Artistes vidéo contemporains

Période : du 5 mars au 21 juillet. Lieu de l'exposition : Grand Palais - Galeries nationales, Paris. Texte et photos par Chen Chi-Hsiang. Bill Viola (né en 1951) est l'un des plus grands artistes vidéo contemporains. Très jeune, il s'est imposé dans la narration lyrique et la construction esthétique de la vidéo ; à neuf ans, alors qu'il fréquentait l'école primaire à New York, il participait déjà à la télévision scolaire. L'artiste déclare : « Je suis né dans la même génération que la vidéo ». À vingt et un ans, il réalise sa première œuvre vidéo ; à trente-six ans, il expose au Museum of Modern Art de New York, puis dix ans plus tard, une rétrospective itinérante se tient au Whitney Museum ainsi qu'aux États-Unis et en Europe. Ses œuvres sont comme des poèmes visuels : formes rigoureuses et parfaites, images exceptionnelles, lumières envoûtantes et mélodies musicales fortes et sensibles plongent le spectateur dans une immersion totale et une empathie profonde.

Bill Viola a été l'assistant de Nam June Paik, considéré comme le père de la vidéo. Au début des années 1970, ce groupe Fluxus tentait d'« attaquer la télévision » en utilisant les écrans traditionnels comme arme, les détournant pour créer des installations inédites. L'interface télévisuelle devenait une combinaison de formes et de blocs colorés, assemblant imprimeurs photo et émetteurs de signaux, mettant la technologie au service de l'art. Intéressé par la musique électronique comme Paik, Viola a découvert la vidéo grâce à cette pratique. Ses images ressemblent à des compositions musicales, poétiques et pittoresques, où les outils prolongent ces sensations. La structure enregistrée se convertit directement dans les yeux, les oreilles et l'esprit : pour lui, image et son sont également importants. Par exemple, son œuvre marquante He Weeps for You (1977) présente avec originalité un gros plan sur des gouttes d'eau tombant d'un tuyau, très poétique, accompagné du bruit rythmé de l'eau s'écoulant provenant des haut-parleurs, transformant subtilement et sensiblement des scènes quotidiennes banales. L'eau devient ainsi son objet d'observation approfondie et sa métaphore.

À partir des années 1980, il explore de nombreux thèmes religieux, tels que le Coran, le bouddhisme et le christianisme, présentés via de grandes projections cinématographiques aux effets sonores ultra-sensibles. Sous cette maîtrise technique, Viola écrit : « La technologie fait partie de ces clés (...) toute activité artistique est à la fois une méthode et un obstacle dans notre expression conceptuelle. Pour toutes les œuvres d'art, cette tension est extrêmement importante » (Note 1). Ainsi, A Portrait in Light and Heat (1979) montre le vaste désert de Salar d'Uyuni, formant des mirages sous les courants d'air chaud, évoquant un monde religieux hors du temps. Cette perspective singulière se retrouve aussi dans ses œuvres aquatiques de 1996. En 1983, Room for St John of The Cross reconstruit imaginairement les souffrances de Saint Jean de la Croix en prison durant l'Inquisition du XVIe siècle, tandis que des voix lisant des poèmes médiévaux résonnent avec sensibilité, créant une image envoûtante qui révèle l'espace-temps à vitesse lente.

En 1985, il propose Memory Theater, une œuvre novatrice. En 1987, Process est spécialement installée dans un espace étroit, invitant le public à approcher l'espace sensoriel de l'image. En 1988, The Sleep of Reason organise une mixture vibrante et fluide menant à une violence extrême. En 1989, The City of Man combine trois tableaux poétiques : paysages naturels lumineux, scènes de réunion intérieure et images de feu dévastateur, tissant ingénieusement un récit naturel montrant la relation entre la nature et l'homme moderne.

Dans les années 1990, les explorations de Viola deviennent plus rigoureuses, parfaites et spiritualisées. En 1991, The Stopping Mind est une installation construite autour de quatre grands écrans plats carrés, présentant en gros plan des paysages naturels (arbres et fleurs). Des formes rigoureuses et des couleurs riches, dans le rythme lent du vent agitant l'herbe, combinées à une sonorité électronique puissante, tendent vers une forme picturale abstraite. En 1992, l'œuvre sensible Triptych on Life and Death est composée de trois écrans plats : au centre, une figure nue flottant comme une âme dans l'eau ; à gauche, une femme enceinte et l'artiste lui-même ; à droite, la mère âgée de l'artiste mourante dans son lit. Ce triptyque illustre le rythme des étapes de la vie humaine (naissance, vieillissement, maladie, mort). Diffusées à vitesse lente, les images exceptionnelles et parfaites, accompagnées d'une musique contemplative sensible, appellent la conscience et les profondeurs de l'âme du spectateur. C'est une œuvre exceptionnelle rare chez Viola.

Continuant l'exploration poétique de la vie et de la mort en 1992, Heaven and Earth est une installation vidéo novatrice disposant deux écrans de télévision (sans caisson) face à face et verticalement collés. Il est difficile de voir clairement les images : celle du haut montre la mère mourante de l'artiste, celle du bas apparaît le fils venu du monde humain, créant un contraste émouvant illustrant la naissance et la mort, le renouveau et la désillusion, le ciel et la terre dans leur cycle incessant, invitant à la méditation sur la vie. Viola souligne souvent : « La vidéo ressemble à la musique ; elle surpasse l'écriture, la peinture et la photographie. Combiner image vidéo et musique revient au même ! Dans les deux cas, on attribue à l'événement un temps précis » (Note 2).

En 1994, Stations est une installation dans un espace enveloppé d'obscurité, avec cinq longs écrans plats diffusant chacun un personnage nu (tête en bas) plongeant dans l'eau. Les images flottantes suspendues dans l'espace sont magnifiquement reflétées sur des dalles de marbre noir placées sous chaque écran, créant un effet visuel double et envoûtant. Étirées à vitesse lente et accompagnées d'une musique douce et sensible, elles éveillent la réponse corporelle et mentale du spectateur. En 1996, The Messenger suit la même logique mais présente un homme nu émergeant lentement de l'eau plutôt que plongeant, avec une expression solennelle, les yeux fermés, entouré de bulles, accompagné d'un son ultrasonore exprimant la méditation sur la vie et l'intention. La même année, une autre œuvre majeure, The Crossing, projette simultanément sur deux immenses écrans séparés : d'un côté, un homme marche du noir vers le centre de l'écran, tandis qu'une étincelle s'enflamme à ses pieds, montant par les jambes, tout le corps jusqu'à la tête, jusqu'à ce qu'un brasier consume entièrement le corps... De l'autre côté, un autre homme voit tomber des gouttes d'eau sur sa tête, grossissant progressivement jusqu'à ce qu'une inondation submerge l'homme, disparaissant sous l'eau... Sous le rythme sonore naturel ultrasonore, cela illustre la relation mutuelle entre l'humanité et la nature, appelant l'homme au niveau spirituel.

En 2000, il retourne à l'exploration spirituelle chrétienne sensible, s'inspirant des peintures religieuses de la Renaissance italienne du XVe siècle, comme les Lamentations, saints ou résurrections du Christ touchantes de Giotto. Quintet of the Astonished met en scène la tragédie de cinq musiciens-devenus saints modernes. Grâce à des images, lumières, couleurs, compositions et formes supérieures, maîtrisant parfaitement le temps par un langage gestuel lent, et dans une musique électronique contemplative, elle éveille les sentiments intérieurs et l'âme, devenant une peinture dynamique. En 2001, Katharine narre, comme une série télévisée, la journée type de Katharine, de matin à soir, à travers cinq pièces théâtrales (cinq écrans).

En 2002, la série poétique Going Forth By Day commence avec The Voyage, situé au bord d'un lac aux montagnes, montrant à gauche la vie domestique et à droite un bateau prêt à appareiller, le tout dans une structure picturale classique. The Deluge présente des eaux jaillissant poétiquement comme une cascade depuis les fenêtres et portes d'un bâtiment blanc géométriquement symétrique, suscitant la rêverie. Fire Birth montre, dans la nuit brumeuse sur les rochers d'une plage pendant le sommeil des gens, une figure émergeant soudainement de la mer, semblable à une résurrection christique. Une autre œuvre The Deluge montre le même bâtiment blanc, portes et fenêtres closes, des personnes allant et venant sur le trottoir devant, le tout sur un rythme musical léger, très lyrique. Clairement, les œuvres de Viola se distinguent par des images exceptionnelles ; chaque plan ressemble à un tableau rigoureux, avec des couleurs et formes riches, des lumières envoûtantes, privilégiant le mouvement lent, soulignant la temporalité et la structure spatiale des œuvres, tendant vers l'enquête narrative et esthétique, combinée à une qualité sonore spirituelle, des rythmes électroniques forts ou doux, appelant les émotions intérieures du spectateur et offrant un festin visuel. L'artiste écrit : « Le cœur de mon travail est clairement le processus de découverte personnelle et l'acquisition de conscience ; la vidéo fait partie intégrante de mon corps : c'est l'intuition et l'inconscient » (Note 3). La spiritualité ne peut être notée par des mots ou du texte ; c'est une effusion, connue par l'observation, ressentie par l'expérience.

Note 1 : Arts et Nouvelles Technologies, par Florence de Méredieu, publié par Larousse, Paris, 2003, p. 8. Note 2 : Idem, p. 61. Note 3 : Idem, p. 147.