L'art contemporain iranien dans l'émancipation

Texte et photos / Chen Chi-Hsiang

Préface : Dans le contexte actuel d'une mondialisation économique et politique, culturelle, ainsi que de portes ouvertes vers les quatre coins du monde par Internet, une vague puissante d'émancipation sociale et artistique libérale envahit tous les recoins de la planète. Elle traverse diverses barrières autoritaires et totalitaires rigides. Avec le desserrement politique et le développement économique, les courants de pensée libérant la création se manifestent avec une liberté sans précédent. Le développement ambitieux de l'art contemporain chinois en est une preuve éclatante ; il en va de même pour l'essor de l'art au Moyen-Orient. Sous la conscience d'une émancipation personnelle consciente et le désir de liberté, on observe aujourd'hui un jardin diversifié et brillant. Sous ses préoccupations politiques et culturelles à la fois globalisées et locales, il forge des styles et des modèles indépendants. Les marges du passé sont devenues le cœur d'aujourd'hui, capables de rivaliser avec la situation artistique occidentale.

Les signes de l'art du Moyen-Orient : Ces dernières années, sous l'onde de choc de la mondialisation économique, politique et culturelle, l'essor et le développement de l'art arabe contemporain au Moyen-Orient sont évidents. On peut citer la biennale d'Istanbul en Turquie, la foire internationale d'art de Dubaï en Arabie saoudite et la construction de nouveaux musées, ainsi que l'essor des galeries. L'Occident a commencé à collectionner et à opérer de manière globale, ce qui a également entraîné l'émergence de systèmes et de marchés artistiques au Moyen-Orient. Dans toutes les grandes expositions contemporaines du monde, on trouve des artistes du Moyen-Orient qui attirent l'attention, tels que l'artiste palestinienne Mona Hatoum, l'artiste iranienne Shirin Neshat, les artistes algériens Adel Abdessemed et Kader Attia, l'artiste égyptienne Ghade Amer, etc. À la Biennale de Venise, l'art contemporain du Moyen-Orient n'est plus absent, avec les pavillons nationaux de Turquie, d'Égypte et d'Iran (à partir de 2005) et le tout nouveau pavillon national palestinien.

Il est remarquable que parmi les artistes contemporains du Moyen-Orient ou d'Iran, les femmes soient majoritaires. La plupart vivent et créent dans leur pays natal, relevant le défi de l'environnement social et prenant leur terre natale comme fondement de leur création. D'autres s'exilent volontairement à l'étranger, vivant en Occident. Ils ont souvent une expérience interculturelle et, sous l'influence des courants artistiques mondialisés, tendent vers une personnalité internationale. Ainsi, dans l'art diversifié d'aujourd'hui, l'art contemporain du Moyen-Orient, comme la situation de création globalisée actuelle, se divise en deux attributs d'exploration : le globalisé, qui s'intéresse à la transformation de l'image politique, économique et locale dans un grand style international ; et le local, qui utilise l'image et la perspective de la terre natale comme signe de création moderne.

L'art contemporain arabe du Moyen-Orient, comme les différents systèmes politiques, voit la démocratie sembler un luxe dans certains endroits, tandis que la liberté est le désir des artistes, dans le contexte complexe de la politique et de la culture islamiques traditionnelles et modernes. Ces dernières années, le régime fort du clergé islamiste en Iran est souvent au centre des médias mondiaux, en particulier son développement nucléaire et les récentes élections présidentielles, qui structurent sa pression politique intérieure et extérieure ainsi que la violence sociale. Cet Iran, que l'ancien président Bush a qualifié de nation du mal, montre clairement que chaque geste affecte concrètement la situation globale du Moyen-Orient et son développement futur. Depuis la guerre d'Irak, l'Iran est devenu le pays ayant la position stratégique politique, économique et internationale la plus importante au Moyen-Orient, et son influence sur la carte politique internationale régionale augmente jour après jour. Dans cette situation politique et économique complexe, l'essor et le développement de l'art contemporain ne peuvent être dissociés de l'influence de ses conditions locales : la guerre, la violence politique, la situation sociale, la pression traditionnelle, l'interprétation historique de la liberté individuelle et l'arbitraire des régimes anti-religieux, entre autres. Ces questions nourrissent l'imagerie et la dimension spirituelle de la création artistique.

Il est évident que l'art iranien et palestinien est une libération personnelle de la liberté, défendant la pensée, les droits de l'homme et la conscience démocratique, brisant les normes religieuses fanatiques et sociales oppressives. Les artistes iraniens s'attaquent au système clérical islamiste avec une conscience de combat, visant à libérer la société. Les Palestiniens, déplacés sous la domination oppressive d'Israël, soulignent leur souveraineté et leur identité, avec une forte conscience de résistance. Ce cas se manifeste dans les œuvres de deux artistes contemporains remarquables : l'artiste iranienne Shirin Neshat et la Palestinienne Mona Hatoum. La première s'appuie sur les relations entre la religion islamique, la société et les contraintes féminines liées à l'affection pour la terre natale iranienne. Elle dit : « Je comprends que ma création est comme un discours visuel sur le thème de « l'islam et le féminisme contemporains », semblable à un discours analysant le mystère et la réalité. La conclusion est que tout cela est infiniment plus complexe que nous ne pouvons l'imaginer. » La seconde prend comme point de départ de sa création les scènes d'exil et d'oppression des Palestiniens déplacés, ainsi que l'histoire et la mémoire réelles, tentant d'interpréter via la création artistique les tensions extraordinaires et les situations humiliantes ressenties sur les plans politique, social, économique, historique et personnel, individuels ou palestiniens (du monde arabe). Elle dit : « Une œuvre d'art est avant tout le sentiment d'une vie véritablement vécue ; son contenu et sa composition ne viennent que d'actes réellement vécus. »

L'art contemporain du Moyen-Orient explore un large éventail d'aspects à travers la peinture, la sculpture, l'image, la vidéo, les objets et l'installation, allant de la critique politique aux préoccupations sociales et historiques, en passant par la conscience de combat, la conscience de liberté, la mémoire individuelle et collective, etc. Il se manifeste sous diverses formes figuratives, abstraites, imaginatives, symboliques, métaphoriques, poétiques, pop, humoristiques ou satiriques.

L'essor de l'art contemporain iranien : L'art contemporain iranien doit beaucoup à l'élection démocratique de 1997 initiée par le régime religieux. Cette condition de réforme politique a apporté une vague d'émancipation sociale complète (qui n'était pas aussi libératrice qu'on pouvait l'imaginer sous le régime clérical islamiste). L'art s'est soudain réveillé de son sommeil, devenant l'effet d'une conscience d'émancipation personnelle de la société. Les musées et les systèmes artistiques se sont remis à vivre et à s'animer ; la création de galeries et l'émergence de groupes de collectionneurs (on dit que les grands collectionneurs d'art contemporain au Moyen-Orient sont des Iraniens vivant à l'étranger) ont suivi. Ainsi, dans un environnement de desserrement du régime fondamentaliste et de développement économique, l'art contemporain iranien renaît de ses cendres.

En 2001, le Barbican Center (le plus grand centre d'art multimédia d'Europe) à Londres, en collaboration avec le Centre d'art contemporain de Téhéran, a organisé « L'art contemporain iranien », attirant une grande attention. L'art contemporain iranien, plein de vitalité, sort ainsi de ses frontières pour atteindre la scène artistique internationale. En 2005, lors de la Biennale de Venise, la création du pavillon national iranien a présenté deux artistes poids lourds remarqués : Mandana Moghadam avec ses installations d'objets novatrices et Bita Fayyazi avec ses photographies dramatiques. Entre-temps, la galerie ouverte par l'Iranienne Leila Taghinia à New York est devenue une plateforme de fenêtre internationale pour l'art contemporain iranien, commençant à séduire les collectionneurs iraniens et internationaux. Les œuvres de ces artistes iraniens entrent rapidement sur les importants marchés de vente aux enchères d'art de Dubaï, Londres, New York et Paris.

Les importantes galeries occidentales saisissent également l'occasion. Les célèbres artistes femmes iraniennes Shirin Neshat et Y.Z. Kami exposent respectivement aux galeries Barbara Gladstone et Gagosian à New York. Shoja Azari et Shahram Karimi exposent à la galerie Castelli à New York. Shirin Neshat expose également à la galerie Jérôme de Noirmont à Paris, Shirazeh Houshiary à la galerie Lisson à Londres, et Mitra Tabrizian participe cette année à la rétrospective « This Is That Place » à la Tate Modern de Londres, etc. En 2009, une série d'expositions : la galerie Saatchi à Londres organise grandement deux expositions majeures, d'abord « L'art contemporain du Moyen-Orient » puis « L'art contemporain iranien », attirant l'attention des médias internationaux et faisant sensation en Europe. Ensuite, la galerie Thaddaeus Ropac à Paris présente une exposition collective d'art contemporain iranien intitulée « Raad o Bargh ». La galerie Ghislaine Hussenot organise une exposition collective de cinq artistes contemporains iraniens, suivie par la galerie Almine Rech avec « Iran sans frontières », une exposition collective d'artistes contemporains. La Henry Moore Foundation et la Royal Academy of Arts à Londres organisent une grande exposition « L'art vidéo contemporain iranien », etc. L'art contemporain du Moyen-Orient et d'Iran devient ainsi une autre force artistique émergente de la mondialisation.

Aperçu des artistes contemporains iraniens :

L'émancipation de la conscience féminine : Shirin Neshat (née en 1957, vit aux États-Unis) excelle dans un cinéma d'art très professionnel, avec des images raffinées et parfaites, continuant sur une narration littéraire novatrice, entrelaçant la structure de pensée délicate des femmes et une poésie dense. Ces dernières années, elle élargit ses thèmes féministes vers des concepts sociaux, identitaires, d'exil, de réfugiés et d'utopie du tiers-monde.

Avish Khebrehzadeh (né en 1969, vit à Washington, États-Unis) est doué pour la peinture délicate et projette des images animées sur celle-ci — peinture vidéo. Il plonge dramatiquement dans un monde de contes populaires. Ici, l'artiste utilise les récits iraniens pour discuter de la fragilité humaine, de l'aliénation, de la tristesse et de la mélancolie, exprimant les relations intimes et complexes entre les humains et les animaux, ou entre les personnes et l'environnement.

Laleh Khorramian (née en 1974, vit à New York, États-Unis) mélange dans un expressionnisme abstrait dramatique divers matériaux et techniques possibles, présentant sensiblement des paysages abstraits émotionnels grâce aux matériaux et aux coups de pinceau, montrant élégamment les souvenirs de l'enfance de l'artiste et le lyrisme féminin unique.

Ala Dehghan (né en 1982, Téhéran) décrit systématiquement diverses expériences et sensations pratiques quotidiennes autour de la vie quotidienne par l'écriture féminine. L'auto-émancipation renforce toute l'existence, signifiant que sous cette société oppressive et contraignante — je crée, donc j'existe.

Maryam Amini (née en 1976, Téhéran) s'inspire des fantasmes sexuels dans un environnement social fermé. Ce monde de peinture lyrique érotique et féminine est construit par la combinaison libre d'images, flottant dans une illusion légère sur fond blanc, possédant une structure de pensée délicate féminine et une poésie dense. En tant que conscience d'émancipation de l'imagination personnelle, elle vise à libérer l'oppression et les contraintes imposées aux femmes par le régime religieux islamiste et la société.

Mandana Moghadam (vit à Göteborg, Suède) est l'une des artistes représentant le pavillon national iranien à la Biennale de Venise de 2005. Sous l'exploration de la conscience d'émancipation féminine islamique contemporaine, maîtrisant la grande tradition de l'Arte Povera italienne, elle excelle à manipuler des matériaux inhabituels tels que les téléphones, les pierres, l'eau, les cheveux, le ciment, etc., construisant ou installant avec ingéniosité. La série majeure « Chelgis » est particulièrement remarquable, construite à partir de cheveux noirs incroyables, soulignant puissamment la tension matérielle et son caractère métaphorique. Par exemple, « Chelgis-II » de 2005 présente un énorme bloc de béton suspendu dans les airs par une corde tressée à partir de quatre longs cheveux noirs, suggérant implicitement la pression du voile subie par les femmes dans la société islamique traditionnelle. Le directeur du Musée d'art contemporain d'Iran, Ali Reza Sami-Azar, explique cette œuvre ainsi : « Cette inspiration vient des mythes anciens traditionnels iraniens, exprimant brillamment l'opposition homme-femme, invitant à l'unité face au défi : les cheveux féminins adoucissent le bloc dur, surtout l'éducation et le soutien dans la famille... »

Bita Fayyazi (née en 1973, Téhéran) est l'une des premières artistes représentant le pavillon national iranien à la Biennale de Venise. Elle excelle dans la céramique, la sculpture, les objets, l'image, jusqu'à l'installation et la vidéo multimédias. Elle fait de la vie le cœur de sa création, comme le dit l'artiste Louise Bourgeois : « L'art n'est pas seulement de l'art, la vie elle-même est le sujet de l'art. » Elle transforme ainsi son mariage personnel en œuvre, explorant dans la récente série « La dot de Goli » les relations matrimoniales complexes entre hommes et femmes dans la société traditionnelle islamique actuelle, les objets (robes, armoires à dot et tapis traditionnels) et les installations vidéo inversées de l'artiste, métaphorisant le sexe, la violence sociale, la pression traditionnelle et la lutte des femmes.

Shirin Fakhim (Téhéran) est célèbre pour ses statues de poupées humanoïdes provocantes, sexy, comiques, grotesques et sensuelles. Surtout dans sa série majeure « Les prostituées de Téhéran ». Prenant le point de vue d'une artiste féminine moderne, elle discute de la situation et des difficultés environnementales des femmes islamiques aujourd'hui, critiquant le faux moralisme religieux iranien actuel, poussant beaucoup de femmes bonnes à la pauvreté et à la violence familiale, et les forçant à devenir prostituées dans l'obscurité pour gagner leur vie. Les prostituées de Téhéran humoristiques et satiriques de Fakhim deviennent ainsi un réalisme social alternatif en Iran aujourd'hui.

Ghazel (née en 1966, vit à Paris) est spécialisée dans les arts de la performance et la vidéo. Depuis 1997, elle est connue pour son art vidéo d'autoportrait sous le thème « Moi ». Elle décrit les scènes de la vie quotidienne d'une femme traditionnelle de la famille islamique, portant une robe noire et un foulard noir, faisant le ménage, se prélassant au soleil, skiant, fumant, marchant dans la rue, courant vers la mer, jouant de la guitare au bord de la route, allant aux toilettes, etc., avec une certaine ironie et absurdité, présentant la complexité contradictoire de l'identité, de l'exil et de l'intégration dans un autre pays.

Shirin Aliabadi (née en 1973, Téhéran) est célèbre pour sa série de photographies « Mademoiselle Métisse » de jeunes filles adolescentes islamiques. Ces adolescentes portent des voiles fins sur la tête, des tatouages sur les mains fines, des perruques dorées, du rouge à lèvres sexy et des vêtements excentriques et à la mode, rêvant désespérément d'avoir le nez droit et de devenir le beau type occidental imaginaire. La série « Yeux et sourcils » sur papier ne fait pas exception, continuant à critiquer la poursuite illusoire et le désir des adolescentes de liberté et d'esthétique occidentales dans cet environnement conservateur islamique actuel.

Mitra Tabrizian (vit à Londres) est une photographe contemporaine iranienne. Installée à Londres avant la révolution islamique de 1977, ses premières œuvres s'appuyaient sur la conscience subjective, l'idéologie, la psychanalyse, le féminisme, le sexe et la race. Dans les années 90, elle a activement mis à jour les images visuelles, tendant vers la critique et la présentation du système de la vie quotidienne de la société postmoderne. Récemment, elle est revenue à la construction de récits personnels dans la série « Frontières » : immigration, exil, identité, aliénation urbaine et apparence, construisant une série de style image documentaire entre la performance fictive et les scènes réelles. L'artiste dit : « Ici (à Londres), je suis un étranger, là-bas (en Iran), je suis quelqu'un que je ne peux pas supporter. Je reste muet dans les deux cas. Il y a effectivement certaines règles ; dire quelque chose qui ne correspond pas à vos opinions est comme un élément de négation. » « Bien sûr, je vois presque cela comme un message positif, car il me donne une distance culturelle. Cependant, cela me rend également plus fortement attachée à l'Iran. Ce n'est pas seulement le sentiment d'être « à la maison », mais un sentiment plus complexe. »

Mémoire personnelle et conscience collective : Behrouz Rae (né en 1979, Téhéran) excelle dans les photographies et les peintures expressives sensibles reflétant son monde intérieur heurté, tentant de libérer l'état mental et d'exprimer la relation intime avec le deuxième soi. Pour lui, l'art est un moyen d'auto-émancipation et d'auto-thérapie. À travers cela, il exprime les traumatismes de l'anxiété de l'enfance et affronte son autisme et son anorexie, métaphorisant indirectement le régime clérical islamiste et la situation sociale.

Y.Z. Kami (né en 1956, Téhéran-États-Unis) est célèbre pour ses grands portraits vivants, construits entre l'apparence et l'état mental. Ses grands portraits novateurs dégagent une tension contemplative anormale et pleine de vie. L'artiste semble tendre vers une pensée philosophique, transformant les portraits dans une conscience naturelle et existentielle profonde. Par exemple, lors de la Biennale de Venise de 2007, il a présenté la série religieuse « Jérusalem », transformant ces personnages en irréels et fantomatiques sous une atmosphère subtile. Sa série alternative de dessins écrits est également très remarquable, formant des figures géométriques à partir de collages de caractères arabes serrés, entre texte et figure, vision et lecture, imagination et poésie.

Ali Banisadr (né en 1976, New York, États-Unis) réalise des peintures de mémoire entre figuration et abstraction, évoquant les souvenirs de son enfance en Iran et la guerre Irak-Iran. Entre modernisme et tradition de la peinture précise du Moyen-Orient, il présente dans un monde imaginaire fantastique et extraordinaire, coloré et brillant, semblable aux Mille et Une Nuits, son imagination personnelle et son affection pour sa terre natale.

Rokni Haerizadeh (né en 1978, Téhéran) réalise des peintures expressionnistes extraordinaires, exprimant pleinement la conscience critique profonde et la sensibilité du peintre, fusionnant littérature traditionnelle et mémoire avec la culture populaire islamique moderne. Le peintre réévalue constamment son environnement de création, se référant à la littérature et à l'histoire locales, exprimant fortement son mécontentement et sa critique envers la société sous la répression du régime religieux actuel par des allégories et des métaphores fortes, dans un lyrisme et une mélancolie.

Mojé Assefjah (né en 1970, vit à Munich) dans des formes expressionnistes abstraites à organisation organique, avec une structure rigoureuse, des formes généreuses, une construction ordonnée de clair-obscur créant un espace profond, débordant de couleurs riches, dégageant une atmosphère calme et paisible, pleine de poésie et de sensibilité, semblable à des images naturelles extraordinaires. La critique d'art Anne-Marie Bonnet estime que cette peinture iconique confère aux images une qualité exceptionnelle. Elle dit : « Sa peinture est comme le monde du matin, reconstruisant la beauté chaque jour avec énergie et sérénité » ou « Cette peinture fluide de couleurs et de formes est comme la réalité ».

Amir Mobed (né en 1974, Téhéran) est un sculpteur remarquable. Sa création navigue entre la tradition sculpturale locale et le modernisme occidental. L'intention globale de sa création réaffirme le volume, l'espace, le temps et la vision de la sculpture. Il tente divers matériaux possibles, créant de nouvelles possibilités esthétiques sculpturales à travers des éléments variés et répétés ou des constructions d'installation.

Morteza Ahmadvand (Téhéran) est un jeune artiste vidéo de la nouvelle génération iranienne, maîtrisant les images technologiques numériques modernes. Dans son nouveau travail « Voler dans la cage », une série de cases où des pigeons volent librement, il présente une scène lyrique et romantique à travers des traînées poétiques. Clairement, il utilise les pigeons dans la cage pour faire référence à la situation sociale du régime religieux iranien actuel et aux droits de la liberté individuelle.

Il y a aussi Mostafa Dashti (né en 1960, Téhéran), peintre abstrait lyrique, dans des formes indéterminées modernistes ou dans la peinture. Reza Derakshani (né en 1952, Téhéran) appartient à la vieille génération de peintres, dans les images traditionnelles arabes et la peinture moderniste.

Le Pop Art moyen-oriental à conscience critique : Farhad Moshiri (né en 1963, Téhéran) dans l'exploration de l'art post-pop, possède un humour amusant, une acuité mordante et une provocation. Recevant et transformant les objets de la société de consommation, il les intègre dans des peintures et des installations d'objets en groupe. Son inspiration vient souvent de la décoration et de l'ornementation domestique actuels. À travers le monde coloré des marchés et le point de vue de la vente, il construit ingénieusement des produits (artistiques) extraordinaires.

Vahid Sharifian (né en 1982, Téhéran) dans la grande tradition du dadaïsme et de l'art pop, maîtrise les images et objets de la société de consommation. Il forme des scènes extraordinaires par juxtaposition anormale d'objets en groupe, ou crée ses « poupées islamiques » personnelles sexy par ironie. Ses créations bizarres et fantaisistes, pleines d'espace imaginaire, interrogent et critiquent les relations avec l'environnement religieux et social islamique et les femmes actuelles.

Ramin Haerizadeh (né en 1975, Téhéran) excelle à manipuler les images et les collages d'images numériques, créant ingénieusement un monde absurde et anormal extraordinaire. Dans sa série la plus subversive récente « Femmes contemporaines », il utilise des autoportraits en collage de groupe joués par le peintre lui-même, formant des visuels extraordinaires, ridicules et satiriques, critiquant clairement la politique religieuse et la société iraniennes actuelles.

Shahab Fotouhi (né en 1980, Téhéran) est un jeune artiste vidéo. Sous un style documentaire d'image, son œuvre remarquable « Négociation directe » décrit un chat noir griffant devant une fenêtre en verre transparente à l'extérieur, semblant essayer d'attirer l'attention des gens à l'intérieur. Humour et amusement, mais aussi apaisement, métaphorisant le décalage entre le régime et le public, ou la situation embarrassante de l'Iran face aux échanges mondiaux actuels.

Mahmoud Bakhshi Moakhar (né en 1977, Téhéran) explore l'histoire moderne entourant l'Iran, en particulier la révolution politique religieuse islamique iranienne et les événements tragiques de la guerre avec l'Irak. À travers des objets et installations symptomatiques ingénieux, comme l'œuvre « Des tulipes poussent sur le sang frais des jeunes du pays », il métaphorise le martyre de la révolution politique islamique et de la guerre avec l'Irak. À travers ces dispositifs néon de tulipes tournant continuellement, il est clair que la tulipe est aussi le symbole du drapeau iranien. Le spectateur peut allumer ou éteindre l'œuvre librement, donnant implicitement à cette œuvre un volume de jeu participatif.

Shoja Azari et Shahram Karimi (nés en 1957, vivent à New York) sont deux amis d'enfance. Le premier est cinéaste, le second peintre. Depuis 2006, ils ont lancé un projet collaboratif dans la série « Stalker », ouvrant une création de peinture vidéo à deux en un. Cette série s'inspire du film « Stalker » de 1979 de l'expérimentateur soviétique Andrei Tarkovski. À travers la reproduction et la variation d'images de paysages naturels abstraits reproduites en peinture, ils projettent les images dynamiques du vent et de l'eau de la nature sur la toile. Les reflets lumineux de l'eau font revivre la peinture plane dans l'espace-temps réel. Cette peinture vidéo poétique et unique crée chez le spectateur un sentiment de distance extraordinaire et l'introduct dans la poésie et l'imagination.