Wang Zi Yun : Ode au corps et à l'âme

« Si je... demandais si tout est juste, un miroir après l'autre, sans la vanité de l'arrogance : je cherche le visage que j'ai eu, avant que l'univers ne soit créé. »

Poète Yeats (une femme jeune et vieille) (Note 1)

Texte / Chen Chi-Hsiang Préambule : Paris jouit à la fois du surnom de Ville Lumière et de Cité des Arts, possédant son charme et son influence uniques. Pour les amateurs d'art et de beauté, ainsi que pour ceux qui recherchent la liberté et le romantisme, Paris exerce une forte attraction, devenant ainsi le lieu rêvé par les passionnés d'art et le terrain d'apprentissage de l'humanisme artistique, un paradis idyllique pour les amoureux des fleurs, ainsi qu'un paradis pour le shopping, la jouissance de produits de luxe et de la gastronomie. Paris a toujours été le lieu de création et de formation des artistes, ainsi que celui de la croissance artistique et humaine et de la métamorphose de la vie. En 1950, l'écrivain américain célèbre Hemingway écrivait : « Si vous avez la chance d'avoir vécu à Paris quand vous étiez jeune, alors Paris restera avec vous toute votre vie, car Paris est un festin itinérant ». La Cité des Arts - Paris a façonné de nombreux artistes du monde entier et possède une influence unique sur l'art et l'humanisme mondiaux ; le développement de l'art moderne à Taïwan et les récents discours sur l'art moderne, ainsi que le cinéma (influencé par la Nouvelle Vague française), n'y font pas exception. Le développement de l'art moderne à Taïwan, depuis l'ère de la domination japonaise via une traduction indirecte, jusqu'à l'après-guerre où il a été directement éclairé et influencé. Les premiers peintres ayant étudié en France incluent Liu Qi-Xiang et Zhang Yi-Xiong ; la génération intermédiaire, passant par Paris puis New York, comprend Xie Li-Fa, Liao Xiu-Ping et Chen Jin-Fang ; ou encore les aînés restés à Paris comme Chen Ying-De et Peng Wan-Chi. La génération moyenne et jeune compte You Zheng-Feng et Chen Chi-Hsiang, tandis que la jeune génération, telle Wei Zhen-Hong et Lin Li-Ling, continue de vivre et de créer dans cette Cité des Arts.

À l'ère de la mondialisation actuelle, où la terre est plate et les distances spatio-temporelles compressées dans le réseau Internet planétaire, avec l'essor de la conscience autonome et l'ère de la poursuite des rêves, l'exemption de visa pour l'Europe en fait la destination préférée pour les voyages, études, séjours linguistiques et pèlerinages touristiques des Taïwanais, élargissant implicitement leur vision internationale et leurs expériences diversifiées. La Cité des Arts - Paris devient la ville rêchée de nombreux professionnels de l'art et amateurs, avec des vagues successives d'étudiants taïwanais partant en France et un nombre croissant d'artistes taïwanais y vivant. Dans cette société ouverte, libre et démocratique, sous l'influence culturelle et sociale, il est impossible de ne pas être affecté par les courants de pensée et les idéologies français (il y a bien sûr des exceptions). Les personnes vivant en France ont tendance à être indépendantes et à avoir une forte conscience autonome ; les artistes ne font pas exception, commençant par une introspection personnelle, atteignant une prise de conscience politique et sociale, approfondissant l'expérience interculturelle vers le local global, et activement ouvrant de nouvelles perspectives artistiques. Ils apportent à leur patrie un festin culturel itinérant qui enrichit la culture locale, ouvrent également un vaste horizon et une vision lointaine pour le contexte local taïwanais, et deviennent une force vive pour l'intégration de Taïwan dans l'art globalisé, ainsi qu'une nouvelle vitalité et énergie pour la société locale, la politique et la modernisation.

Paris - Sanctuaire de formation des artistes : Wang Zi Yun (née en 1966 à Changhua) est l'une des artistes féminines représentatives vivant en France et actives sur la scène artistique taïwanaise. Diplômée du département des Beaux-Arts de l'Université Donghai en 1988, elle part étudier en France dans les années 1990 et obtient son diplôme de l'École nationale supérieure des beaux-arts de France en 1995. Elle est une artiste typique formée par la rigoureuse et orthodoxe école des beaux-arts française. Sa création tourne autour des questions féminines de l'écriture féminine. J'ai remarqué tôt sa création et elle était l'une des artistes invitées à ma exposition personnelle de 2010 à la Galerie Bema Taipei intitulée Mutualité (thème féminin).

Parmi les artistes féminines taïwanaises étudiant à Paris à la même époque que Wang Zi Yun, on trouve Zhang Hui-Lan et Cai Hai-Ru. Leurs créations sont profondément influencées par les points de vue d'Annette Messager, une figure majeure du milieu artistique français, et de Louise Bourgeois, la plus influente de la fin du XXe siècle. Elles tournent toutes autour de la conscience autonome féminine, explorant une intimité corporelle et situationnelle féminine non voilée. La création de Zi Yun est très française, héritant directement de la conscience corporelle quotidienne d'A. Messager : fragments corporels, collage d'images, assemblages, empilements, artisanat délicat (couture) et installations spatiales, présentés en séries. Les œuvres s'entrecroisent et développent souvent de nouveaux sentiments à partir d'éléments internes, un langage novateur directement fondé sur l'environnement quotidien banal. De plus, elle explore profondément la remise en question par la peinture et le support français des années 1970 des formes traditionnelles de la beauté, ainsi que l'exploration de la vérité cachée derrière la forme et le sujet. Ainsi, des œuvres telles que Le Créateur, Le Matériau, L'Idée peuvent directement prendre place sur la scène, regardant le monde directement. Par conséquent, le contenu, la forme et l'expression du médium de la création artistique sont remplis de diverses possibilités.

L'artiste L. Bourgeois écrit : « Une méthode qu'une femme explore toujours est de devenir elle-même. Leur anxiété vient du fait qu'elles ne peuvent jamais devenir acceptables. Tout cela commence par une lutte extrêmement anxieuse provenant : de tout l'amour sexuel ». Elle dit aussi : « L'art est une garantie de santé mentale ; tous ces types d'amour sexuel apportent une thérapie apaisante pour l'esprit » (Note 2). Elles sont toutes sous un féminisme audacieux, mais elles ne se revendiquent pas comme la « Nouvelle » féministe. Bourgeois continue : « Je ne crois pas à l'existence d'une esthétique féministe. J'ai créé des œuvres exprimant des émotions débordantes qui n'ont rien à voir avec le genre » (Note 3).

Ode au corps et à l'âme : La création de Wang Zi Yun tourne autour de son propre corps féminin et de son âme. Le sujet d'un individu particulier symbolise la conscience subjective de l'artiste elle-même, le soi devenant la conscience existentielle. Sa création part du « Moi », issu de l'observation des phénomènes de la vie quotidienne, excavant les sentiments réels liés à l'intérieur et à l'extérieur. Le corps est le point de départ du regard porté sur le « Soi » ; le corps construit le monde, rencontrant l'âme au plus profond du corps. Approfondir le « Moi » c'est approcher la conscience cosmique. Toutes ses créations passent par des formes complexes de symboles et de métaphores, dans une vitalité sensible et venant du fond du cœur, chantant l'« étrange corps de la femme » et l'« âme », devenant le noyau central de son exploration imaginative et idéalisée exceptionnelle. En tant qu'artiste féminine, elle s'appuie naturellement sur la sensibilité, la délicatesse, la capacité et la sensibilité des femmes. Elle maîtrise divers matériaux et médiums, de la peinture plane à la sculpture tridimensionnelle ou aux objets, développant diverses possibilités. Parfois, à travers des constructions d'installation spatiale, sa création prend de multiples formes et apparences : créations alternées, naviguant entre peinture, objets, sculpture, dessin ou photographie. Zi Yun dit : « La création artistique est comme faire face à un miroir après l'autre ; je me regarde moi-même, et vois aussi ce qui est derrière » (Note 4).

Au cours des dernières années, les thèmes qu'elle explore et auxquels elle s'intéresse sont Les Sons du Quotidien et Les Visages du Quotidien. Ils deviennent parfois le sujet d'une certaine période ou d'un certain individu, disparaissant parfois aux marges du temps et de l'espace, légers comme la poussière, apparaissant et disparaissant, impossibles à décrire clairement mais pourtant présents de manière si évidente, comme le disait Blanchot : « Ici, la distance et la proximité – la proximité oubliée et la distance attendue – se rapprochent et s'éloignent sans limite... » (Note 5).

Le « Corps » du regard sur soi : Le monde commence par le « Moi » individuel. La relation d'existence entre les choses et le soi construit la conscience autonome. Le monde est dans le regard de soi. Je dépend du corps physique tangible. Le corps renvoie au corps charnel humain, au véhicule de l'existence de la vie. L'introspection intérieure inclut, outre le corps physique, l'esprit conscient. L'être humain est un être spirituel, renvoyant également à l'âme inconnaissable de l'existence, qui devient la conscience spirituelle humaine. Le corps devient le lieu de résidence de l'âme. Toute la création de Zi Yun est fondée sur des fragments intimes de son propre « Corps » (parties locales), observant et regardant tout ce qui la concerne, redécouvrant l'image du corps parmi les objets quotidiens, tentant d'entrevoir la conscience de l'existence humaine à travers ces fragments. Depuis 1993, à travers l'observation des « Mains », elle transmet la situation et le visage émotionnel du moment présent par le vocabulaire gestuel humain. Des mains blanches unies en prière « Comme » (1995-98) montrent la piété ; les mains rouges « Portrait Rouge » (1997-99) symbolisent la volonté ; les mains chargées d'émotions « Autoportrait » (1997) illustrent la situation présente ; les grandes paumes puissantes sur fond jaune (gris) « Paysage 60150102 - Mort du Soldat » (2010) suggèrent le tragique héroïque, etc. Bien que ce soient toutes des « Mains », elles contiennent des situations englobant tout et des significations riches. À partir de la contemplation de soi, elle réalise les émotions et la conscience communes de l'existence humaine.

L'artiste écrit : « L'idée du portrait vient de mon regard, de l'observation de tout ce qui me concerne, c'est l'observation et la redécouverte de l'image de toutes les choses liées à moi. Cette image signifie la présentation du soi, mais après l'achèvement du tableau, le « Moi » disparaît, n'y étant plus : cela met en évidence les multiples significations entre le sujet dans le portrait, le sujet représenté et le peintre. Dans mes œuvres, les sentiments personnels, les histoires ou les états psychologiques ne peuvent pas être directement exprimés par le regard du visage, mais passent par le visage du personnage d'image à un domaine neutre et métaphorique – la main » (Note 6).

La trilogie de la représentation et de l'image faciale du « Corps » : Son observation introspective tente d'exprimer ou de symboliser les douleurs, joies et tristesses physiques et spirituelles à travers le concept de blocs de matière des médiums de peinture, sculpture et objets. Le « Bloc » est la découverte de la mémoire cachée dans le corps, le désir d'un corps utopique. La création de Zi Yun navigue entre la représentation et le monde imaginaire du « Corps ». Les créations alternées évoluent en une trilogie d'objets-visages : un. Le remplacement du corps : la mutation, le remplacement ou l'auto-devenir d'autrui du corps. Deux. La couche flottante : exprimée par la membrane de la représentation et la forme enveloppante. Trois. Le plaisir fictif : de l'intérieur du corps à la couche épidermique fabriquée, traversant et entrelaçant par l'appropriation décorative répétée, produisant une imagination frénétique du corps, de l'espace et du temps (Note 7).

Un. Le remplacement du corps : La présentation unique est la peinture, le remplacement devient la performance. Le remplacement consiste à utiliser la technique de collage et de restructuration pour intervenir entre des choses et images apparemment sans rapport afin de créer des liens, aliéner les images familières existantes, évoquer la mémoire cachée et invisible et espionner la conscience profonde. Le remplacement devient mutation et régénération, reliant des fragments de temps ou de mémoire pour construire des images ou des visions inattendues, comme le disait le poète français Comte de Lautréamont : « Beau comme la rencontre fortuite sur une table de dissection d'une machine à coudre et d'un parapluie ! ».

Le remplacement devient la technique unique de Zi Yun. Ses créations alternées vont de la peinture plane à la sculpture-objet tridimensionnelle. L'artiste dit : « J'utilise cette technique pour regrouper des objets quotidiens pleins de mémoire ou d'une certaine signification culturelle, ainsi que des médiums pénétrants, pour produire de nouvelles images. Dans mes œuvres, je ne colle pas des images, mais des objets et matériaux aux significations différentes ; ces objets hétérogènes, par regroupement et collage, forment des blocs à sensation charnelle. Leur intervention mutuelle et remplacement entraîne une mutation transmettant une imagination allant sans cesse de l'intérieur à la surface » (Note 8).

Zi Yun utilise des fragments du « Corps » comme supports de la mémoire corporelle cachée, sondant et excavant à plusieurs reprises ces fragments de temps et de conscience de la vie quotidienne. Grâce à des collages ingénieux, assemblages, répétitions et empilements constructifs, les œuvres sont dans un état de transformation, mutation et métamorphose par remplacement, transformant paradoxalement le familier en ambigu ou insaisissable, entre image, abstraction et vision, tentant d'évoquer des situations subconscientes et des significations ambiguës : entre ressembler et ne pas ressembler, « Corps Quatre » (1998) est un exemple précoce de remplacement corporel. L'assemblage d'images massives abstraites dans l'image « Bougainvillieria » (2003), l'exemple le plus représentatif de remplacement-mutation corporelle « Fantaisie du respirateur » (2002-2005), avec une intervention hétérogène dans le buste, produit naturellement une vision déformée. La série « Jardin de Spores » (2005) de remplacement-mutation, des objets sculpturaux surréalistes ambigus indescriptibles, comme des graines de plantes proliférantes ou des organismes massifs grotesques, le corps plein de vie est en métamorphose, transformation et mutation. Ainsi, dans Monster Study, il est écrit : « Le corps grotesque est une chair toujours en formation », « L'image grotesque représente les étapes de mort et de naissance, de croissance et de formation ; elle est en changement, caractérisée par un état de métamorphose inachevée, avec une ligne de démarcation floue avec le monde matériel ». Le corps archétypal, par mutation, transformation et intervention hétérogène, renaît brillamment, tentant d'étendre infiniment le temps dans le processus de disparition. (Note 8)

Deux. La couche flottante - Série Peau : « Peau » et « Membrane » sont la couche flottante du corps. « Peau » et « Membrane » sont le résultat de l'observation minutieuse de Zi Yun du corps et de sa création. La peau est l'intérieur et l'extérieur du corps charnel, organique, transpirant et respirant à la fois ; la membrane est le fruit de l'application couche par couche de la peinture. Peau et membrane sont toutes deux des substances minces. La couche cutanée est une membrane protectrice contre l'invasion externe, tandis que la membrane structure la texture de la peinture et la vernis anti-poussière protecteur. La couleur de la peau porte l'histoire et la conscience du groupe ; la membrane porte les facteurs de la peinture. La couche superficielle « Peau » et « Membrane » est dans l'espace liminal entre l'intérieur/extérieur et la surface/l'intérieur. « Peau » est très abstraite, sans forme ni statut définis, ayant ses attributs de couleur cutanée. Là où il y a de la peau, il y a des pores ; là où il y a des pores, il y a échange et perméation. Elle enveloppe la conscience subjective, la structure interne, changeant avec la forme du sujet, flottant indéfiniment. En résumé, « la peau comme interface ambiguë suspecte, comme frontière de perméation incertaine » (Note 9). « Peau » est une manifestation physiologique, charnelle, psychologique, historique, etc. Évidemment, toute profondeur vient de la surface ; la couche flottante pleine de vitalité manifeste la vie et sert de métaphore de l'imagination corporelle.

La série Peau apparaît en 2002 dans « Adolescence » et « Paysage Volcanique », à la fois concrète et abstraite, dans la symbolique du corps, renvoyant aux signes physiologiques, symbolisant l'énergie vitale et la conscience. « Portrait Familial - 1984 » (2004) porte une autobiographie et une mémoire collective. Les séries « Apparence Cutanée » et « Fantaisie de la Membrane » (2006-07) explorent ces deux grandes séries, très sensibles et perceptives, exprimant fortement les traits féminins doux. La série « Apparence Cutanée » utilise des images numériques prises au microscope macro de la peau et des poils corporels, imprimées sur toile, remplies de coton dans le tableau. Selon la situation créée à chaque instant, il y a divers objets sur la surface : cheveux, graisse, capsules vides transparentes, punaises, etc., transformés en peinture-objet ambiguë, entre image et abstraction, sens et conscience, physiologie et psychologie, transmettant une émotion et une perception indescriptibles. La série abstraite « Fantaisie de la Membrane » est une imagination de la peau. Elle utilise du papier calque gris-blanc semi-transparent comme métaphore de l'image intérieure-extérieure de la couche cutanée, laissant des taches aléatoirement au crayon ou des empreintes tachetées de peinture comme traces de temps. Cette série est particulièrement poétique, délicate et élégante. Pour souligner l'image légère et fine de la membrane et l'imagination interne de la réalité, les œuvres sont suspendues, participant ainsi à une partie du contenu.

Trois. Le plaisir fictif : Le plaisir fictif renvoie à l'extension large et à la fantaisie du corps dans la vie quotidienne, concernant l'imagination spatiale, la signification du champ et l'appropriation décorative. Zi Yun utilise le « Corps » comme support de sa série de créations Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. , sondant la mémoire cachée dans le corps, le désir d'un corps utopique. Elle tente de transmettre l'anxiété et la fantaisie humaines face à la vie contemporaine inconnue et changeante rapidement, aux mutations génétiques et matérielles, et à la technologie de copie. Élargi à partir de l'expérience personnelle, présentant le sentiment de réalité de la vie actuelle (Note 10).

La série « Après 241920 minutes » marque une échelle de temps, commençant en 2002, totalisant 21 œuvres objet-sculpture. C'est un total de temps spécifique clair, mais sans année, mois, jour ni saisonnalité. Dans la latitude du temps abstrait, elle enregistre la mémoire corporelle quotidienne autobiographique de l'artiste et la conscience existentielle. La première œuvre « Après 241920 minutes » (2002-05), quatre sculptures-objets oreillers, Zi Yun emprunte directement les objets-oreillers intimes avec lesquels elle dort chaque jour, comme extension ou projection du corps, montrant non seulement l'objet, mais enregistrant aussi l'odeur corporelle personnelle et la mémoire du temps. « Après 241920 minutes - Flou » (2005), « Poitrine » (2006), « Dos » (2006), empilent et combinent des objets symboliques sur les oreillers comme capsules vides, médicaments, cotons-tiges et cheveux, créant une situation confuse, révélant une anxiété et une insécurité insaisissables sous leur apparence brillante. Grâce aux associations pertinentes, le corps plein de désir, mémoire, surprise, sensation et fantaisie s'étend et s'expande à l'infini, exprimant ainsi le journal corporel d'un individu à une certaine période (Note 11). « Après 241920 minutes - Vêtement » (2007) est un vêtement cousu et rempli de coton, métaphore de la sculpture molle du corps, un fragment de mémoire spécifique mais innommable du quotidien, entre les sens et la métaphore.

Recherchant le positif « Sa propre chambre », il y a les séries « Absent », « Caché », « Extension », « Portrait avec Noix » (2005) et « Sans Visage » (2009), tous issus de la même image d'un crâne nu dos au public, traités dans différentes situations. La série « Sa propre chambre » imprime des images noir et blanc sur des draps de lit ; « Portrait avec Noix » imprime l'image sur des couvertures ; « Sans Visage » est une série de peintures. Le buste est apparu le plus tôt dans l'installation spatiale « Agitation dans le Calme » (2004) sur les œuvres de draps (blanc, or, noir).

La série la plus remarquable, « Sa propre chambre », utilise l'attribut du drap pour installer directement une suspension spatiale. « Absent » contraste noir et blanc ; le blanc se fond dans le mur, indiquant la simultanéité de l'absence, vérifiant que le temps n'est pas seulement atemporel, mais simultané. Le philosophe B. Pascal décrit ainsi dans Pensées : « Ce petit espace que je possède est englouti par le temps infini, cependant, je ne sais rien, cet espace ignore mon existence... ». « Je coexiste avec un autre espace-temps sans le savoir » (Note 12). « Caché » est placé noir dans le coin opposé du mur, faisant face à un buste suspendu dans l'espace, présentant une situation de trouble latent sous la sensation spatiale et la distance, comme le décrit Blanchot : « Ici, la distance et la proximité – la proximité oubliée et la distance attendue – se rapprochent et s'éloignent sans limite » (Note 13). « Extension » est une image imprimée tendue comme toile, dressée au centre de l'exposition. L'image montre un buste noir et blanc dos au public, derrière lequel est un cadre nu. À travers la métaphore spatiale de la recherche « de positivité » par le spectateur, elle exprime la peur face à la « simultanéité de l'absence » et la fantaisie corporelle insoluble face à l'« inconnu ».

La série « Bijoux » (2006-07) de l'extension et de l'expansion du corps féminin provient de la mutation de la série « Jardin de Spores ». Les bijoux sont le symbole de la richesse et du pouvoir, l'objet fantasmatique de la beauté et du maquillage féminins, bien sûr aussi la quête de la beauté par les femmes, la fantaisie d'un corps utopique. Cette série utilise massivement des capsules colorées, pilules, cheveux, peinture, colle de la vie quotidienne, utilisant des objets accessibles (comme gants, vêtements, tissus et plis) comme prototypes corporels, créant ingénieusement de beaux objets, jusqu'à ce que le prototype prolifère et mute, donnant naissance à des objets fantastiques trompeurs, entre matière et forme, poésie et sens, physiologie et physique, nature et artisanat.

La série « Plaisir Fictif » (2009) est une exploration prolongée de la série « Bijoux », passant de petits bijoux à des objets pondérés, plus exquis et parfaits, plus proches des objets réels. Les formes naturellement créées sont ornées de couleurs vives et éclatantes ; les blocs sont décorés de capsules dorées, formant un manteau doré brillant, un grand collier de rubis tombant au sol, un long objet argenté semblable à une longue fleur-fruit, s'étendant et reliant dramatiquement les pensées et sensations quotidiennes, devenant une scène fictive brillante. L'expansion de la série « Plaisir Fictif » est devenue aujourd'hui la série organique « Débris » (2012), continuant d'explorer profondément les corps cachés dans le cœur des gens.

Voyage spatio-temporel - Série « Paysage » : Le « Paysage » fluide lentement médite sur l'état et la situation de l'existence. Dans l'illusion changeante entre réel et vide, le vide est informe, changeant constamment, voire « le vide contient le réel, le réel contient le vide. Le vide extrême devient réel, le réel extrême devient vide ». Silencieux et solitaire, sans bruit ni fin. Le flux de conscience traverse le champ spatial, la vitesse de flux lent symbolise le passage du temps, ou prenant les ailes du temps, comme un voyage fantastique imaginaire, naviguant dans le monde intérieur inconnu, entrant dans le domaine métaphysique. La lumière de reflet et d'ombre flottante, incertaine, l'image mentale illusoire et changeante, tente de déconstruire la conscience et d'approfondir le subconscient, entre temps et espace, extérieur et intérieur, sens et conscience, image mentale et image, rêve et réalité, matière et esprit, abstraction et concret, visible et imaginaire, formé et informe, existant et inexistant, voyant et non-voyant, imaginant la magie et le mystère de l'existence. L'artiste écrit : « Les récits incessants deviennent des sons grignotants indéchiffrables, ouvrant un voyage temporel et fantastique » (Note 14).

Note 1 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.3. Note 2 : Rétrospective Louise Bourgeois, Centre Pompidou, Paris, communiqué de presse, printemps 2008. Note 3 : Rétrospective Louise Bourgeois, Centre Pompidou, Paris, communiqué de presse, printemps 2008. Note 4 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.2. Note 5 : Galerie Bema Taipei, exposition Mutualité (thème féminin), documents fournis par l'artiste, 2010. Note 6 : Catalogue de l'exposition conjointe Zhang Hui-Lan et Joan Pomero, Espace Artistique Xinbin Wharf, 1999. Note 7 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.12. Note 7 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.30. Note 8 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.13. Note 9 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.14. Note 10 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.20. Note 11 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.32. Note 12 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.16. Note 13 : Entre Corps. Objet Alien. Suspendu. - Discours sur la création de Wang Zi Yun, Université Dayeh, 2007, p.23. Note 14 : Communiqué de presse de l'exposition personnelle Le Paysage Fluide Lentement, Galerie 107 Taichung, 2011.