Exposition collective « Métamorphose » des jeunes artistes européens

L'espace d'exposition du sous-sol met l'accent sur la relation intime entre les personnages et l'espace ; les œuvres présentées dépeignent un humain dont l'identité fluctuante est intrinsèquement volatile dans un monde en transition, considéré comme le point fort de cette exposition.

Texte et images / Chen Chi-Hsiang Période : du 4 avril au 16 juin Lieu : Fondation Cartier La vitalité de l'avenir réside dans le présent.

Cette exposition « Métamorphose », fruit d'une préparation consciente et d'une intégration visionnaire de la nouvelle génération, fait son entrée avec une nouvelle énergie tournée vers l'avenir et reflète les courants artistiques européens contemporains.

Après une année entière de recherche, d'enquête et de visites auprès de plus de deux cents artistes dans vingt-neuf pays européens par l'équipe curatoriale d'art contemporain de la Fondation Cartier, seize artistes provenant de seize pays européens ont été sélectionnés pour participer à cet événement collectif à la Fondation Cartier à Paris.

Ces jeunes artistes de la même génération sont tous nés entre 1980 et 1994, appartenant à une génération marquée par les bouleversements intenses post-chute du mur de Berlin.

Les cartes géopolitiques et les valeurs mondiales se transforment rapidement, et la compression de l'espace-temps a donné naissance à un village planétaire globalisé. Ils abordent le monde avec optimisme et une passion pour une nouvelle perspective.

Ce qui attire particulièrement l'attention, c'est que ces artistes proviennent majoritairement des écoles d'arts européennes, un tiers étant des femmes.

Parmi elles, certaines sont nées hors d'Europe ou immigrées en Europe, comme la Syrienne Miryam Haddad et la Suédoise d'origine chinoise Lap-See Lam.

Par leur expression diversifiée — allant de la peinture traditionnelle à la sculpture, la mode, le design, l'image et la vidéo, jusqu'à l'art numérique — ils apportent une grande diversité et injectent une nouvelle énergie dans le milieu artistique européen, démontrant ensemble la dynamique exceptionnelle de la scène artistique européenne.

La plupart participent pour la première fois aux circuits institutionnels internationaux.

En général, ces artistes s'appuient sur leur ancrage local, leur héritage culturel et les courants artistiques contemporains comme base de création, traçant une voie artistique qui relie le passé et l'avenir, élargissant ainsi les horizons créatifs et l'espace d'imagination de la nouvelle génération.

Cette génération « inter » globale ne croit plus aveuglément à l'avant-garde ni ne se rattache à l'arrière-garde ; bien sûr, elle ouvre toutes les possibilités après la modernité, qu'il s'agisse de la préhistoire ou de l'après-modernité, du moderne ou du traditionnel, du passé ou de l'avenir, du courant dominant ou marginal, du global ou du local.

Il n'y a pas d'unique vérité ; tout est intériorisé selon leurs propres méthodes comme énergie créative, « métamorphosé » dans l'éclectisme et le mélange. Leurs œuvres expriment souvent une beauté fragmentée.

Curieux autant du passé que de l'avenir, également intéressés par le traditionnel et le moderne, ils transforment tout cela en base créative. Comme le dit le peintre belge Kasper Bosmans : « L'histoire est devenue pour moi un outil m'aident à prendre des décisions esthétiques ».

Dotés de techniques spécifiques, telles que le moulage, la céramique ou la broderie, les artistes peuvent recomposer des formes en collectant et transformant des matériaux. Imbibés de tradition, leurs œuvres montrent une sensibilité aiguë tant au passé qu'à l'avenir.

L'artiste français B. Graindorge déclare : « Être connecté aux processus contemporains via les anciennes techniques, réinterpréter les vieilles techniques, est la seule solution pour trouver le chemin futuriste de créer de nouveaux domaines ».

Nous observons dans la création de la nouvelle génération européenne les priorités suivantes : préserver et recycler les matériaux, réinterpréter l'héritage historique et culturel, reconsidérer la construction identitaire, et réévaluer la nature.

Les œuvres résultantes, lyriques, pures ou sauvages, témoignent d'un désir ardent d'hybridation identitaire, culturelle et expressive.

Avec poésie, fantaisie et humour, cette nouvelle génération de créateurs façonne le visage actuel et futur de l'Europe. (Note) L'espace d'exposition du premier étage témoigne d'un intérêt pour les questions d'architecture publique ou domestique ; les œuvres exposées entretiennent une relation intime avec le bâtiment du musée.

L'espace d'exposition du sous-sol met l'accent sur la relation intime entre les personnages et l'espace ; les œuvres présentées dépeignent un humain dont l'identité fluctuante est intrinsèquement volatile dans un monde en transition, considéré comme le point fort de cette exposition.

La dernière salle rassemble les artistes qui proposent un dialogue, spirituel ou provocateur, mettant particulièrement en lumière le monde non-humain et les figures animales. (Note) Les nouvelles étoiles de la scène artistique européenne façonnent une nouvelle image de la diversité européenne avec une énergie créatrice et une passion renouvelées, privilégiant l'artisanat sur le conceptuel.

Ils ont déjà trouvé leur voie créative et une esquisse de style, tendant vers la maturité.

Il est notable qu'ils possèdent tous un solide curriculum vitæ d'expositions institutionnelles dans les grands musées modernes et fondations des capitales occidentales, et la plupart sont gérés par des galeries professionnelles, ce qui montre leur professionnalisation avancée.

La Fondation Cartier donne ici un coup de pouce supplémentaire, semblant confirmer une nouvelle situation formée.

L'art nouveau européen, adapté aux temps, assume une nouvelle dynamique culturelle de transmission et d'innovation, accueillant les courants de pensée et nouvelles perspectives de leur génération.

Parmi les 16 pays et 21 artistes : trois Français, deux Britanniques (tous deux en peinture plane), deux Grecs, deux Suédois, ainsi qu'un Allemand, un Belge, un Danois, un Tchèque, un Néerlandais, un Italien, un Portugais, un Polonais, un Estonien, un Géorgien, un Russo-soviétique et un Syrien.

Où est l'Espagne ? Cette perspective curatoriale semble quelque peu discrète (les nouveaux médias comme l'art numérique interactif, les nouvelles technologies et la biotechnologie sont absents).

Cela ne peut illustrer que la vision de la Fondation Cartier ; peut-être n'est-ce que l'iceberg de la nouvelle génération artistique européenne, nécessitant notre observation continue. L'avenir laissera le temps en juger.

Ici, nous analysons l'image et les points de vue des artistes de la nouvelle génération classés par matériau et médium : Peinture plane de la nouvelle génération : La peinture de la nouvelle génération présente de fortes caractéristiques postmodernes, est majoritairement figurative (sauf une œuvre abstraite), et sa sensibilité et sa poésie penchent vers la littérarité et l'anecdote.

Le peintre britannique Charlie Billingam (né en 1984) a créé spécialement pour cette exposition une série où il emprunte et transforme des estampes et gravures britanniques du XVIIIe siècle, les re-cadre, les agrandit et les assemble pour en faire des peintures, installées sur un mur peint à la main par ses soins, créant une scène de vanité critique et moqueuse envers la haute société, éclairée par une référence au passé pour commenter le présent.

Le seul peintre abstrait, le Grec Alexandros Vasmoulakis (né en 1980), est passé du graffiti à une peinture abstraite puissante.

Il déclare : « Le graffiti et les fresques ont toujours été ma passion adolescente et celle de mes vingt années, transmettant mon amour pour les grandes surfaces ».

Il utilise diverses techniques (combinant peinture et collage ou objets) pour créer spécialement pour cette exposition une immense fresque, suspendant deux petites peintures déchirées et collées à l'intérieur, devenant une abstraction lyrique libérée de la déconstruction et de la construction instinctive et sensible.

Le peintre belge Kasper Bosmans (né en 1990) oriente sa peinture vers le vocabulaire du design et du motif, mêlant récits passés et contemporains.

Depuis 2013, il crée sa série légendaire la plus emblématique, combinant peinture et design, présentant sous forme de polyptyque divers problèmes sociaux aigus (identité, immigration, environnement et catastrophes nucléaires, etc.).

Passionné par le folklore local, les légendes, les anecdotes et les histoires historiques, il dit : « L'histoire est devenue pour moi un outil m'aident à prendre des décisions esthétiques ».

Quant au peintre britannique George Rouy (né en 1994), ses portraits mélangés sont très simplifiés et aplatis, remplis d'une sensualité flottante hors du temps, aux images ambiguës souvent incertaines, renforçant un caractère qui s'estompe progressivement, poétique et mystérieux.

Le peintre dit : « Si je ferme les yeux, que signifient l'amour, la haine, les larmes, la peur ou le désir ? ».

Le peintre danois Nagnus Andersen (né en 1987) centre sa création sur le thème de l'éducation, réfléchissant profondément aux problèmes éducatifs des adolescents dans la société, avec une nature narrative et didactique. Ici, il expose la série Éducation locale.

Dans ce contexte de mondialisation, d'urbanisation et d'industrialisation, il assume le rôle de gardien soignant un troupeau de porcs, dans une expression pleine de métaphores, expliquant les caractéristiques innées de certaines compétences infantiles et le rôle important de l'éducation.

La peintre syrienne Miryam Haddad (née en 1991) puise son inspiration dans les histoires et légendes locales, imaginant des personnages tels que des rois, des sorciers ou des épouvantails.

Sous une forme instinctive, avec des couleurs fortement sensibles et des coups de pinceau expressifs, elle présente des scènes grotesques et tragiques de la misère humaine.

L'artiste tchèque Klara Hosnedlova (née en 1990) s'est tournée tôt vers la broderie et le tissage, arts féminins traditionnels, remplaçant la peinture.

Ses portraits réalistes d'une maîtrise remarquable attirent l'attention, et elle combine souvent d'autres objets comme des ustensiles, des meubles, des vêtements, etc., à travers des installations architecturales spatiales, révélant des scènes dramatiques domestiques intimement féminines.

Sculpture, objets et installations spatiales : Les objets des jeunes artistes, par leur appropriation, transformation, assemblage, collage et construction particulièrement forts, deviennent dans l'ère post-consommation de production massive et de gaspillage massif des « post-producteurs », recréant et ressuscitant les objets reçus.

Comme le dit l'artiste néerlandaise Hendrickje Schimmel : « En tant que post-producteur, je choisis, modifie et assemble des matériaux, idées et concepts préexistants ». Quant à la sculpture, elle cherche à retrouver l'âme de la création entre tradition et modernité.

L'artiste néerlandaise Tenant of Culture (Hendrickje Schimmel) (née en 1990), en tant que post-producteur, adopte l'emprunt comme pratique quotidienne.

Elle récupère et approprie de vieux vêtements et chaussures usés, les combinant et construisant selon leurs propriétés matérielles et chromatiques : la série works and days est un assemblage de manteaux et sacs de même attribut, tandis que la série sample sale consiste à couper et assembler des vêtements pour former de nouveaux vêtements prêts-à-porter.

Une autre œuvre de la même série, composée de chaussures et d'objets, interroge : s'agit-il d'un « échantillon en vente » ou d'une « œuvre d'art » ?

Ces créations mêlant habillement expriment un survivalisme spectaculaire et un nostalgie pastorale, révélant les problèmes marketing derrière l'industrie de la mode.

L'artiste grec Kostas Lambridis (né en 1988), jouant le rôle de post-designer, réinterprète de manière frappante les « éléments de vitrine ».

Il récupère des parties de vitrines de même attribut, les assemble pour former un art décoratif magnifique de Florence, Italie, au XVIIIe siècle.

Sa décoration est extrêmement raffinée et riche en matériaux, pleine de texture et de couches, allant des feuilles d'or, cuivre et fer les plus précieux aux matériaux bruts comme le verre, le plastique, le béton et la pâte à papier, reproduisant ce qu'il considère comme le modèle parfait de la vanité sublime.

Une autre œuvre, Sofa Bed Elements, s'inspire du baroque méditerranéen, développant des prototypes de meubles selon la même logique.

L'artiste français Benjamin Graindorge (né en 1980) penche vers le design moderne, avec une création multiple située entre formes abstraites et reconnaissables.

Son design met l'accent sur le processus, confiant souvent la fabrication à des artisans et experts, qu'il s'agisse de techniques traditionnelles (céramique et verre) ou des technologies numériques 3D les plus avancées.

Comme il le dit : « Être connecté aux processus contemporains via les anciennes techniques, réinterpréter les vieilles techniques, est la seule solution pour trouver le chemin futuriste de créer de nouveaux domaines ».

Par exemple, la lampe edalight inspirée des structures naturelles, ou l'installation spatiale mirrormirage à trois grands miroirs, où les motifs nuageux délicats fusionnent avec les reflets de l'espace environnant.

L'équipe artistique italienne Formafantasma (Andrea Trimarchi (né en 1983) & Simone Farresin (né en 1980)) puise ses éléments créatifs dans les déchets électroniques actuels, valorisant le recyclage et la régénération des ressources terrestres limitées dans une conscience écologique.

Cette exploration aboutit à une série de bureaux et chaises de bureau ainsi que de produits électroniques (comme des fours micro-ondes testés, des boîtes de téléphone ou des fils d'or) combinés en bureaux et armoires de données, accompagnés d'une trilogie vidéo exprimant leur concept de déchets électroniques (Disassembling, Taxonomy, et le sujet d'animation 3D ore streams cubicle), loin des images habituellement associées au recyclage.

Les artistes disent : « Notre fascination pour les objets réside dans leur capacité à représenter l'histoire humaine, voire le futur possible ». L'artiste polonais Piotre Lakomy (né en 1983) explore la relation entre sculpture, corps humain, architecture et environnement.

Pour cette exposition, il présente un groupe de deux sculptures organiques de forme humaine, disposées en installation spatiale de type dialogue intérieur/extérieur séparées par du verre transparent, tentant de dialoguer avec l'intérieur et l'extérieur, l'environnement et le bâtiment.

Des œufs d'autruche symboliques ornent la sculpture ; qu'il s'agisse de forme architecturale fondamentale ou de sphère refuge de vie, on peut imaginer que « notre seule vraie maison est notre propre corps ».

L'artiste française Marion Verboom (née en 1983) développe des formes à travers l'histoire de la sculpture et de l'architecture, établissant une analogie substantielle entre les formes naturelles et la création humaine.

Pour cette exposition, la série Achronies assemble avec soin des matériaux (résine, plâtre, ciment, cuivre, etc.) et des couleurs, moulant des fragments de décoration architecturale des pyramides égyptiennes, des cathédrales gothiques et des temples incas.

Sous comparaison analogique, ils sont combinés et construits sous forme de cylindres, déconstruisant les traditions locales pour former un nouveau vocabulaire de l'histoire métropolitaine.

L'artiste estonienne Kris Lemsalu (née en 1985) réfléchit à l'état et à l'essence de l'existence à travers des installations sculpturales d'objets, des performances, des autoportraits et des photographies.

Habile à approprier et construire à partir d'objets reçus, elle place un vieux canot flottant sur une mer bleue de ballons.

Un demi-canot (deux rames enroulées de cordes et un tas de vieux vêtements et chaussures) repose contre une baie vitrée transparente, intentant d'élargir l'espace vers l'extérieur.

Le titre genty down the stream (Doucement descendant le courant) et la figure humanoïde portant des chaussures et jouant du guqin avant de dresser le canot face aux vagues — so lct us melt and make no nose (2017) — illustrent diverses situations de la vie.

L'artiste dit : « Mon travail récent ressemble davantage à chercher des signaux de fumée d'autres personnes en mer ».

Nika Kutateladze (née en 1989), artiste géorgienne ayant un background architectural, choisit de confronter la mémoire, transférant dans le temps et l'espace ses bâtiments domestiques en ruine de sa patrie, les reconstruisant et les installant dans cette exposition, adoptant des installations spatiales intérieures/extérieures.

En contraste avec le bâtiment moderne et l'espace de la Fondation Cartier, elle exprime une mémoire collective ethnique intime.

Elle ne se contente pas de détacher ces espaces de différentes réalités, mais les affronte matériellement, voyant aussi la transition en cours dans son pays et sa société.

Evgeny Antufliev (né en 1986), sculpteur russo-soviétique originaire d'un endroit isolé du sud de la Sibérie, voisin de la Mongolie, possède une maîtrise technique précise et excelle à maîtriser les matériaux traditionnels : bois, céramique, pierre, textiles, etc.

Ses œuvres instinctives et sensibles reflètent sa quête de l'éternité des formes primitives à travers les époques.

Selon les types récurrents d'objets tels que masques, pots en terre cuite, petites et grandes figures humaines, petits animaux, etc., il dégage une fraîcheur, pureté et authenticité, continuant à maintenir un dialogue formel avec l'héritage esthétique civilisé et les grandes figures du passé, sans préjugé temporel.

L'artiste dit : « Les civilisations anciennes me fascinent ; après leur disparition, la culture est devenue un cristal brillant et parfait ».

L'artiste allemande Raphaela Vogel (née en 1988) réalise des installations spatiales de combinaisons multiples, mêlant souvent sculpture, vidéo, son et objets trouvés. Ses domaines de réflexion inspirants proviennent de la théorie féministe, de la mythologie et du symbolisme.

Pour cette exposition, elle présente des peintures sur cuir et des séries combinant objets, comme Heart flies into pants -2 où des lignes sensibles et des traces de texture picturale apparaissent sur le cuir, et jessica ajoutant une queue semblable à une peau de serpent dépouillée à la peinture sur cuir, pleine de magie, de violence latente et d'espace imaginaire.

Une installation monumentale extraordinaire In festen handen -3 (Mains fermes -3) reproduit deux lions déconstruits en contours graphiques semblables à deux serpents enlacés.

On peut y entendre une musique légère disant « We are still alive », explorant les dynamiques opposées de force et de fragilité, dépendance et indépendance, courage et désespoir.

Vidéo et vidéo numérique : L'artiste chinoise d'origine suédoise Lap-See Lam (née en 1990) fonde son exploration sur l'histoire des Chinois de l'étranger pour examiner l'ambiguïté de la construction identitaire et culturelle et la quête des racines.

Dans Mother's Tongue (2018), une vidéo d'animation virtuelle narrative, elle décrit l'identité construite par les Chinois de l'étranger à partir de la langue maternelle de leur mère.

À travers les scènes d'un restaurant chinois à Stockholm et les témoignages successifs de trois femmes chinoises (sur trois générations) concernant les frictions culturelles, la famille, la société et les nouvelles technologies, elle dépeint les destins fastueux et déclinants des Chinois de l'étranger face aux changements technologiques de l'époque.

Cette œuvre prouve davantage la réalité culturelle du phénomène migratoire, ainsi que la reconstruction identitaire et la mutation qui se produisent avec le temps. L'artiste dit : « Mon travail porte sur la mémoire, l'identité, le collectif, la langue et l'assimilation ».

L'artiste Jonathan Vinel (né en 1988) puise son inspiration dans le monde virtuel préféré des jeunes d'aujourd'hui, les jeux vidéo. Le Martin qui pleure (2017) s'inspire de Grand Theft Auto.

Il raconte comment les amis proches de Martin, un personnage robuste, disparaissent soudainement.

Oscillant entre colère adolescente et romantisme exacerbé, Martin veut savoir ce qui se passe et cherche désespérément dans les coins de la ville, dérivant petit à petit vers la folie, jusqu'à une destruction catastrophique.

L'artiste dit : « Les jeux vidéo m'ont donné le goût de la dérive ».

L'artiste portugais Gabriel Abrantes (né en 1984) réalise des films souvent intelligents et humoristiques rappelant des figures importantes de la culture européenne comme Manet ou Shakespeare, explorant particulièrement les questions de genre et d'identité.

Ici, il reconstruit l'origine de l'œuvre marquante du sculpteur roumain Brancusi, Une brève histoire de la princesse X (2016). Cette statue abstraite de princesse est très sexuelle (avec une imagination phallique).

Cette princesse est la nièce de Napoléon, pionnière de la psychanalyse française, portrait de la princesse Marie Bonaparte, reflétant la nature de la création artistique et la relation de domination entre les sexes.

L'artiste dit : « Je suis particulièrement intéressé par l'anthropologie de l'humour et par l'humour et la satire en tant que forme de protestation politique ».

L'artiste suédois John Skoog (né en 1985) s'intéresse aux communautés humaines et aux territoires, à travers des expériences collectives et personnelles et des projections poétiques ou rituelles. Portrait de federsee (2013) documente le village de Bad Buchau dans la Forêt-Noire du sud de l'Allemagne, célébrant la fête populaire fasnet de bienvenue au printemps et d'hommage à la terre et au ciel par des rituels traditionnels, chassant les démons de l'hiver pour accueillir le printemps imminent.

Lors de cet événement, les habitants se transforment en figures animales et végétales primitives, chassant les démons sous une forme métaphysique, accueillant le réveil de la terre.

L'artiste dit : « J'essaie de comprendre le monde à travers le cinéma et les images, les miennes et celles des autres ».

Cet article fait référence au communiqué de presse de l'exposition collective « Métamorphose » des jeunes artistes européens et inclut les descriptions par les artistes eux-mêmes de leurs œuvres.