Paul Klee : « La Moquerie de l'œuvre » — Rétrospective

Texte et photos / Chen Chi-Hsiang | Dates : du 6 avril au 1er août. Lieu : Grande salle du 6e étage du Centre Pompidou, Paris. Paul Klee (1879-1940) est l'un des artistes les plus grands et mystérieux du XXe siècle. Il est célèbre pour ses petits formats, maîtrisant le dessin, l'aquarelle, la gravure et la peinture à l'huile. Sa peinture est une expérience continue et un renouvellement constant ; ses œuvres, naïves et vivantes, ne se répètent jamais et sont libres, simples dans leurs formes mais d'une complexité extrême. Picasso disait avec humour : « Klee est le maître des petits tableaux dans l'art moderne, tandis que lui-même est le roi des grands tableaux » (Note 1). Duchamp ajoutait : « Les œuvres de Klee ne montrent aucun signe de répétition. Comme on dit souvent qu'un Klee n'est pas comme un autre Klee » (Note 2). Son travail, multiple et difficile à classer, s'étend du figuratif au non-figuratif puis à l'abstraction. Cette rétrospective, « La Moquerie de l'œuvre », est la plus vaste et complète depuis celle de 1969.

Klee était musicien et peintre. Fils d'un professeur de musique allemand et d'une chanteuse suisse, né en Suisse, il a grandi immergé dans l'art musical, formé comme premier violoncelle et vivant de sa musique. La peinture était innée chez lui ; bien que refusé à l'Académie des Beaux-Arts de Munich pour son dessin insuffisant, ce peintre frustré ne pouvait prévoir les caprices du destin. Doté d'une grande sensibilité artistique, il a assimilé toutes les tendances et styles contemporains, dépassant les dogmes des écoles et -ismes, rompant résolument avec la tradition. À travers ces modernismes orthodoxes, il a participé à son siècle par la peinture. Ses toiles jouent comme des partitions symphoniques, créant un visage purement personnel. À 23 ans, il écrivait dans son journal : « J'ai mon propre style » (Note 3).

Témoin de son époque (entre les deux guerres mondiales), Klee créait avec une attitude romantique et ironique. Le peintre déclarait : « L'idéalisme en art plastique n'est pas du tout actuel… D'autre part, je fais un pas vers l'ironie… cela peut produire des types intéressants » (Note 4). Partant du symbolisme, il devient partenaire artistique de Kandinsky à Munich au début du siècle, participant activement au groupe « Der Blaue Reiter » (Le Cavalier bleu), explorant l'expression instinctive et libérant la forme jusqu'à la peinture non figurative. En 1912, lors d'un voyage à Paris, il découvre le cubisme, nourrissant sa réflexion picturale. Avec ironie, il déconstruit les images cubistes via un vocabulaire prismatique, dans un style naïf et enfantin.

Il estimait que l'exploration dans le cadre cubiste manquait de vitalité. Son voyage mystique en Tunisie en 1914 inaugure une nouvelle série sur grille, comme « Saint-Germain, Tunisie » (1914), simplifiant les surfaces planes vers l'abstraction. La couleur devient l'âme de sa peinture, chargée de sensualité, passionnée, douce et onirique. Il affirme : « La couleur et moi, c'est une seule chose, je suis peintre » (Note 5), développant ensuite vers l'abstraction pure avec « Harmonies secondaires » (1932). Lors de son voyage en Égypte en 1928, il puise l'inspiration pour un espace pictural « décoratif ». Là, il divise la toile en échiquiers organiques ou bandes parallèles, offrant une lecture spatiale saisissable instantanément et reconnaissable progressivement dans le temps, comme la lecture d'un livre. Voir « Villa florentine » (1926) ou « Tronc et branches » (1934). Klee relie peinture et musique : il intègre rythme et instabilité dans ces vues aériennes où les « bandes » ressemblent à des portées musicales.

Après le déclenchement de la Première Guerre mondiale, sous l'influence du dadaïsme, Klee utilise radicalement des images mécaniques inquiétantes comme moquerie, reflétant une époque sombre et son anxiété. Entre 1921 et 1931, durant l'ère du Bauhaus en Allemagne, il enseigne la théorie des couleurs. Ses idéaux artistiques se rapprochent alors du constructivisme soviétique ; ses créations mêlent dynamisme humain et objectuel, devenant un catalyseur du surréalisme. Dans sa quête moderniste, pour préserver son originalité personnelle, il garde ses distances intellectuelles, affirmant : « Pour comprendre le passé, l'artiste doit conserver une exploration fraîche et spasmodique qui dépend de la nature » (Note 6).

Son art naît d'une improvisation aléatoire, retrouvant chaque fois, par des procédés littéraires de similarité et différence, la fraîcheur perpétuelle d'un même matin. Il évolue constamment, maintenant ces états initiaux et se transformant à l'infini. Il préfère les lignes énergétiques, tantôt sensibles et spontanées, tantôt géométriques et organiques, naviguant entre mystère, science, mathématiques, poésie et rêve.

La rétrospective « La Moquerie de l'œuvre » est divisée en sept thèmes : l'humour satirique de sa jeunesse ; Klee et le cubisme : entrée dans le modernisme cubiste ; Klee et le constructivisme : théâtre mécanique au Bauhaus ; Klee et Picasso : visite de l'atelier parisien de Picasso en 1933, visite réciproque à Berne en 1937, dialogue fascinant entre les deux artistes ; les années de crise : après l'arrivée au pouvoir de Hitler en 1933, face à l'instabilité politique et sociale allemande et à sa maladie (sclérodermie), retour à Berne, sa patrie suisse.

Notes :

1. Cartouches explicatives de Klee, Musée national d'art moderne, Centre Pompidou.
2. Panneaux muraux de la rétrospective Klee au Centre Pompidou.
3. Communiqué de presse de la rétrospective Klee au Centre Pompidou.
4. Idem.
5. Idem.
6. Cartouches explicatives de Klee, Musée national d'art moderne, Centre Pompidou.