Ronald Bladen 1965 Three elements

Ronald Bladen 1971 Cathedral Evening

Karen Kilimnik 1992 Swan Lake

Rebecca Warren Œuvre

Préface : L'exposition spéciale « La troisième mémoire » se tient au Palais de Tokyo, centre d'art contemporain à Paris, du 27 septembre jusqu'au 3 janvier 2008. Cette exposition est la plus singulière depuis l'ouverture du Palais de Tokyo, se positionnant en marge des courants dominants de l'art actuel, ce qui la rend particulièrement fraîche et ingénieuse. Sous la sage vision artistique du directeur Marc-Olivier Wahler, où l'artiste devient le noyau central de l'exposition (contrairement à de nombreuses expositions spéciales actuelles qui tournent autour de la ligne de pensée du commissaire, les œuvres devenant des outils pour illustrer des idées), l'artiste suisse résidant à New York, Ugo Rondinone, a été invité à concevoir cette exposition. Elle présente une cartographie de l'art actuel menée par les artistes, montrant clairement les volontés, préoccupations et concepts artistiques du commissaire. Cette exposition, organisée par un artiste, est d'abord abordée sous l'angle d'un processus créatif et d'une attestation esthétique jamais vus auparavant. Elle apporte bien sûr une vision extraordinaire, éclairant non seulement notre réalité et notre vie quotidienne, mais aussi, de manière égale, la création des artistes de sa génération.

Concept curatorial : Cette extraordinaire « troisième mémoire », dont le thème lui-même recèle un mystère insondable, prend pour mémoire la troisième personne, « l'autre », semblant métaphoriser une mémoire non pas personnelle mais universelle, au sein de la conscience, de l'inconscient et du subconscient humains. Le commissaire Ugo Rondinone compare cette troisième mémoire à la métaphore d'un insecte appelé « Youpketcha », dont les pattes, par manque d'usage, se sont atrophiées, et qui survit en consommant ses propres excréments : sa méthode de subsistance est rendue possible par un métabolisme très lent, permettant à ses nutriments de se mycélier dans les excréments au fil du temps. Le « Youpketcha » utilise ses antennes spéciales pour se déplacer en rotation inverse. Ainsi, il continue cycliquement à excréter et à se nourrir. Le commissaire utilise la métaphore du « Youpketcha » pour refléter une forme primitive de dilemme existentiel, et compare cette situation à la nôtre, humains : constamment pris dans un enchevêtrement entre haine et souffrance. La part d'anxiété et d'inquiétude pesant en nous, quoi que nous fassions pour la déplacer, tourne dans ce système d'évolution cyclique. Bien sûr, l'essentiel et le plus efficace est d'atteindre un véritable équilibre intérieur.

Ugo Rondinone n'explique pas directement l'exposition, utilisant le « Youpketcha » pour exprimer cette métaphore indicible. L'exposition elle-même est bien sûr la meilleure explication, à travers le langage, l'image, l'espace et le silence, surtout que son archétype est le plus riche en métaphores. Les volumes implicites, les métaphores inhérentes et les significations extraordinaires amènent une déduction intentionnelle et atteignent une véritable sensation. La métaphore veut dire que toute simplicité et plénitude avec une émotion profonde l'emportent sur le débat et la logique.

Comme dans un rêve fantastique, la métaphore exige la concision, la libre composition et la résonance commune. Elle cherche le sens au plus profond du champ de la composition, de manière théâtrale, dans l'intimité spirituelle. « La troisième mémoire » nous permet de dépasser le champ des sciences humaines, par des voies de transformation et d'emprunt, pour approcher un espace extraordinaire capable d'abriter la nuit profonde, où, dans une sorte de solitude regroupant toutes choses, chaque voix peut devenir notre écho. Dans cet espace-temps, chaque artiste peut représenter toute l'humanité. L'image ou le texte trouve ou ne trouve pas son véritable écho : ces dilemmes similaires et les harmonies trouvées ou non trouvées n'auront plus d'importance. (Note 1)

L'exposition « La troisième mémoire » rassemble principalement des artistes de la côte est et ouest des États-Unis et des artistes suisses (on n'y voit pas d'artistes français). Elle réunit 32 artistes de trois générations, ancienne, moyenne et jeune, dont Andy Warhol est le plus célèbre. Une diversité de médiums est présentée via la peinture, la sculpture, l'objet, l'image, la vidéo, le collage et l'installation. Visiblement, cette exposition thématique n'a pas d'axe principal, tout comme le commissaire Ugo Rondinone remplit sa fonction et trouve ou ne trouve pas de résonance dans cette approche multidirectionnelle, ce qui la rend plus vivante et variée, prouvant davantage que l'art actuel, anormal et inhabituel, est dans un état de floraison sans précédent, amenant bien sûr les gens à profondément remettre en question les symptômes de schizophrénie quotidienne de l'art contemporain.

Un monde florissant : Dès l'entrée, on est immédiatement attiré par les peintures textuelles denses de Josh Smith (né en 1976), cette série utilisant le nom de l'artiste comme thème d'écriture répétitive, ouvrant une voie picturale possible dans la fluidité, l'humour, la touche, l'informulable unique et l'auto-contradiction. De l'autre côté, l'installation photographique de scènes de garage souterrain et de voiture de la jeune artiste britannique Sarah Lucas (née en 1962), avec une voiture blanche aux vitres de portière complètement brisées, fait de la violence son noyau, suggérant la fragilité du corps humain (ou féminin), dénonçant les relations entre hommes et femmes et la discrimination de genre. La grande star du pop art Andy Warhol (1928-1987) présente ses œuvres vidéo de la série Screen tests créées entre 1964-66, une enquête expérimentale où il filmait ses amis pendant trois minutes, diffusée en boucle sur une dizaine de téléviseurs. Sur le mur, les photos novatrices de Bruce Conner (né en 1933) présentent une image de transformation qualitative de la lumière à travers une personne derrière un écran, exprimant un phénomène physique métaphorique. Ensuite, une petite salle expose les œuvres de deux artistes d'avant-garde oubliés, Brion Gysin (1914-1986) (peintre, poète sonore, célèbre inventeur de la Dream Machine) et William S. Burroughs (1914-1997), qui, dans l'esprit pionnier du dadaïsme, ont développé à la fin des années 50 la technique du cut-up, déconstruisant les tendances textuelles systématiques et standardisées via le collage de mots, phrases et images, déplaçant les frontières de la réalité et préservant une raison hésitante. Le thème « La troisième mémoire » provient du titre de leur œuvre commune de 1965.

Ensuite, Valentin Carron (né en 1977), artiste de la nouvelle génération suisse, explore spécifiquement la culture des fermes suisses et sa symbolique, via l'image et l'objet, présentant ici deux grandes croix en bois, composant anormalement le langage religieux et des signes abstraits minimalistes. Jay DeFeo (1929-1989) explore le poids et le volume, la nature et la force, présentés dans deux peintures abstraites très puissantes en gris et noir aux angles coupés et formes semi-circulaires. Le plus dramatique est l'installation spatiale de néons blancs au plafond de Martin Boyce (né en 1967), en forme de grande toile d'araignée, invitant le spectateur à voyager dans ce paysage imaginaire. Une autre salle attire l'attention avec les sculptures rugueuses et pleines de matérialité de Hans Josephsohn (né en 1920), dans des poses allongées de modèles féminins entre figuration et abstraction, montrant puissamment une matérialité substantielle. Les murs sont couverts des œuvres remarquables en relief tridimensionnel de Lee Bontecou (née en 1931), mêlant idées figuratives, formes organiques et mécaniques, dans un monde non naturel et imaginaire, plein de mystère et d'une certaine inquiétude.

Jean Frederic Schnyder (né en 1945), peintre suisse, se réfère à l'histoire de l'art et à l'art populaire, construisant son beau nouveau monde avec un humour facétieux. Ici est présentée une grande série de dessins « Salle d'attente de gare », suspendant la temporalité dans une structure rigoureuse et vidant toute existence. Remarquable est l'installation environnementale d'objets « Madame Fischer » de Urs Fischer (né en 1973) : l'artiste suisse a reconstruit de manière dramatique son atelier lors de son séjour à Londres en 2000 (tables, chaises, œuvres, cloisons, divers objets, etc.), transformant la vie en art dans un processus de création avec des ready-made. Andrew Lord (né en 1950) expose une série de pots de forme sculpturale, en plâtre peint à la cire d'abeille imitant la céramique, sous une forme puissante et une matérialité considérable. En entrant dans une autre salle, on est immédiatement attiré par les objets ordinaires de la vie quotidienne de Robert Gober (né en 1954), renversant le célèbre urinoir de Duchamp, présentant ici deux lavabos en variation, devenant des objets et sculptures provocants. Sur le mur, deux immenses dessins de Toba Khedoori (née en 1964) transforment des éléments architecturaux, urbains ou d'objets quotidiens, esquissés légèrement comme des plans d'architecture de base ou des cubes géométriques, atteignant la perfection avec une délicatesse prudente dans une veine minimaliste. Au centre de la salle, Laurie Parsons (née en 1959), dans l'action et l'attitude, présente un tas d'objets faits de vieilles planches, cordes et poussières d'ordures, qui sont les souvenirs des promenades quotidiennes de l'artiste. Dans la salle intérieure, Emma Kunz (1892-1963) occupe une place particulière dans l'histoire de l'art, ses œuvres étant considérées comme un style décoratif à variations symétriques, la forme servant le rythme, la symétrie, la symbolique et principalement la métaphore. Paul Thek (1933-1988), minimaliste ou artiste conceptuel, précurseur de l'installation des années 70, travaille autour de l'espace et de la matière, enfermant souvent des objets dans des boîtes géométriques rectangulaires en plastique jaune, qui, sous le symbolisme et la métaphore, ressemblent à des monuments de mémoire personnelle.

Dans la grande salle d'exposition, les plus remarquables sont les sculptures de forme monumentale de Ronald Bladen (1918-1988), considéré avec Tony Smith comme un fondateur de l'art minimal, établissant l'espace dans des formes géométriques archétypales. Ici est présentée l'œuvre spectaculaire « The Cathedral Evening » (1971), dans une immense forme triangulaire, dont la structure ouverte en forme de porte accueille les visiteurs qui peuvent y circuler. Il y a aussi l'œuvre « The Elements » (1965), un unique triangle incliné archétypal, pleine de rythme et un peu instable, assez dramatique comme sur le point de s'effondrer. Sur le mur, l'œuvre de Cady Noland (née en 1956) ressemble à une anthropologie de la société américaine, toujours dans l'aspect de la violence extrême de la réalité. Son art n'énonce pas de critères moraux, mais décrit cette violence sociale via la rhétorique des images médiatisées. Sont exposées ici « Oozewald » (1989) et « Untitled » (1994), concernant des événements de violence politique célèbres aux États-Unis. Nancy Grossman (née en 1940) se concentre sur le collage, la sculpture et les dioramas, toute sa création tournant autour du sexe et de la violence corporels. Ici est présentée sa série la plus célèbre et fascinante, les « Têtes », habillant toutes les têtes d'hommes de cuir noir dissimulateur, comme un masque et un outil corporel, ne laissant paraître qu'un nez haut et des yeux perçants, le corps fragmenté, montrant fortement la brutalité et l'agressivité humaines, pleine de métaphores sur la violence latente dans la société actuelle.

Ensuite, dans une autre grande salle, les visiteurs sont accueillis par les sculptures dramatiquement gigantesques de Bruno Gironcoli (né en 1936), dans un monde imaginaire extraordinairement organique et mécanique, naturel et artificiel, ancien et moderne, synthétisé sous une image mystérieuse et impossible en argent et gris, pleine d'allusions et d'explorations symboliques liées à l'« érotisme ». Sur le mur, les séries de peintures de Sue Williams (née en 1954) tournent autour du corps humain, plus précisément de l'« érotisme » dans les relations hommes-femmes et le féminisme dans la société actuelle, les œuvres étant assez érotiques et ironiques, cachant une violence et une colère intime. Dans la dernière salle d'exposition, ce qui attire l'attention est la série de statues de femmes laides, rugueuses, comiques et provocantes de Rebecca Warren (née en 1965), construisant, sous une imagination absurde et masculine, cette déesse actuelle prolifique, ou célébrant également la sexualité féminine sous cette image de monstruosité. Sur le mur, les séries de peintures de Vija Celmins (née en 1938) issues de la culture populaire et des mythes de la Genèse, créent un monde enfantin et fantaisiste, particulièrement le mouvement des planètes cosmiques, comme le lundi jour de la Lune, le mardi jour de Mars, etc., combinant les figures divines grecques et romaines pour construire son monde imaginaire et son ambiance poétique. À côté, Vija Celmins (1938) présente des planètes cosmiques, galaxies, comètes lointaines, montrant cette imagination infinie dans une abstraction poétique. Dans un autre coin, l'installation de scène très poétique « Le Lac des cygnes » de Karen Kilimnik (née en 1955), une œuvre fascinante mêlant souvent contes de fées et stars contemporaines, interprète parfaitement l'idéal de Tchaïkovski avec des décors peints, des objets et une installation lumineuse.

Conclusion : L'exposition « La troisième mémoire » se positionne en marge des courants dominants de l'art actuel, car elle ne prend pas pour sujet principal les artistes du courant dominant ; ce qui est frappant est que la conscience non conventionnelle au sein du mainstream offre des explorations plus nombreuses et passionnantes, souvent délibérément ignorées ou non reconnues dans les grandes expositions internationales ou les expositions mainstream. Ici, pour la première fois, elle corrige cette tyrannie du mainstream et propose que le mainstream n'est pas si dominant, tentant de prouver l'impasse obsessionnelle et fermée du système de l'art contemporain international, car l'art actuel est bien plus diversifié et riche que nous ne l'imaginons. La grande star de cette exposition, Andy Warhol, n'est pas la pièce maîtresse, mais son rôle pionnier dans l'exploration vidéo est affirmé ; cette série, bien que datée, reste très actuelle. Elle réaffirme également la position d'artistes négligés par l'histoire de l'art mainstream, comme le pionnier de l'art minimal Ronald Bladen, ou Brion Gysin, William S. Burroughs, Paul Thek et Emma Kunz, dont la signification et la valeur historiques indéfinissables sont reconnues. Elle propose des possibilités pour la peinture actuelle, poussée dans ses retranchements, ou d'autres points de vue. Non seulement elle affirme l'exploration de nouveaux médiums, mais elle offre aussi une vision plus large des matériaux sculpturaux traditionnels, prouvant ou encourageant à nouveau la diversité et la valeur des œuvres en marge du mainstream (conscience non conventionnelle). Enfin, elle tente de briser la tyrannie du système artistique et d'élargir son champ. Le plus regrettable est le champ trop restreint des artistes invités, mais la portée et le concept d'une telle exposition méritent d'être étudiés et applaudis, ouvrant non seulement la voie à de nouvelles expositions futures mais suggérant toutes les possibilités de nouveaux points de vue.

Note biographique du commissaire : Ugo Rondinone (né en 1964), est un artiste suisse résidant à New York, l'un des plus représentatifs de la scène artistique actuelle. Son œuvre globale est construite sur les relations paradoxales anormales du monde actuel et les effets psychologiques et psychanalytiques extraordinaires, mêlant des couleurs vives et une humeur mélancolique, une narrativité abstraite et légère, sur un fond pop et légèrement cynique, présentée via la peinture, la photo, la sculpture, l'objet, le dessin, l'écriture et l'installation, évoluant dans un monde complexe minimaliste, facétieux, poétique et anormal, transcendant tous les genres artistiques.

Note : Ce texte est tiré du dossier de presse de l'exposition.