Paris, Palais de Tokyo : « Pergola », une exposition pleine d’énigmes

Préface : L’exposition « Pergola » est présentée au Palais de Tokyo à Paris du 19 février au 16 mai. Il s’agit d’une exposition pleine d’énigmes et de références, comme les thèmes des expositions du Palais de Tokyo au cours de ces trois dernières années, qui traverse l’étrange en reliant les événements contemporains, les actions, les contradictions, la vitesse, les médias numériques, etc., suggérant ironiquement les situations chaotiques et le monde réel paradoxal et ambigu de la société complexe actuelle. En 1916, l’architecte célèbre Le Corbusier a construit une œuvre représentative du modernisme à Chaux-de-Fonds, en Suisse – la « Villa Schwob », également appelée « Villa turque » sous l’influence de l’orientalisme. Dans ses lignes grandioses, simples et pures, met en évidence une pergola dissonante et contradictoire. Quelques années plus tard, l’architecte publie des photos dans la revue Esprit Nouveau ; le sol de la villa est orné de blanc, marquant l’emplacement disparu de la pergola, indiquant clairement que cet objet majestueux a été modifié. Cela ressemble au geste symbolique de Muntazer Al-Zaidi, journaliste irakien, jetant sa chaussure avec colère sur le président américain George W. Bush près d’un siècle plus tard. Sous cette intention forte et contradictoire, l’exposition « Pergola » s’enroule autour de la nature combatitive de la modernité, à travers ces éléments longtemps réprimés et effacés : les lustres du petit restaurant suisse de Valentin Carron éclairent l’espace sombre du musée, ou encore le vocabulaire mural des enduits oignons des maisons indépendantes de banlieue, équivalent aux espaces des camps de concentration. La gigantesque chaussure-monument de Laith Ai-Amiri, dans un contexte de survie, de soulèvement et de résistance, pousse les victimes à faire preuve d’un courage total et à revendiquer leur droit de parole, rendant ainsi un hommage suprême au journaliste irakien en héros, exigeant publiquement une considération égale pour tous. Raphael Zarka explore, à travers le skateboard, sport préféré des jeunes d’aujourd’hui pour son équilibre et son esprit d’aventure, un monde formel de style Renaissance novateur. Serge Spitzer défie toute transmission d’information possible avec ses réseaux de tuyaux aérodynamiques fous et entrecroisés. Charlotte Posenenske, entre artisanat et style industriel, critique la société de consommation capitaliste occidentale et le système politique de production industrielle, visant à proposer une nouvelle conception du produit, de la distribution et de l’acceptation pour construire un nouveau monde. Cette présentation propose deux expositions personnelles pleines de vitalité jeune de Valentin Carron et Raphael Zarka, ainsi qu’une rétrospective novatrice de l’artiste allemande presque oubliée Charlotte Posenenske. Parmi eux, Serge Spitzer et Laith Ai-Amiri présentent des projets extraordinaires.

Artistes exposés : Deux propositions théâtrales : Laith Ai-Amiri (né en 1965) est l’artiste irakien actuel le plus médiatique, surtout connu pour avoir sculpté une « chaussure » jetée sur l’ancien président américain. Personne ne connaît vraiment son travail ; certes, les temps font les héros, mais qui sait si les héros ont autant de talent et de créativité, ou s’il ne s’agit que d’un courage passager ? Les artistes irakiens sont un grand point d’exclamation suivi d’un point d’interrogation encore plus grand (seulement de la question, aucun mépris). Diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Bagdad, il est originaire de la même région que l’ancien dictateur Saddam Hussein. Comme on le sait, dans le vent croisé des médias actuels, les événements journalistiques suscitent immédiatement panique et échos, devenant des points de vente ou des sujets de polémique ; un événement controversé en cache rapidement un autre original, tandis que la mode monte et descend simultanément. Le 14 décembre 2008, lors d’une conférence de presse mondiale entre le Premier ministre irakien et l’ancien président Bush américain, alors que les deux hommes s’apprêtaient à se serrer la main, Muntazer Al-Zaidi, assis dans la troisième rangée de journalistes, sortit inopinément sa chaussure et la lança en colère sur le président américain. Ce comportement controversé choqua instantanément la société irakienne tout entière, excita le monde arabe et stupéfia le monde entier. Ces chaussures ne devinrent pas seulement un symbole imaginaire de résistance, faisant du journaliste un résistant au pouvoir fort, mais aussi un héros faible du monde arabe. Condamné à trois ans, après quelques mois de prison, il fut accueilli et traité en héros national à sa sortie de la prison militaire Mouthanna.

Cette chaussure monumentale, intitulée « Symbole de courage », est une collaboration réalisée par Laith Ai-Amiri en janvier 2009 avec des enfants d’un orphelinat local, considérée comme la gloire du journaliste Muntazer Al-Zaidi. Mais l’œuvre fut rapidement détruite et rasée par les autorités. Depuis, l’artiste a disparu. L’œuvre présentée au Palais de Tokyo est une reconstruction basée sur les images et documents fournis par l’artiste. Ici, l’artiste interroge les formes antiques ; sur cet objet quotidien insignifiant, une chaussure devient un symbole controversé extraordinaire. Utilisée comme prototype, elle réalise une transmutation, devenant un monument éternel et une mémoire consciente de résistance. L’artiste déclare : « Le comportement du journaliste Muntazer Al-Zaidi a eu un écho majeur dans la société irakienne. C’est une expression de liberté et de courage sans précédent. Dans ma sculpture, je concrétise toutes ces valeurs extraordinaires. J’ai organisé une petite cérémonie d’ouverture pour cette œuvre, bien que courte (demi-heure), elle a duré toute la journée et a provoqué un tollé sans précédent dans la société irakienne, précisément à cause de cette chaussure symbolique extrême et puissante (…). »

Serge Spitzer (né en 1951) est l’un des artistes américains les plus représentatifs actuellement. Depuis les années 70, il utilise l’espace environnemental pour développer un vocabulaire complexe, créant des installations sculpturales mécaniques novatrices de transmission d’information, conscientes et perceptives, souvent en contraste et en lien avec des mondes imaginaires extraordinaires. La tension de ses œuvres vise l’équilibre entre le visible et l’invisible, le controversé et le constant. Ses sculptures environnementales possèdent une organisation autonome et des conditions potentielles d’auto-destruction.

Dans cette exposition, Serge Spitzer présente une grande installation environnementale monumentale « Re /Search, Bread and Butter with the ever present Question of How to define the difference between a Baguette and Croissant ». Elle consiste en une série de tuyaux en plastique bleu clair allant du sol au plafond, longeant les murs et les colonnes, s’entrecroisant complexement dans l’air, semblable à un labyrinthe chaotique. À l’intérieur des tuyaux, la pression de l’air pousse continuellement des messages qui tournent sans fin. Cette machine rappelle la transmission ordonnée des grands magasins ou la transmission d’informations, confirmant un réseau de communication préexistant, semblable au système d’Internet actuel. Ici, l’artiste questionne humoristiquement sa fonction, la rendant obsolète ; la technologie perd son effet mutuel, les informations n’ont ni expéditeur ni destinataire, la recherche n’a ni début ni fin, ordre et chaos coexistent, précision proche du défaut, tout est lié, pourtant tout est accidentel.

Une rétrospective remarquable : Charlotte Posenenske (1930-1985) était l’artiste minimaliste allemande la plus novatrice des années 70. Héritant du large modernisme, notamment du néoplasticisme hollandais et du constructivisme soviétique, elle réintègre les sensations de composition, spatialisation et standardisation. Passant rapidement de la peinture plane à la sculpture tridimensionnelle, elle tente diverses possibilités soulevant des questions subjectives puis anonymes d’expérience. Au début des années 60, elle tente de développer l’espace pictural via la série « 12 bas-reliefs métalliques Série C » (1967), explorant librement la combinaison et la participation. Rapidement, par des sculptures animales architecturales variables, elle invite la participation du public et des consommateurs, comme dans « Viekantrohre Série D » ou « Viekantrohre DW », des sculptures-objets construits en carton épais standardisé industriellement, semblables aux conduits de ventilation des bâtiments modernistes, malléables selon l’espace et le temps. Ces deux séries reposent sur un système de dimensions standards facilitant la reproduction. « Viekantrohre DW » et « Drehflugel Série E » proposent la participation opérationnelle du spectateur, tandis que « Viekantrohre D » demande au commissaire d’exposition de composer la forme ; les œuvres ne sont pas seulement participatives, elles déterminent aussi la forme de l’œuvre, montrant clairement que Charlotte Posenenske est la conceptrice et la pionnière de l’esthétique participative. Entre artisanat et industrialisation, unicité et pluralité, intégrité et chaos, imagination et contrainte, exigence et impuissance, formes rationnelles et mouvements déviants, l’artiste impose ainsi une poésie de l’action immédiate. Après les troubles étudiants européens, Charlotte Posenenske abandonne l’art, étudie la sociologie et participe aux combats syndicaux. Ses œuvres, dans le contexte des troubles de 68 en Europe, critiquent la société de consommation capitaliste occidentale et le système politique de production industrielle, visant à proposer une nouvelle conception du produit, de la distribution et de l’acceptation pour construire une nouvelle ère.

Deux expositions personnelles novatrices : Valentin Carron (né en 1977) est un artiste suisse de la nouvelle génération, spécialisé dans la sculpture, les objets, l’architecture, la construction spatiale et les concepts. De la portraitistique rurale aux symboles religieux en passant par l’imitation de l’espace public, il questionne l’identité via les formes modernes célèbres, invoquant des archétypes. Clairement, l’artiste ne cherche pas à falsifier, imiter ou simplement copier. Mais à travers la transformation apparente, les fragments et la décélération : synthèse, série ou bâtiment. Ses œuvres, aidées de l’abstraction minimalist, naviguent entre un sentiment de libération unique et l’invariant. Évidemment, ses objets, images, symboles et usages populaires sont détournés par son humour. Assemblant images de l’art moderne et art populaire, tradition et contemporain, il crée une image et un style ambigus à la fois modernes et postmodernes : les lanternes évoquent une Suisse rêveuse, des montagnes lumineuses et des chalets suisses, ou des murs enduits bruts géométriques inférant la place romaine. Sculptures sur bois du jardin d’Éden, entre parc naturel et parc d’attractions. Monuments anarchiques critiques. Toutes ses œuvres oscillent entre célébration et critique d’un pays à la fois romantique et barbare, un mythe contraint, tel le sol natal d’une nation. Valentin Carron manifeste clairement l’authenticité, l’artisanat, l’objet trouvé ou l’esthétique maladroite. À travers ses œuvres, toute mémoire devient un monument à la gloire de la vie personnelle.

Raphael Zarka (né en 1977) est l’un des artistes français les plus représentatifs de la nouvelle génération et l’un des plus actifs actuellement, travaillant la sculpture d’objets, la vidéo et la photographie. Il se définit lui-même comme explorateur ou scientifique, théoricien du skateboard, essayiste, archéologue mathématique, etc. Son exploration tourne autour des objets usuels appropriés, du détournement et de la transmutation, de l’assemblage et de combinaisons inhabituelles, transformant et construisant des scénarios extraordinaires, devenant des sculptures d’objets imaginaires et proches de la forme scientifique. La création de Zarka repose sur une recherche documentaire claire. Aimant l’espace et la forme, il aime déconstruire le traitement du fond. Appropriant les objets, les repositionnant dans le monde historique, ses œuvres sont le résultat d’études réfléchies. Il aime mélanger histoire de l’art et culture populaire. Sa création tourne autour de deux noyaux : le rhombicuboctaèdre géométrique (note 1) et le skateboard. Assez scientifiques et théorisées, ces deux expériences novatrices deviennent sa manifestation artistique la plus originale. Les formes faciales géométriques proviennent du principe d’Archimède, découvert par Luca Pacioli et Léonard de Vinci, comme dans l’œuvre « Forme cubique » géométrique de 2009.

Le skateboard – objet et sport adorés durant l’enfance de Zarka, dont il est expert – approche fortement ses formes et sa matière, approfondissant ses concepts fondamentaux : surface, vitesse, équilibre, culture populaire, optimisme, relations d’objets, etc. Le skateboard occupe une place majeure dans sa création. Explorateur, l’artiste relie ces cas complexes, publiant en 2003 « The Forbidden Link ». Puis en 2006, il publie « A Quiet Day », une chronologie vide théorique sur le skateboard. En 2008, il réalise un document vidéo intitulé « Topographie des anecdotes de skateboard », décrivant dans 40 minutes de documentation comment les adolescents californiens ont créé cette surface, distinguant les formes urbaines de leurs fonctions, et proposant un naturalisme de base entre la route, les vastes terrains et la rue. Zarka observe que ce sport se transforme clairement : équipements des terrains urbains, nouvelles topographies (comme piscines vides), changements et créations technologiques. Tout cela alimente la créativité de l’artiste. Par exemple, en 2009, l’ingénieux « Tramway léger » : un vaisseau aérien futuriste imaginé, construit par deux motos lourdes Jawa juxtaposées, avec un compartiment ouvert au milieu, invitant à s’asseoir, référant à la vitesse, l’équilibre, l’aviation et la mécanique. Ce véhicule de type basique est une invention originale de l’ingénieur Bertin, servant d’évolution au vaisseau aérien. Cette machine semble être une forme anti-progrès, une imagination de tension futuriste, apparemment impossible à réaliser.

La création artistique interdisciplinaire de Zarka s’appuie sur Robert Smithson, Dan Graham et Philippe Parreno, sans limiter ses œuvres artistiques et plastiques au monde physique. L’artiste cite le philosophe Borges : « Seules les formes qui insultent presque le monde de la pensée nous permettent de créer quelque chose, ou nous devons créer quoi que ce soit. »

Note 1 : Le Rhombicuboctaèdre est un cube archimédien géométrique solide, ayant 8 faces triangulaires et 18 faces carrées. Il possède 24 sommets identiques, avec la rencontre de 1 triangle et 3 carrés. Note : La répartition ci-dessus a 6 carrés et triangles chacun, alors les 12 autres répartissent chaque arête. Polyédrique, il a une symétrie octaédrique, comme le cube et l’octaèdre. Dual, il est appelé dodécaèdre trapézoïdal, bien que les faces avant ne semblent pas telles. Le nom Rhombicuboctaèdre fait référence aux 12 faces carrées, situées sur la face opposée au dodécaèdre rhombique, dont le dual est le cube. Il peut aussi être appelé un cube déployé, ou un octaèdre régulier déployé, commençant par le processus de coupe plane des mêmes polyèdres.