Les œuvres éclatantes de la vie de Picasso

Période bleue, Autoportrait, 80x60 cm, 1901, huile sur toile, Musée Picasso Paris. « Je n'imitais pas la nature, je la créais. » De nos jours, aucun artiste n'est plus célèbre ni plus représentatif que Picasso (1881-1973). Dans l'art moderne du XXe siècle, il fut un réformateur ; ses œuvres à l'imagination riche méprisaient souvent la « beauté » dans une contradiction, révélant l'évolution de son génie : du réalisme à la période bleue, puis rose, cubiste, analytique, néoclassique, surréaliste+cubiste, éclectique, maniériste et baroque.

Picasso est un génie rare dans l'histoire de l'art moderne. Tout concept, filtré par son esprit aigu, devenait un nouveau style ; tout matériau, entre ses mains habiles, se transformait en art. Son œuvre est multiple, multifacette et polymorphe, ce qui fait de lui peintre, dessinateur, sculpteur, graveur et illustrateur.

Naturellement romantique et innocent, grand amant libre des conventions morales, chaque phase artistique de sa vie fut liée à l'amour. Comme un toréador, s'il n'y avait pas eu de combat, chaque relation (accompagnée d'un déménagement) a engendré un nouveau visage pictural, une première dans l'histoire de l'art.

Période bleue : Fils d'un professeur de dessin, Picasso devint l'artiste le plus célèbre du XXe siècle. Arrivé à Paris en 1900, influencé tôt par les peintres de Montmartre (notamment Toulouse-Lautrec), il peignit cafés et cabarets dans des tons bleus mélancoliques. Il expliqua : « C'est la mort de Casagemas qui m'a poussé à peindre en bleu. Sombre, triste, mystérieux et sentimental... » Ce fut la période bleue (1901-1904), marquée par Autoportrait (1901), La Vie (1903), Celestine (1903) et Femme aux lèvres cerises (1904).

Période rose : À partir de 1904, installé au Bateau-Lavoir à Montmartre, lieu de rencontre avec poètes et écrivains, il adopta de nouvelles idées. Nourri par l'amour de sa première femme, Olga, ses toiles s'apaisèrent sous des tons roses lumineux et joyeux (1905-1907). Œuvres majeures : Les Discuteurs (1905), La Famille de saltimbanques (1906), Le Bain (1906) et Les Deux Frères (1906).

Cubisme : Appel par l'art primitif et influence rationaliste de Cézanne conduisirent à simplifier les formes, comme dans Autoportrait (1906). Les espaces furent envahis par des géométries linéaires. En 1907, Les Demoiselles d'Avignon inaugura le « cubisme », brisant l'illusion renaissante pour l'autonomie picturale. Suivirent Deux personnages sous un arbre (1907), Mère et enfant (1907) et Nu et personnage (1907).

Cubisme analytique : Mûrissant par l'expérience, Picasso privilégia la reconstruction rationnelle rigoureuse. La couleur devint accessoire, dominée par gris, noir et brun, vers une abstraction audacieuse. Thèmes favoris : natures mortes avec guitares et violons. Œuvres : Homme jouant de la mandoline et Homme jouant de la guitare (1911), sculpture semi-relief Guitare (1912), Violon (1915).

Naissance du collage : Craignant la crise purement conceptuelle du cubisme analytique, Picasso introduisit des objets concrets dès 1912. Le collage libéra la peinture de sa sécheresse, renforça les surfaces colorées et renouvela le cubisme (Nature morte à la chaise cannée, 1912). Après 1913, couleurs riches revinrent, passant du linéaire au planar. Œuvres : Violon et partition (1912), Guitare (1913), L'Homme à la pipe (1914).

Néoclassicisme : Pendant la Première Guerre mondiale, après la mort de sa seconde épouse Eva (tuberculose), invité par Apollinaire, Picasso partit à Rome en 1917. Immergé dans l'Antiquité gréco-romaine, il conçut décors et costumes pour Parade (Ballets Russes), y rencontrant la danseuse Olga Khoklova (future troisième épouse). De retour à Paris et marié, le bonheur insuffla une nouvelle énergie. Revenant à la solidité classique, Olga sur un fauteuil (1917) ouvrit cette période. Œuvres : Femme assise (1920), Personne lisant une lettre (1921), Trois femmes à la source (1921), Jeune homme à la flûte (1923).

En 1921, Olga donna naissance à Paul. La période néoclassique s'acheva avec Paul en costume d'arlequin (1924).

Surréalisme + Cubisme : En 1924, alors que Breton publiait le manifeste surréaliste, Olga tomba malade. Le bonheur disparut, laissant place à une violence latente, des corps déformés et des couleurs provocantes, reflétant l'anxiété de cette période (1924-1926). Œuvres : Le Baiser (1925), Le Peintre et son modèle (1926).

Eclectisme : L'expressionnisme violent fut apaisé par un amour innocent et romantique. En 1927, Picasso rencontra Marie-Thérèse Walter (17 ans contre 46 ans). Cette satisfaction intérieure mena à l'éclectisme, où formes et couleurs semblaient animées d'une âme métaphysique. Négligeant Olga, il partit avec Marie-Thérèse sur la Côte d'Azur. Œuvres légères et déformées : Baigneuses (1931) et figures de plage. Au studio de Bosjoli, il expérimenta la sculpture tridimensionnelle : Femme debout ou assise (1930), Baigneuse (1931), Tête de femme (1931), incarnations de Marie.

Dans les années 30, trois thèmes dominèrent : Crucifixion, Corrida et Minotaure. En 1932, sa première rétrospective eut lieu ; en 1933, série de gravures. En 1935, rupture totale avec Olga (« la période la plus misérable de ma vie »). En fin d'année, Marie-Thérèse mit au monde Maya, mettant fin à leur liaison.

Guernica et Seconde Guerre mondiale : En 1936, fréquentant des poètes surréalistes, Picasso rencontra Dora Maar (cinquième épouse). Sa naïveté romantique persista. Face au drame de la guerre civile espagnole, il produisit Guernica (1937), arme de résistance : « La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements, c'est une arme d'attaque et de défense. » Sous l'effet de l'amour, il peignit portraits sensuels et colorés : Maîtresse, Amante, Fille aimée, Marie-Thérèse coiffée (1937), Portrait de Dora (1937), Maya tenant une poupée (1937).

Avec la série Femme assise (1937-1944), laide mais fascinante, aux membres tordus présageant la tragédie humaine, l'ombre de la guerre plana. Chat mangeant un oiseau (1939) et Femme qui pleure (1938) reflétaient cette violence. En 1939, le MoMA organisa une grande rétrospective. Peu après, la guerre éclata ; humaniste, Picasso adhéra au Parti communiste français.

Maniérisme : En 1945, présenté par Max Jacob, Picasso rencontra Françoise Gilot (sixième épouse). « Vous êtes la seule femme que je n'ai pas touchée, vous êtes ma fenêtre. » En 1946, ils quittèrent Paris pour la Côte d'Azur, découvrant la céramique grâce à Suzanne et Georges Ramié. Françoise donna naissance à Claude (1947) puis Paloma (1949), sujets vivants de ses créations.

Après-guerre, il se consacra à la sculpture tridimensionnelle, transformant le banal en merveilleux : Mouton (1950), Femme enceinte (1950-1959), Petite fille à la corde à sauter (1950), Singe et son petit (1951). Pour célébrer la liberté retrouvée, il peignit Colombe (1949).

Ayant vécu deux guerres mondiales et la guerre froide, il déclara : « Je ne peins pas la guerre... mais indéniablement, elle existe dans mes œuvres... un historien pourrait prouver que ma peinture a changé sous l'influence de la guerre. » Après Guernica, par humanisme, il dénonça les tragédies de la guerre dans Massacre en Corée (1951), inspiré par Goya. En 1952, il réalisa les fresques Guerre et Paix pour l'église de Vallauris.

Fin de l'art – Baroque : Vieux mais vigoureux, Picasso trouva un nouvel amour. Lorsque Gilot quitta par la porte principale, Jacqueline Roque (belle méditerranéenne aux yeux clairs) apparut par l'arrière. L'art de Picasso s'acheva dans le style baroque.

Tardivement, il interpréta en série des chefs-d'œuvre : Les Femmes d'Alger de Delacroix (dès 1955), puis Déjeuner sur l'herbe de Manet. Gravures sur Corrida et Idylle. En 1966, pour ses 85 ans, l'État français organisa une rétrospective au Grand et Petit Palais attirant 800 000 visiteurs, témoignant de sa brillance. Picasso s'éteignit en 1973, laissant anecdotes et œuvres multicolores. (Cet article publié dans Taiwan Artist Magazine n°403, décembre 2008, spécial Exposition mondiale Picasso.)