Paris Palais de Tokyo – « D’une révolution à l’autre »

Adrian Street, célèbre lutteur britannique, en photo avec son père absentéiste. 1973. Photo par Dennis Hutchinson. Image issue du communiqué de presse de l’exposition.

Préface : « D’une révolution à l’autre » : exposée du 29 septembre 2008 au 18 janvier 2009 au Palais de Tokyo à Paris. La révolution signifie un changement de régime, le renversement forcé d’un système politique, plus précisément une transformation majeure des systèmes sociaux, économiques ou culturels. L’histoire de la civilisation a connu plusieurs révolutions majeures ; la Révolution française ou la Révolution soviétique, qui ont renversé les anciens régimes par la force, sont des révolutions sociales et politiques dont l’impact global est considérable. Depuis le XVIIIe siècle, la révolution industrielle, passant par la révolution technologique à la révolution industrielle proprement dite, a bouleversé la modernité occidentale, transformant radicalement la société mondiale et l’histoire humaine, introduisant la civilisation occidentale dans un nouveau système sans précédent et une vision progressiste de la modernité hors norme. L’industrialisation, l’urbanisation, l’informatisation, la libéralisation et la démocratisation ont engendré le capitalisme occidental ; avec l’évolution de la société industrielle sont apparus naturellement les rapports ouvriers-patronaux, les syndicats, la classe ouvrière urbaine, ainsi que le socialisme. Cette pensée pluraliste a façonné une nouvelle vague de pensée révolutionnaire, sans précédent mais non sans postérité.

La révolution industrielle a débuté en Grande-Bretagne, avec la première révolution technologique de 1820 marquant l’entrée dans l’ère de la vapeur. La construction des premiers bateaux à vapeur et de la première ligne de chemin de fer (1821) a introduit l’artisanat dans une ère industrielle moderne, bouleversant les conditions de production et de vie humaines du XIXe siècle, rompant avec l’ensemble du système et de l’ordre social passés. Elle a continué à innover toutes les technologies, déclenchant une deuxième révolution technologique (électricité, pétrole, moteurs). L’Empire britannique, grand pays industriel et commercial en plein essor, est devenu le modèle du développement industriel européen. Dès 1848, toute l’Europe a été embrasée par la propagation de la modernité.

Dans ce contexte européen bouillonnant de libéralisme et de démocratisation continue, au sein d’une société britannique prospère, est née une nouvelle culture dynamique : le rock. À travers la musique électronique soviétique, l’apparition du rock français, les bannières syndicales d’Ed Hall et les univers virtuels personnels de William Scott, l’exposition « D’une révolution à l’autre » s’inscrit entre la révolution industrielle et la révolution rock. Elle tente d’étendre le domaine de l’art contemporain tout en questionnant les relations possibles entre les révolutions industrielle et culturelle. Cet exhibition atypique, difficile à classer (composée de nombreuses photographies, documents, objets, peintures et sculptures), est curaté par Jeremy Deller, artiste britannique en vue. Parfois, il cherche à éviter la définition stricte de l’artiste ; les objets exposés ne sont pas toujours des œuvres d’art au sens traditionnel. L’exposition mélange mémoire collective et personnelle, se situant à la frontière de l’art contemporain, de l’anthropologie et de l’histoire.

1999-2005 Folk Archive : Le Folk Archive est composé des Britanniques Jeremy Deller et Alan Kane. Il explore les liens entre arts plastiques et anthropologie, proposant une vision alternative de la culture britannique, oscillant entre preuve et vénération. Ils y présentent six ans de collecte massive d’archives sur les rituels et événements populaires, incluant photographies, objets folkloriques (sculptures, vidéos), etc., présentés de manière thématique pour prouver le folklore de la société contemporaine : un éléphant mécanique en cuir Snowdrop tenant un parapluie, un sans-abri, un casque de moto en forme de crâne, un épouvantail inspiré du costume du Burry Man offrant un espace imaginaire, tandis que la vidéo montre cet épouvantail participant à des défiles populaires ; une série de petites statues de clowns peints, un bouquet de fleurs en forme de cigarettes en hommage à Marie Ellis, un slip de lutte rouge vif, des vidéos humoristiques de concours de grimaces jusqu’à des courses de haies de feu, etc. Tout cela témoigne de formes dramatiques larges issues de traditions ancestrales transmises de génération en génération, préservées sous cette adaptation moderne. Cette création enracinée dans les traditions devient aujourd’hui unique en son genre au Royaume-Uni, répondant au mode de vie individualiste des Britanniques contemporains.

1986-2008 Ed Hall « Bannières de manifestation » : Ed Hall est architecte au service de la construction du conseil municipal de Lambeth à Londres, puis secrétaire syndical général. Les syndicats défendent clairement les avantages et droits des travailleurs et employés. À partir de 1980, lors du changement politique majeur sous Margaret Thatcher (« Iron Lady »), Hall participe aux combats sociaux et commence à créer ces bannières manifestant la contestation. Devenues uniques, ces bannières constituent un art sous forme de combat social. Dix-huit bannières, créées pendant douze ans pour divers groupes locaux, travailleurs, syndicats, groupes politiques, victimes d’erreurs judiciaires policières, sont suspendues ici, servant de commémoration ou de protestation, souvent placées devant les cortèges ou au centre des manifestations. Ces bannières variées portent un message clair de participation et témoignent de moments spécifiques : « Contre le racisme, contre le nazisme, noir et blanc unis », « Les poètes prient pour la paix », « Justice pour les Palestiniens par les Juifs », « Croisière contre le réchauffement climatique », « Solidarité des travailleurs du sexe – nous faisons la grève de la faim pour le sexe », « Ne fermez pas nos écoles », « Combat contre le racisme, contre la division ethnique en Bosnie, multiculturalisme », « Salle de lecture publique – l’histoire montre que l’unité fait la force ». Ces drapeaux multicolores, accompagnés de textes courts puissants et combatifs, sont plus séduisants, directs et percutants que l’art conceptuel. Ils racontent clairement le parcours de combat des mouvements sociaux et politiques britanniques ces dernières années.

1962-2008 Début du rock français : Ici, grâce à des collages de journaux et magazines, des photos, des lettres, des installations de scènes de répétition musicale et des films documentaires sur le rock français, une histoire inoubliable et passionnante du rock parisien est présentée dans un effet audiovisuel exceptionnel. Ces données proviennent de l’ancien Musée des Arts et Traditions populaires (devenu Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée). Le rock français, plus précisément celui de Paris, est illustré par le Golf Drouot, lieu autrefois fréquenté pour le thé et les bals, transformé en petit terrain de golf après de mauvaises affaires, incapable d’attirer suffisamment de clients. Le serveur Henri Leproux a astucieusement converti les lieux en Juke-box-Seeburg Apartment Hall. À partir de 1959, les célèbres chanteurs rock français Eddy Mitchell et Johnny Hallyday y fréquentaient régulièrement, devenant un lieu préféré des jeunes musiciens pour se détendre. En 1961, le Golf Drouot a diffusé pour la première fois sur télévision la nouvelle musique française (Gilbert Bécaud, Nancy Holloway, Eddy Mitchell, The Chaussettes Noires). L’année suivante, le Golf Drouot a accueilli des concerts pop novateurs, devenant le berceau et l’espace de diffusion du rock parisien. Dans cette propagation novatrice et joyeuse du rock, le Drouot a participé au développement décisif de la musique pop, jusqu’à sa fin dans les années 1980, le rock étant devenu une valeur largement répandue dans la société française. L’histoire du rock français exposée ici repose principalement sur les activités et archives du Golf Drouot sur près de vingt ans, explorant dans le cadre sociologique et anthropologique la valeur universelle de cette nouvelle culture.

1917-1939 Son Z : Après la révolution sociale soviétique de 1917, une série de révolutions culturelles a éclaté en Union soviétique. Sous une vision radicale d’innovation, l’art d’avant-garde soviétique a construit une nouvelle société et un nouveau monde. L’exposition Son Z présente cette situation révolutionnaire sans précédent, explorant l’innovation dans les médias de masse, l’audiovisuel et l’image, constituant une autre preuve historique révolutionnaire. Le thème original « Son Z », où la lettre « Z » annonce les signes de cette époque hors norme, sert de courbe textuelle et de rayonnement symbolisant l’énergie, métaphore de la transmission et de la propagation d’informations par radio, ainsi que de l’électricité et de la foudre. « Les flammes de la révolution coïncident avec les présages », reflétant clairement les caractéristiques de l’esprit de l’époque. Cela exprime également les réseaux de connexions parallèles et, sous la pression oppressante verticale des régimes de l’époque, leur développement fut étouffé.

L’unité « Son Z » expose une série de documents visuels et auditifs : designs graphiques, articles, photographies, vidéos et documentaires explorant les images sonores. L’ensemble des données et objets provient du Centre Theremin de Moscou, institution présentant le développement global de la musique et des technologies audiovisuelles russes du XXe siècle, relevant aujourd’hui du Conservatoire national de musique de Moscou. Le commissaire Andrei Smirnov s’est efforcé de présenter « la réparation historique et la culture artistique d’avant-garde des années 1910 et 1920, comment elles ont affronté les régimes totalitaires, cette énergie créative radicale ayant été entièrement supprimée par le pouvoir dans les années 1930 ». Dans cette exposition, on découvre pour la première fois quelques figures pionnières de cette époque hors norme, comme Nikolai Bernstein ou Boris Yankovsky, approfondissant leurs explorations sonores et visuelles multiples et avant-gardistes, expliquant l’impact multidimensionnel de ces explorations audiovisuelles révolutionnaires sur la communication moderne du XXe siècle.

1760-2008 « Tout ce qui est solide fond dans l’air » : Ce thème provient d’une citation du Manifeste du Parti communiste de Karl Marx et Friedrich Engels, reflétant la capacité du capitalisme à perdurer jusqu’à ce qu’il s’adapte et surprenne. Le XVIIIe siècle a vu les Lumières européennes et la révolution industrielle ; cette révolution intellectuelle et industrielle a marqué l’entrée de l’Occident dans le siècle de la modernité. Ainsi, 1760 est une année significativement référencée, évoquant les innovations techniques et technologiques, les progrès industriels fulgurants, la prospérité sociale, les idées universalistes de liberté et de démocratisation, jusqu’à nos jours où les médias d’information globalisés et la nouvelle génération de savoirs règnent.

L’industrialisation, l’industrialisation, l’urbanisation, la capitalisation, la stratification sociale et la commercialisation ont apporté une société prospère grâce à la croissance capitalistique et économique, mais ont aussi aggravé les inégalités de richesse et la stratification de classe, provoquant l’instabilité sociale et l’émergence de la pensée socialiste marxiste. Cette unité d’exposition souligne spécifiquement le double traumatisme de la révolution industrielle et de la ville chaotique, car sous l’idéal de combat social et socialiste, elle permet la création d’environnements favorables à l’habitat jusqu’à l’apparition du rock britannique. L’exposition reconstruit des éléments historiques : objets industriels, tableaux historiques, art vidéo, icônes rock, photographies et chronologies familiales. Ces objets industriels originaux proviennent de l’ancienne ville industrielle Blackbuene et de la Grande Exposition de Londres de 1951. Grâce à ces objets et images, on tente d’expliquer la culture émergente après la révolution industrielle – la naissance du rock.

William Scott « Un bon homme » : William Scott (né en 1962) est un artiste noir né à San Francisco, travaillant au Growth Art Center en Californie. Ce studio d’arts plastiques a été fondé au début des années 1970 par un groupe d’artistes issus de la psychiatrie. Scott y expose une série de portraits sensibles et de sculptures figuratives, centrées sur ses autoportraits ou les personnages de sa communauté noire, inspirées par sa vie quotidienne. Il juxtapose souvent l’individu à des contextes sociaux complexes, transformant cela en biographie personnelle et hallucinations ; les portraits banals deviennent légèrement alternatifs, plongeant dans l’expérience personnelle directe, interrogeant l’identité universelle individuelle, la communauté noire, la foi, etc., questionnant les défis de la vie quotidienne où nous devons tous confronter notre exploration de la réalité. Ces cinq dernières années, William Scott a travaillé sur le projet de reconstruction urbaine de San Francisco ; son ancien quartier va être reconstruit. Il planifie minutieusement, à travers de nouveaux plans et visions urbaines, la création de nouveaux modèles architecturaux. Avec cette ambition, cet optimisme et cette aspiration humaine profonde, il construit le nouveau plan de San Francisco.

Conclusion : « D’une révolution à l’autre » est une exposition révolutionnaire, couvrant les arts plastiques, l’anthropologie, la sociologie et l’histoire, naviguant entre passé, présent et futur. On n’y trouve ni les provocations des grandes expositions, ni le spectacle, ni la conscience dominante actuelle ; c’est dans la banalité que l’on met en lumière la conscience la plus pure de l’art et une explication efficace du message thématique, ce qui est précieux dans le courant actuel de l’art marchandisé et globalisé. Même si ce ne sont pas des artistes ou des œuvres d’art définies conventionnellement, dans ce temple établi de l’art contemporain, on restaure non seulement l’histoire, mais la conscience de l’art social. Cela traverse les prémisses de Duchamp (« tout peut devenir une œuvre d’art ») et de Beuys (« chaque homme est un artiste »), indiquant que toute forme de créativité peut être de l’art. Cette exposition vise à élargir la notion d’art, rappelant que la révolution est fondée sur la créativité inhérente à l’être humain.