Tokyo Palace Paris – Exposition spéciale « Codes d'espionnage »

Arthur Mole et John Thomas, photographies du groupe formé par neuf mille officiers marins et soldats américains pour le « Living emblem of the united states marines », 11x14 pouces, 1919.

Préface : L'exposition spéciale « Spy Numbers » dans l'espace codifié des imaginaires s'est tenue du 28 mai au 30 août au Tokyo Palace à Paris. Il est évident que les expositions de cette année du Centre d'art contemporain du Tokyo Palace n'ont pas cherché le drame ou la sensation visuelle de l'art actuel. Sous une conscience non dominante active et optimiste, elles évitent les théories artistiques établies et les esthétiques habituelles, poursuivant avec un esprit pionnier avant-gardiste l'expansion des frontières de l'art. De « Gakona » à l'exposition actuelle sur les codes ennemis, chaque révolution en est un exemple clair. Cette exposition mystérieuse sur les codes d'espionnage est comme un théâtre d'imagination débridée, ouvrant un monde audiovisuel secret extraordinaire par un nouveau point de vue. Inspirée par les recherches de Nikola Tesla, elle explore les aspects des ondes électromagnétiques et leurs questions périphériques, souvent proches de l'infime et du spectre invisible. Durant les deux guerres mondiales et la Guerre froide, les agents de renseignement militaires échangeaient des informations secrètes via des télégrammes radio ou des codes cryptés, transmettant des numéros d'instructions comme 2..11..58...35..23.. etc. Ces ondes fantomatiques servaient aux transmissions secrètes, aux échanges entre bandes criminelles ou simplement à la modulation des signaux électriques. Chaque station de transmission avait sa fonction précise. À l'ère actuelle où les systèmes de communication internet et sans fil sont si vastes qu'ils en deviennent inimaginables, face à l'explosion des informations grand public, les symboles codifiés semblent devenir plus banals. Ce sujet mystérieux de l'exposition métaphorise les instructions codées variées des œuvres artistiques actuelles, flottant entre réalité et imagination, visible et invisible, conscience individuelle et collective, dans un espace de codes énigmatiques.

L'exposition rassemble de jeunes artistes européens et américains. Par des méthodes distinctes telles que l'analyse sonore, la reproduction d'instruments scientifiques, la collecte de lentilles de contact, l'étude d'images historiques, la transformation d'objets trouvés, la collecte d'échantillons, la construction et la déconstruction architecturale, l'exposition interprète, à travers objets, sculptures, photographies et installations spatiales, les phénomènes, informations et problèmes de la société contemporaine.

Dialogue avec l'espace et la nature : Pascal Broccolichi (né en 1967), artiste français spécialisé dans le développement d'un son omniprésent, explore ces phénomènes imperceptibles à travers les oreilles humaines, les ondes sonores, les déchirements ou les vibrations omniprésentes des lieux. Sa création interroge l'espace d'exposition pour révéler sa spécificité actuelle et ses aspects difficiles à percevoir. Ici, Broccolichi utilise l'espace du Tokyo Palace avec trois haut-parleurs cylindriques longs et des amplificateurs comme installation environnementale. En captant l'activité électromagnétique de l'espace via des détecteurs, il enregistre et joue ces phénomènes sonores. Sous les basses fréquences répétitives et superposées, il crée des vagues de réverbération extraordinaires, plongeant le spectateur dans une contemplation immersive où corps et esprit résonnent. L'artiste met en scène les effets directs de la structure du Tokyo Palace, invitant le public à ressentir l'espace d'exposition comme un développement de surface élargi.

Dove Allouche (né en 1972) et Evariste Richer (né en 1969), tous deux artistes français, poursuivent leurs créations respectives. Allouche expose une série de photogravures sombres sur les tunnels parisiens, superposant deux systèmes de gravure différents pour présenter le système moderne de tunnels. Richer voyage actuellement en Inde, explorant différentes nuances du modernisme. Leur œuvre commune « La terrella », une machine scientifique inhabituelle, a été réalisée entre 1999 et 2002. À la fin du XXe siècle, ils ont décidé de reconstruire l'appareil d'exploration polaire nord conçu par le scientifique Kristian Birkeland au début du XXe siècle. Après avoir découvert les rayons X, Birkeland avait construit cet appareil pour observer l'influence de la gravité terrestre sur les rayons cathodiques, découvrant finalement la conversion électronique des anneaux lumineux aux pôles. Avec l'aide technique de plusieurs laboratoires scientifiques, ils ont reproduit « La terrella » à l'échelle 1:1. Pour cette exposition, les artistes ont décidé d'activer régulièrement la machine selon les dates de publication de l'invention et d'expérimentation de Birkeland. Ils ne reproduisent pas seulement un modèle, mais construisent le phénomène naturel de l'activité polaire. L'art interroge le domaine scientifique, récupérant ce qui a été perdu et plaçant l'originalité dans la copie.

Luca Francesconi (né en 1979), artiste italien, explore la relation ambiguë entre nous et la nature, comme une branche d'arbre collée de chewing-gum ou deux arbres aux apparences différentes reliés par leur système vasculaire. Selon l'artiste, ce que nous observons est ce que nous voulons voir, et non la réalité telle quelle. Une question centrale est notre point de vue. Contrairement à l'idée partagée du monde, il considère la transformation naturelle et les changements communs comme un point d'appui : « Lumière, obscurité, hier, aujourd'hui sont des méthodes symétriques ; les coins de l'ombre, marqués par la terre et le soleil, me font penser que l'univers n'a pas de jour ni de nuit ». Francesconi présente ici trois échantillons de pierres naturelles (calcaire, granit et schiste) symbolisant trois hautes montagnes. Collectées personnellement lors de ses ascensions des monts Gressoney, Cusna et Turchino dans les Alpes, l'œuvre intitulée « To lower the mountains » repose sur un écho puissant, dépassant l'échantillonnage matériel simple. Elle oscille entre le présent tangible et l'image spirituelle, entre la pierre simple et la montagne inaccessible.

Réflexion sur l'histoire, la société et la guerre : Jim Shaw (né en 1952), artiste de la côte Est américaine, s'intéresse à l'étrange et à l'anormal. Son inspiration vient de la culture populaire américaine ; ses œuvres multiples font référence à la société moderne, à la publicité, à la consommation, à l'absurde et au cinéma. Construit par une combinaison libre et puissante de sémiologie, il crée un contraste entre une réalité fascinante et un monde imaginaire. Shaw interprète souvent son travail en séries. La série précoce « My Mirage » (1985-1990) raconte l'histoire de Billy, un jeune Américain élevé en banlieue. Ensuite, les séries majeures « Dream Drawings » et « Dream Objects » (1991-2000) combinent croquis, sculptures et objets issus du rêve personnel de l'artiste. Depuis 2000, son travail global tourne autour du pseudo-religieux, reposant sur des objets, œuvres, livres, films et performances. Ici, il expose « Heap » (2005), une sculpture semblable à un démon marin sortant tout juste de la mer profonde, dont la forme n'est pas clairement définie et qui semble couverte de mucus après être sortie de l'eau. Toute la sculpture est constituée de petits jouets en plastique colorés offerts par McDonald's, reflétant clairement une critique de la société de consommation ardente actuelle.

Ken Gonzales-Day (né en 1964), photographe américain né à Los Angeles, se passionne pour l'histoire oubliée de l'Ouest américain. Ses œuvres capturent efficacement des expériences uniques de temps, de lieu et d'identité. Dans sa série « Erased Lynching », il montre comment la tyrannie historique et le pouvoir traitent toujours les événements politiques en effaçant les preuves brutales, noyant l'histoire dans l'oubli. Dans cette série où les scènes brutales sont invisibles, il utilise des cartes postales et des photographies historiques montrant des exécutions par pendaison. Son intervention consiste à effacer toutes les traces de cette cruauté (la corde et le corps). Les images ignorent volontairement les victimes pour montrer la valeur mécanique de la pendaison : une foule curieuse venant assister à ce théâtre exceptionnel, laissant ainsi une image éternelle de l'exécution. Ces images absentes ou ces espaces vidés évoquent la mémoire et le souvenir de la pendaison cruelle. Bien que les corps soient invisibles, les victimes sont paradoxalement présentes partout. Dans ces belles images, elles racontent silencieusement une torture historique et une mémoire collective sociale après l'autre.

Expérience corporelle : Tony Smith (1912-1980), artiste minimaliste américain d'origine architecturale, a repensé la nouvelle sculpture. Son œuvre la plus remarquable et la plus purifiée est « Die » (1962), un cube parfait de 183×183×183 cm, occupant l'espace de six pas humains, avec un volume massif, des faces épurées et un noir profond, ayant une touche apocalyptique. Cette sculpture établit directement une relation avec le spectateur ; elle n'est ni un objet ni un monument.

« For v.t » (1969), exposé ici, fait partie d'une série dédiée à ses amis artistes. Cette œuvre appelle un type de regard qui ne peut qu'effleurer sa surface noire sans signification avant de pénétrer dans son espace environnemental. Sa forme cristalline hexagonale est structurée dans une dynamique vivante, obligeant le spectateur à faire le tour pour saisir la complexité de la forme. Smith disait : « Je veux que la forme soit révélée par l'espace et la lumière, et non par le matériau lui-même ». Les œuvres de Tony Smith possèdent toutes une expérience corporelle : « C'était une nuit tardive (sur l'autoroute du New Jersey en construction), sans éclairage, voyant seulement les lignes blanches sur la route, aucun autre repère, seulement des changements de direction à travers un paysage (…) Au début, je ne connaissais que cet état, puis j'ai réalisé que cet effet nocturne libérait mes nombreuses perspectives artistiques. »

Norma Jeane (né en 1962), artiste italien, est né le jour même du décès de Marilyn Monroe. Il a choisi ce pseudonyme (son vrai nom étant Norma Jeane Baker) alors qu'il voyait disparaître la figure la plus emblématique du XXe siècle, soulignant l'écart immense entre vie privée et image publique. Le travail de Norma Jeane navigue constamment entre réalité et contre-culture pop. Il se considère comme un artiste virtuel par son existence, mais très réel par ses œuvres et collaborations. Ici, Jeane expose 730 lentilles de contact « Everyday sight-Tribute to Aldous Huxley 2003-6-21a2004-6-20 », conservées pendant un an dans les yeux de l'artiste Davide Legittimo, présentées dans deux disques de verre. Par l'objet, le comportement, l'attitude et le concept, il génère une multitude d'images visuelles conscientes, stockant ainsi une année entière d'images. Il rend hommage maximal à l'écrivain aveugle Aldous Huxley, qui continuait à lire et écrire malgré une quasi-aveuglité.

Matt ODell (né en 1976), artiste britannique, s'intéresse depuis longtemps à la religion, aux catastrophes, aux théories du complot et aux phénomènes médiatiques du monde actuel. Son œuvre possède une vision mondaine, influencée par les icônes post-11 septembre aux États-Unis. Chaque œuvre est longuement réfléchie, minutieuse et claire. Ses sculptures partent souvent de matériaux ordinaires comme le carton ou le bois.

Matt Odell expose ici un haut-parleur radio octogonal monumental de 4,5 mètres de haut – « Numbers station Beacon / Community Broadcast towes ». Cette sculpture sous forme de haut-parleur diffuse continuellement des sons enregistrés par radio ondes courtes. Parmi une série mystérieuse de voix distinctes, elle joue en séquence pendant huit minutes, totalisant quatre heures. Cela donne une sensation inexplicable, diffusant des rumeurs arrogantes ou des interprétations délirantes, montrant clairement que les médias grand public deviennent des moyens d'enseignement et de manipulation des masses.

Construction conceptuelle : Felix Schramn (né en 1970), artiste allemand, voit son travail comme celui d'un sculpteur. Habile à utiliser des matériaux de construction comme le plâtre, le bois ou la peinture, il présente souvent des points de vue inhabituels, tels que des bâtiments intérieurs fictifs de type labyrinthe, flottant entre destruction et construction. Toutes ses créations découlent de modèles réduits en atelier. Schramn utilise des formes basiques, diagonales et dynamiques, réfléchissant soigneusement avant la destruction, construisant ainsi une esthétique réelle de la ruine.

Schramn établit ici un espace de lieu avec la sculpture monumentale « Omisson », dramatiquement située à la frontière entre architecture et sculpture. Il creuse et vide les murs blancs de l'exposition, érigeant une façade triangulaire stable dans un équilibre irrégulier et instable. Le mur devient le cœur de cette œuvre de déconstruction et reconstruction. Le spectateur, perplexe, fait face à cette sculpture-environnement dramatique, oscillant entre déconstruction et construction, sculpture et architecture, partie et totalité.

Stephane Vigny (né en 1977), artiste français, s'intéresse particulièrement aux infrastructures en béton, les représentant de plus en plus pour des raisons esthétiques, écologiques ou politiques. Lorsqu'il parle de ces poteaux électriques presque sculpturaux, il est passionné et émotionnel. Son inspiration provient principalement des « objets » de la culture populaire ; son art vise à s'éloigner des catégories traditionnelles des beaux-arts, produisant des œuvres conceptuelles et humoristiques ancrées dans un monde réel extraordinaire.

Dans cette exposition thématique, l'œuvre de Stephane Vigny est la plus insignifiante, presque invisible : trois poteaux électriques en béton tombent dans le coin d'entrée, leurs têtes carrées couvertes de boue, sans aucune étiquette, semblant abandonnés. Intitulée « L'originalité est une copie » (2009), elle utilise le déplacement comme une notion d'objet trouvé.

Arthur Mole (1889-1983) était photographe et John Thomas chef de chœur d'église. Ensemble, durant la Première Guerre mondiale et l'après-guerre, ils ont collaboré à la série « Living », iconique, présentant des drapeaux américains, britanniques, japonais, des logos de la marine américaine, la Statue de la Liberté et des portraits de Woodrow Wilson. Ils ont parcouru les États-Unis, organisant méticuleusement des images monumentales construites collectivement par les forces armées américaines, prises depuis des hauteurs. Dans une conscience collective, l'ensemble des photos montre les effets de la guerre (de nombreuses troupes se dirigeant vers le front), renforçant le sentiment d'appartenance militaire et l'esprit de liberté démocratique de l'époque. Ces images populaires flottent entre illusion fantomatique et mémoire collective, art et archives, unicité et totalité. Face à la guerre ou à l'histoire, la force individuelle est limitée ; l'unité fait la force.