Giuseppe Penone à Versailles

Dates : 11 juin au 31 octobre. Lieu : Château et jardins de Versailles, Paris. Texte et photos : Chen Chi-Hsiang.

Giuseppe Penone (né en 1947) est l'un des artistes les plus représentatifs de l'Arte Povera italien, et le plus jeune de ce mouvement. Il explore la relation intime entre la nature et l'humain par une pratique consciente, révélant la causalité dans des formes végétales autobiographiques et anthropomorphiques, interrogeant les codes de l'art et l'influence mutuelle de l'homme sur son environnement, dialectique entre nature et culture. Diplômé de l'Académie des Beaux-Arts de Turin, il participe activement aux initiatives d'Arte Povera promues par Celentano. Ayant passé une enfance heureuse dans les campagnes près de Turin, il n'est pas étonnant que cet artiste issu du milieu rural ait naturellement choisi, par instinct, d'explorer l'esthétique de la nature sauvage, affirmant très tôt que sa création artistique se situe entre nature et humanité.

Dans le contexte politique et économique agité de 1968, le jeune Penone affronte la nature avec sérénité pour créer Oltre questo punto continua a crescere (Au-delà de ce point, il continue de croître), une œuvre photographique qui annonce le Land Art. Il décrit ainsi son processus : « J'ai enfoncé un clou dans le tronc d'un petit arbuste, recouvert d'une grille métallique ; l'arbre s'y accroîtra. Ou j'ai gravé mon silhouette sur un tronc avec des clous ; lorsque l'arbre grandira, il renforcera ma mémoire gestuelle ». Il insère aussi directement des mains moulées en fer dans de jeunes troncs, laissant des traces linéaires marquées par le temps, répondant véritablement à la participation humaine à l'esthétique végétale. Le temps devient l'outil principal, comme dans la tradition. L'« arbre » constitue le cœur de la création de Penone.

En 1968, à 22 ans, il expose Vederlo in un'ora nella sua vita di ventiduesimo anno (Le voir en une heure dans sa vingt-deuxième année), utilisant des symboles naturels pour affirmer à la fois l'âge de l'arbre et celui de l'artiste, sous forme de métaphore autobiographique. À partir d'une poutre carrée, il sculpte les branches jusqu'à atteindre les cernes correspondant à vingt-deux ans, rendant visible le temps concret. Le temps reste central jusqu'à la série Strutture del tempo (Structures du temps) des années 90. Son travail tourne autour du thème de l'arbre. Comme l'écrivait Paul Valéry : « Le silence des plantes, les arbres ne produisent aucun son propre ; ils grandissent intérieurement, laissant tomber leurs fruits ou s'effondrant sous le vent fort ».

Il cherche la mémoire et la dialectique du temps, comme dans L'albero di otto metri (1969), L'albero parallelo di undici metri (1969), L'albero di cinque metri (1973), L'albero di sette metri (1980) et L'albero di dodici metri (1980). Ces œuvres sont taillées dans des blocs de bois carrés, redonnant vie naturelle, évoquant régénération et copie, poétiques entre temps/espace, matière/forme, imagination/métaphore, nature/humanité. Adorno considérait que « la caractéristique processuelle de l'œuvre d'art n'est rien d'autre que le 'temps' ». Cette temporalité fait partie intégrante de l'Arte Povera, libérant l'œuvre de son isolement pour entrer dans les fluctuations de l'existence et ses contingences. S'appuyant sur la généralité des phénomènes naturels, elle tire son efficacité d'un retour aux sources, objet d'étude des artistes de l'Arte Povera.

En 1978, Penone crée la série emblématique Respiro (Souffle), composée de six pièces. Sur des sculptures en terre cuite hautes comme des humains, il imprime son corps nu dans la pâte (en creux), révélant des jambes vêtues, un torse, un menton, voire une bouche ouverte. Cette série utilise les empreintes sensibles et corporelles de l'artiste, subvertissant la sculpture traditionnelle pour en faire une mémoire autobiographique, poétique entre nature/humanité, matière/forme, allégorie/imagination, temps/espace.

Dans les années 80, Penone développe un dialogue avec la nature, approchant l'image, le classicisme et le drame. La série Impronte di corteccia (Empreintes d'écorce), commencée en 1974, explore l'apparence visuelle de l'écorce. L'artiste écrit : « La peau est une limite, une séparation, un point extrême qui peut ajouter, soustraire, diviser, augmenter, abolir ce qui nous entoure... Elle permet la retenue humaine et devient différents instants par le contact, la compréhension, la découverte... Chaque action est une impression continuant la 'peau' ». Ces empreintes deviennent des tableaux indépendants, ou sont combinées à des installations de branches en bronze (Tracce vegetali, 1982), ou suspendues autour de pots de fleurs (Processo vegetale, 1983-1985), brouillant les frontières entre tableau, sculpture et objet. Gilles Deleuze note dans Logique de la sensation : « Conquérir la surface est le plus grand effet de la vie, plus profondément que le sensible et l'insensible, c'est l'épiderme ».

En 1982, Respiro delle foglie (Souffle des feuilles) présente une immense feuille (bronze) soutenue par six branches, créant une forme remarquable entre humain/cosmos, nature/culture, temps/espace, matériau/structure, lieu/esprit, esprit/corps, humain/environnement. Les installations Grandi movimenti vegetali (1983, 1985) consistent en petits arbustes verts dans des pots rouges, entourés de sculptures anthropomorphiques moulées sur écorce (debout, couché, accroupi, en mouvement). Ces formes végétales anthropomorphiques et métaphoriques explorent les racines italiennes, soumettant la matière informe à sa logique interne. L'objet devient symbole, participant à l'existence comme le langage dans la poésie, défiant paradigmes et syntagmes, devenant posture corporelle sensible où geste et corps se transforment en poésie, inscrits dans l'apparence et la trace. Elles révèlent les yeux, fascinent, offrent des volumes optimistes, des postures organiques vivantes, mouvement et situation formateurs, exprimant puissamment la relation homme-nature. Le sculpteur agit autour de la verticalité de l'arbre, intégrant habilement sa force vitale.

En 1986, La terra verticale (La terre verticale) s'inspire des rythmes verticaux ou parallèles de Brancusi, organisant des pots de terre cuite rouge en structures naturelles organiques ou rythmes infinis. Daniel Souutif commente en 1986 : « Ses œuvres montrent des traces visuelles similaires à celles de la vie naturelle et de l'art, réintégrant l'humain dans le monde. Parfois esthétique – Kant écrit : 'La nature est belle quand elle ressemble à l'art...' Cette naturalité de l'art réveille souvent une identité perdue, touchante. Son infinie volonté est de lui offrir le retour nécessaire ».

Dans les années 90, retour à la construction temporelle avec Strutture del tempo (1991-1992), empilant des bandes de terre cuite rouge en forme de lianes pour former de petites tours de Babel, soulignant action, espace et temps entre matière/forme et symbolisme/métaphore : « La caractéristique processuelle de l'œuvre d'art n'est rien d'autre que le 'temps' ». Dans la physique d'Aristote, le mouvement théorique de l'espace et de la quantité permet de saisir sensation et cognition. Cette conception de l'espace est liée à la métaphysique réaliste ; être dans un lieu est une propriété des corps, conscience humaine de cette situation, participant à son existence.

En 2000, Penone approfondit les catégories de l'arbre, explorant l'énergie et la conscience de l'univers naturel. Pour cette exposition à Versailles, trois œuvres à l'intérieur : Albero-porta-cedro (2012), sculpté dans un cèdre brut, montrant un tronc creux regorgeant de vie, une conscience naturelle renouvelée. Deux Respiro dell'ombra (Souffle de l'ombre) : une sculpture (1998) en bronze anthropomorphe de feuilles, issue de la série Respiro (1978) ; une installation spatiale (2013) utilisant autrefois des feuilles de laurier séchées, maintenant un mur entier de feuilles de thé, avec sculptures artificielles de feuilles et branches, dégageant un parfum intense, entre matière/forme, vue/odorat, imagination/conscience, espace/temps.

L'exposition à Versailles met l'accent sur les jardins extérieurs, présentant les multiples formes de l'« arbre » et des contextes naturels, tous monumentaux : deux Tra la pelle e oltre (Entre la peau et au-delà) (2003) placées sur des bassins octogonaux rectangulaires et larges plateformes, majestueuses. Une œuvre verticale enveloppant un chêne luxuriant de deux grandes cylindres d'écorche, traversée par deux fines branches, créant une puissance naturelle inouïe. Un tronc creux divisé en huit parts décroissantes s'étend lentement à l'horizon ; regarder depuis le gros tronc révèle des couches superposées d'écorce, un œil céleste creux, et des ramifications complexes irradiant une force grandiose.

Devant la fontaine dramatique de Latone, une grande œuvre de la série Anatomia (2011) (2011) est constituée de six grands blocs de marbre blanc gravés de motifs végétaux naturels, branches et troncs rappelant les viscères et capillaires humains, entre figuratif/abstrait, réel/imagination, allusion/référence. Sigillo (Sceau) (2012) est une plaque de marbre blanc couverte de formes végétales naturelles posée au sol, parcourue par un rouleau cylindrique laissant quelques traces non effacées, suggérant le passage du sceau.

Surplombant la vaste pelouse centrale, deux œuvres marquantes sur l'« arbre » : Triplice (Triple) et Radici di foglia (Racines de feuille) (2011). Triplice montre un arbre géant aux racines apparentes, avec une élégance vibrante ; une branche porte une énorme pierre, semblable à un fruit mystérieux. Une autre pierre écrase une branche sur la pelouse, construction inhabituelle créant une atmosphère mystérieuse, symbolisant l'énergie et la conscience naturelles inouïes. Près de la somptueuse fontaine d'Apollon, Radici di foglia est un arbre inversé plein d'énergie visuelle, dont les racines ressemblent à un pot rempli de plantes florissantes, illustrant les possibilités infinies de la vie naturelle et la conscience de l'énergie cosmique.

Suivant les panneaux indicateurs, tournez à gauche vers le jardin nord verdoyant de Versailles, passez devant la fontaine dramatique de Ranelagh, traversez les allées ombragées pour arriver au petit bois étoilé. Dans cet espace clos, sept groupes d'« arbres » (œuvres 2003-2012) se répondent et se contrastent, semblant pousser vivement du sol. Cinq ont des pierres grimpant dessus. La plus ancienne, Concetto di pietra (Concept de pierre) (2003), imagine fantaisistiquement des pierres poussant sur les arbres, devenant fruit mystérieux, espace imaginaire, point focal visuel, insight ineffable et énigme. De Concetto di pietra-Ulmus (2008) avec une pierre, à Concetto di pietra-Cerasuolo (2011) avec quatre pierres grimpant et une au sol, jusqu'à Concetto di luce da 1030 kg (2011) avec cinq pierres rythmiques sur l'arbre. Le concept de pierre se transforme en poids et lumière, la conscience guidant l'œuvre, ouvrant nouvelles pensées et insights. Equilibrio (Équilibre) (2011) conserve une pierre mais change son concept en idée et rôle d'équilibre. Comme Equilibrio-Quercia (2011) où un tronc parallèle sert de contrepoids à un arbre vertical. Le plus insolite, Sollevamento (Élévation) (2011), construit avec quatre arbres encadrant un tronc rugueux central, qui sera progressivement élevé avec la croissance de l'arbre ; le temps structure la conscience principale de l'œuvre, Penone revenant à sa structure temporelle spécialisée.

Penone dit de ses œuvres au jardin de Versailles : « Le petit bois étoilé semble comme une pièce, un espace clos où l'on découvre un effet inattendu. Cependant, les sculptures sur l'axe principal sont espacées. Dans le petit bois, plus concentré, les œuvres se font face directement. On peut voir ces sept œuvres comme une réflexion face à l'arbre, sa croissance, son mouvement, son équilibre. Chaque arbre est fixé dans la structure de son instant d'existence, son développement formel correspondant à sa vitalité nécessaire. Dans un arbre, aucune branche ni feuille n'est superflue ; celle-ci sèche ou meurt, devenant inutile, mémoire de la forêt. Pour moi, cela deviendra la sculpture parfaite de l'arbre, matière et forme stables, répondant à une nécessité. Chaque sculpture doit être construite ainsi. L'arbre, dans ce sentiment, est un exemple ».