de Jan Fabre – le scarabée –, semblable aux personnages oniriques de Bosch, entre rêve et insécurité, doute et imagination.

« Sarcofago Conditus – Statue sur sa tombe » (2003), statue entière habillée de Conditus, solennelle et sacrée allongée sur une table, mains posées sur la poitrine (comme statue devant une tombe), paisible et tranquille sous la surveillance de nombreuses statues de martyrs saints, de la résurrection du Christ, de la Vierge et des anges, créant une atmosphère religieuse novatrice, devenant un domaine magique et mystérieux pour méditer sur la mort et ses mystères. Toute la statue est construite à partir de punaises dorées et petits clous inversés, l'ensemble formant une structure fine de pointes, un objet précieux conservé, créant une distance entre spectateur et œuvre, entre magie et symbole, matière et esprit, imagination et métaphysique. Sur le mur, l'œuvre inhabituelle « Salvator Mundi » (1998) : une main mystérieuse (armure) tenant une sphère composée de scarabées, une chaîne d'os blancs dressée sur la sphère bleu-or et vert-or, sous la conception ingénieuse des trois matériaux préférés de l'artiste, semblable à un objet sacerdotal, symbolisant le signe de la croix du Christ, présentant une solennité et sainteté de la mort. Le plus remarquable est l'installation sculpturale « Je suis le sang – sum sanguis » (2004), manifestement un sujet religieux éternel, rappelant le célèbre tableau de Van Eyck – « L'Adoration de l'Agneau » (1432), sous la surveillance des nombreux saints enfants et portraits de la Vierge nordiques, deux agneaux de bronze dans chaque vitrine, celui de gauche gît lamentablement au sol, celui de droite regarde vers la gauche – double mort de soi-même, métaphore du sacrifice et de la renaissance de la vie. Agneau semblable à un clown portant pourtant un chapeau de carnaval traditionnel flamand et une cravate papillon, ce travestissement montre une intention d'incarnation.

Ensuite, venant dans l'espace imaginaire « Bruges 3003 – Moine-Os » (2002) et « Bruges 3004 – Ange-Os » (2002), deux âmes flottant et errant construites en os blancs dans cette salle d'exposition de la résurrection du Christ. Moine et ange sont des symboles, le moine masculin, l'ange féminin, 3003 et 3004 indiquant le futur. Un homme et une femme créant un paradis terrestre. Dans ce futur lointain, les corps du moine et de l'ange en os sont vidés, devenant un manteau, suggérant que le corps humain futur ne sera plus si fragile, ayant une idéalité métaphysique et un concept utopique. Le futur est toujours beau, comme dit le proverbe taïwanais « Plus beau quand on rêve », mais lorsque le rêve s'évapore, c'est inimaginable. Œuvre monumentale « Scarabée » (2001), placée avant la Cène, une énorme sphère composée de scarabées, une chaîne d'os blancs dressée au centre de la sphère – cheveux blancs d'ange, suggérant le Sauveur Jésus. Sphère dorée scintillante semblable à un objet rituel inhabituel ou à la lumière de Dieu/Jésus, placée sur un lit à ressorts doux, formant un effet visuel puissant. Le lit évoque sommeil, rêves, insomnie, etc., tentant d'interpréter la relation entre sommeil profond et mort, dans la complexe scène de la Cène, menant à un espace religieux, littéraire et philosophique, permettant au public de développer librement son imagination et son interprétation. « Les deux pieds peuvent-ils parfois se rejoindre ? » (1997), titre assez littéraire, devant ce tableau mythologique héroïque et séduisant de Rubens, une ange-guerrière fascinante construite en armure (assez abstraite), drapée de longs cheveux blancs contrastants, debout sur un piédestal miroir semi-circulaire de scarabées, montrant l'esprit de combat et la spiritualité exceptionnelle. On dit que son inspiration vient de l'image de la libellule effleurant l'eau, entre symbole et allégorie.

Arrivant dans la salle des Reines de France – Médicis, l'œuvre monumentale d'installation sonore « Autoportrait du ver de terre le plus long du monde » (2008) attire l'attention, créée spécialement pour cette exposition par Jan Fabre. Une multitude de tombes de marbre désolé tordues, gravées de tous les noms d'insectes, mélangés à des noms de philosophes et artistes comme Sartre ou Duchamp. Au centre de ces tombes poussant, un autoportrait de ver de terre grand et long rampe dans ce scénario onirique et magique inhabituel, entendant parfois l'artiste murmurer « Je veux abandonner les segments historiques qui s'étendent dans mon esprit ». Exprime sa soumission face aux maîtres de l'histoire en tant qu'artiste contemporain. Le ver symbolise sa putrescibilité et sa fertilité pour la terre, car il assure la qualité du sol où il vit, cette manifestation réfléchit à l'opposition ontologique de la vie et de la mort. Plein d'imagination, questionnant humoristiquement la valeur et le sens de l'existence.

« Vierge-Guerrière » est une œuvre et installation vidéo novatrice, présentée en 2004 au Palais de Tokyo à Paris. Au centre de l'espace d'exposition une grande vitrine en verre, présentant des composants d'armure animale dissectionnés, comme objet-sculpture. Chaque mur environnant possède un écran, diffusant le processus de performance dramatique de l'artiste et de la célèbre artiste corporelle Marina Abramovic, tous deux vêtus d'armures animales, le thème tournant autour du guerrier, de la Vierge, du sacrifice et du pardon, en dialogue frontal avec la Vierge miséricordieuse et l'Enfant Jésus, et les tableaux positifs des anges-guerriers qui les entourent. Arrivant dans la salle d'exposition aux paysages nordiques lumineux, deux batailles de scarabées « Waterloo » et « Champ de bataille stratégique » (1998), inspirées de cartes de guerre, utilisant de la cire blanche et des scarabées pour rejouer la célèbre bataille de Waterloo de Napoléon, sur un relief tridimensionnel accidenté, des groupes de scarabées s'affrontant dramatiquement face à face, sous une référence humoristique et poétique, ironisant sur le présent via le passé, ou expliquant les dilemmes humains et les situations d'insécurité vitale. « Tombe (Crâne, Épée et Croix) » (2000), œuvre dramatique, tout le mur est composé de croix, sous les croix poussent miraculeusement une queue en forme d'épée (composée de scarabées), parmi lesquelles une série de crânes composés de scarabées mordent fermement un petit animal blanc, monument de la mort inhabituel – mur-tombe. Cette œuvre force, telle une arrogance contemporaine, face à la mort inévitable du Jugement Dernier. Bien que la croix symbolise la mort, le Christ promet une résurrection, la queue en forme d'épée sous la croix suggère une lutte infinie face à la mort, révélant la situation complexe humaine face à la mort entre mort et résurrection, peur et insécurité, doute et imagination. Enfin, arrivant à un autre monument « Message de la décapitation », cette série provient de 2006, dialogue avec les œuvres de la collection du Musée royal d'Anvers. Œuvre inhabituelle, conception ingénieuse du hibou (image humaine), dans la tradition populaire, le hibou symbolise la sagesse et le porteur d'informations absurdes. Ce signe nocturne gourmand apparaît souvent dans les peintures de Bosch et Bruegel. D'autre part, le hibou nocturne symbolise le surnaturel et la spiritualisation. Ici, le hibou est placé sur un thème anormal pour transmettre l'implication de scènes de mort et de violence. Sous l'humour, le mystère, la métaphysique et la métaphore de la mort, ouvrant un monde onirique inimaginable, poétiquement générant plus de questions et d'espace imaginaire.