Larry Bell, exposition personnelle « Boîtes »

Exposition personnelle de Larry Bell : du 31 mai au 19 juillet à la galerie Daniel Templo. Larry Bell (né en 1939) est l'un des artistes minimalistes américains les plus novateurs des années 70, célèbre pour ses boîtes en verre transparent qui explorent la perception matérielle, les espaces entre vide et plein, ainsi que les illusions optiques. La critique d'art Annette Michelson écrit : « La valeur particulière de Bell réside dans sa réflexion sur l'art ; il stimule la conscience de chacun et nos perceptions innées. Ses boîtes d'une finesse inégalée recèlent une sensibilité remarquable, déclenchant des enzymes illusionnistes. Elles renforcent l'esthétique de l'objet et diffusent une poésie hors norme, offrant un espace d'imagination visuelle distinct, conférant des propriétés à la matière et formant avec précision la relation fondamentale entre le sujet et l'objet. »

Étudiant à l'Académie des arts Chouinard en Californie de 1957 à 1959, sous l'influence de son mentor Robert Irwin, Bell commence par des peintures abstraites géométriques influencées par le constructivisme. À partir de 1962, il se tourne vers la sculpture et développe de nouveaux matériaux : fibres, verre, aluminium, plexiglas, minéraux, etc. Il crée rapidement sa première boîte en verre tridimensionnelle, la Ghost Box, explorant les possibilités volumétriques de l'objet. Les boîtes en verre géométriques, traversées et réfléchies par la lumière, fusionnent en une image au sein de leur structure ; l'objet devient un champ lumineux. Bell affirme : « L'art ne suit pas les concepts, mais les sensations », comme en témoigne l'œuvre Bette and the Giant Jewfish (1963).

En 1966, avec l'œuvre Untitled, il enduit l'intérieur des boîtes en verre d'une couche de couleur légère (obtenue par évaporation ou refroidissement chimique du rhodium), créant, sous l'éclairage, un espace poétique de peinture interne qui s'allie subtilement aux reflets de l'environnement, produisant un effet d'échange entre relief et illusion de profondeur entre réalité et imagination. La critique Melinda Wortz note que cette couleur nous empêche de « distinguer l'illusion du fait... transformant l'objet en immatériel ». En 1967, Cube utilise la réflexion de la lumière rouge sur la boîte en verre pour former des prismes colorés fascinants, remplis d'espace imaginaire ; les effets de transparence et d'opacité dépendent de l'angle de vue du spectateur. Cette nouvelle forme esthétique repose clairement sur deux axes : sensation et pensée. L'artiste écrit : « Lorsque vous découvrez l'œuvre, vous découvrez votre propre relation avec elle. Vous ne ressentez aucune séparation ; lorsque vous ressentez quelque chose à son égard, vous possédez l'œuvre. »

Dans les années 70, Bell abandonne la forme cubique pour l'étendre à l'espace environnant. Son Untitled de 1973 installe directement de grands panneaux de verre transparent dans l'espace, créant un effet visuel dramatique et un espace onirique entre réel et imaginaire. L'installation environnementale la plus captivante est The Iceberg and its Shadow (1974), semblable à un labyrinthe constitué de structures architecturales géométriques en grand verre transparent. Dans les illusions de reflet du verre, elle forme un champ spatial dramatique, créant un monde onirique invitant les spectateurs à participer.

Dans les années 80, il crée la nouvelle série Mirage Paintings, comme The Old Dirt Road (1989). Dans les années 90, il revient à la peinture figurative. Récemment, il a repris ses célèbres boîtes en verre peintes transparentes, continuant à développer la perception visuelle et ces relations secrètes liées à la mathématique des angles, des surfaces, du vide et du plein, de l'infini et de l'espace. Invitant les spectateurs à confronter ces différents volumes, les objets révèlent leurs couleurs oniriques sous une lumière ambiguë et un espace poétique inhabituel.