Chen Chih-Liang — La Terre où coulent le lait et le miel « Paysages de Taïwan »

Illustrations et texte / Chen Chi-Hsiang
Préface :
Les Taïwanais parlent taïwanais, mangent du riz taïwanais, boivent l’eau de Taïwan — c’est une identité et une conscience locale tout à fait naturelles dans cette vie. Devenir Taïwanais s’est fait si naturellement, l’identification culturelle est inévitable, mais pas unique ; il faut aussi une vision et une structure plus larges, à l’échelle mondiale. Est-il donc pas naturel que les Taïwanais peignent les paysages de Taïwan ? Mais cette évidence a été longtemps déformée politiquement par les gouvernants étrangers de Taïwan, empêchant la conscience locale de prendre racine et de s’identifier à cette terre où ils sont nés et ont grandi, les faisant ainsi perdre leur identité.

Les paysages de Taïwan ne sont pas seulement le lieu de vie des Taïwanais, mais aussi leur esprit vital et leur terre pure, autrefois masqués par la pensée de la Grande Chine, empêchant le peuple de faire face à sa propre terre. À force de vaguer dans le néant, ils ont fini par perdre leur esprit et leur conscience. Les paysages de Taïwan incarnent les larmes et le sang des Taïwanais, indiquant le parcours de sacrifice et de lutte pour une conscience subjective taïwanaise, et l’éveil de la conscience locale. Manifestement, à partir de la conscience régionale des années 70 jusqu’à la levée de la loi martiale en 87, entrant dans le processus démocratique, sous une atmosphère de liberté sans précédent, on a activement cherché ses racines et construit une conscience taïwanaise.

À la fin des années 80 du siècle dernier, avec l’éveil de l’art taïwanais, le local est devenu la source et l’élément de la création artistique. Avec une ferveur créative ardente, on a critiqué la tradition et la politique de la Grande Chine. Surtout, les nouveaux peintres à l’encre, avec des méthodes novatrices et des perspectives uniques, ont tenté de révolutionner complètement la peinture à l’encre chinoise illusoire. C’est dans ce contexte que le peintre Chen Chih-Liang, portant une mission artistique, s’est immergé dans les paysages géographiques de Taïwan, de sa terre et de son peuple, absorbant une grande réalité de l’esprit local, ouvrant les « paysages de Taïwan » de cette terre et de ce peuple. Taïwan, un lieu aux belles montagnes, belles eaux et si agréable à vivre — le peintre Chen Chih-Liang l’assimile sincèrement à la « terre où coulent le lait et le miel » de la Bible, exprimant à travers la beauté et la réalité des « paysages de Taïwan » son affection pour sa terre natale — Taïwan.

Le peintre — Chen Chih-Liang :
Chen Chih-Liang (né en 1955 à Tainan, ville préfectorale) est l’un des rares peintres taïwanais actuels à faire des « paysages de Taïwan » son sujet principal, et aussi un rare nouveau peintre à l’encre intégrant poésie, calligraphie, peinture et photographie. De plus, il excelle aussi en peinture occidentale et dans les multimédias. Précoce, il écrivait déjà de beaux poèmes très jeune et a commencé son voyage d’exploration spirituelle. En 1975, il a appris la calligraphie auprès du maître calligraphe Chu Chiu-Ying, s’éprenant de calligraphie et de peinture. Diplômé du département des beaux-arts de l’Université de la culture en 1982, il serait passé du groupe design au groupe peinture nationale, déterminé à devenir peintre professionnel.

Dans l’ensemble de sa création à l’encre, Chen Chih-Liang est clairement influencé par deux maîtres : le peintre de l’école Lingnan Ou Hao-Nian et Jiang Zhao-Shen, qui se qualifiait de dernier peintre lettré. Le premier lui a apporté la décoration des lavis et la technique des poudres, le second le vide spirituel des traits et de l’encre de nature humaniste. Mais dans la création sur le motif, il a été inspiré par le peintre Wu Hsueh-Jang. Grâce à l’initiation artistique de ces maîtres, sa création toute entière en a été profondément influencée.

Ajoutez à cela sa vaste connaissance d’œuvres majeures orientales et occidentales, de médecine traditionnelle, de géomancie, de méditation assise et d’autres théories anciennes, ainsi que la musique indispensable dans sa vie, extrêmement diverse, couvrant toutes les époques et cultures, traditionnelle, moderne et contemporaine, divers instruments, etc. — toutes les mélodies émouvantes de l’humanité. Cela a élargi non seulement ses connaissances, mais aussi sa vision créative et son imaginaire. Ses croyances religieuses, du bouddhisme et taoïsme au christianisme, après des années d’initiation dans la foi, ont donné une nouvelle attitude à sa création : l’art ne donne pas de « réponses » au spectateur, l’art est un dialogue, une « révélation » intérieure.

Les caractéristiques de la peinture à l’encre moderne :
Les paysages de Taïwan de Chen Chih-Liang sont très lyriques, poétiques et élégants, possédant une pulsation spirituelle et une substantialité de l’esprit, pleins d’un espace infini pour la rêverie. Les scènes proviennent toutes de l’expérience sur place du peintre et de son enregistrement assidu : photographie et croquis sur le motif, puis simplifiées et internalisées pour devenir peinture, souvent entre figuratif, imagé et mental. Mais la plus grande caractéristique de sa peinture est l’éclat de l’encre colorée : outre l’encre noire, il ajoute des pigments japonais, de l’acrylique et de l’aquarelle, utilisant souvent des lavis multicouches, voire la pulvérisation, juste pour faire ressortir la brillance des couleurs primaires, possédant les caractéristiques de la peinture Lingnan et de la peinture japonaise.

Un autre signe est que la peinture entière est presque entièrement constituée de points minuscules et serrés (comme la technique pointilliste du post-impressionnisme). La lumière, l’ombre, le volume et la vitesse sont tous construits par l’accumulation de ces simples traits en gouttes de pluie et de lignes fines, dévoilant les mystères de la création dans les paysages, à l’image de l’art visuel numérique, dont les gènes de composition ne sont que de simples 0 et 1. Avec de nouvelles techniques et méthodes artistiques, il déploie une nouvelle vitalité extraordinaire pour la peinture à l’encre moderne, dépassant le cadre de la peinture à l’encre traditionnelle.

L’éveil de la conscience — « Les paysages de Taïwan » :
Les paysages de Taïwan de Chen Chih-Liang commencent par des croquis sur le motif en plein air. Après son diplôme, il parcourait souvent le nord et le sud de Taïwan avec crayon et carnet de croquis, explorant sa « méthode de croquis de paysage », pendant environ cinq ans, se concentrant sur l’observation des changements naturels et des expérimentations. Comme les œuvres de jeunesse aux accents de paysages chinois « Brise claire à Bitan » et « Vallée de Wulai », indiquant une voie pour la peinture de paysages taïwanais, mais encore sous l’ombre évidente de ses deux maîtres de peinture nationale.

C’est à partir de 1985, lorsqu’il est retourné au sud dans sa ville natale, Tainan, s’éloignant de l’influence de l’art dominant de Taipei, acceptant le défi de renouveler la peinture à l’encre moderne et la libération de la conscience, qu’il a commencé à explorer des thèmes non traditionnels pour la peinture à l’encre, tentant de briser les frontières traditionnelles. Comme « L’autoroute traversant la plaine de Chianan », thème rare dans la peinture à l’encre, avec son sens dynamique et l’accent sur une sensation de vitesse jusqu’alors absente. « Bambouseraie de Hutoubei », aux accents impressionnistes, ou même « Temple martial de Tainan », aux caractéristiques de l’art moderne, balayant l’atmosphère nostalgique traditionnelle de la peinture à l’encre et proclamant la réalité de l’esprit local des « paysages de Taïwan ».

Les peintres, surtout taïwanais de peinture à l’encre, ont tous une certaine admiration pour les paysages grandioses et majestueux de Chine. Après un voyage en 1986 à Guilin, « le plus beau sous le ciel », et au Mont Huang, Chen Chih-Liang a plongé dans une réflexion profonde : où est la substantialité et la spiritualité de l’art ? Qu’est-ce que créer ? La création ne consiste-t-elle qu’à enregistrer un beau paysage ? Finalement, comme une nouvelle naissance, il a eu l’intuition de la vérité de l’art et des sentiments locaux. L’artiste considère que : « La création est un message, un dialogue avec soi-même et avec la terre ». Il a clairement commencé à observer son propre environnement de croissance, avec soin et amour pour cette terre, utilisant le croquis sur le motif pour organiser ses souvenirs de Taïwan. C’est à ce moment que « les paysages de Taïwan » sont devenus le thème de sa création.

Voici une interview de M. Chen Chih-Liang par l’auteur lors de son retour à Taïwan en août 2005.

Le peintre Chen Chih-Liang dit :
Cela fait plus de vingt ans que je me consacre à la création de peinture à l’encre. Le cheminement intérieur que j’ai parcouru pendant cette période peut être expliqué par l’inspiration d’une histoire.

Une révélation par une histoire :
« Simon venait juste d’obtenir son doctorat en biologie. Il espérait utiliser son expertise pour servir Dieu et servir les gens, alors il a prié Dieu : "Dieu, ta création est si merveilleuse, puis-je étudier la terre que tu as créée ?" Dieu lui a répondu : "Ce sujet est trop vaste, il ne correspond pas à ta stature." Simon a continué à chercher. Une seconde fois, il a prié : "Dieu, puis-je étudier l’humanité que tu as créée ?" Dieu a répondu : "Ce sujet est trop profond, il ne correspond pas à ta stature." Simon ne savait plus quoi faire. C’est alors qu’il a pensé que sa région natale était une grande productrice de pommes de terre. Une troisième fois, il a prié : "Dieu, puis-je développer la pomme de terre de ma région ?" La réponse de Dieu fut : "Cela correspond à ta stature et à ta sagesse." Simon est retourné dans sa région natale étudier la pomme de terre. Il a développé quatre-vingt-dix nouveaux produits à partir de la pomme de terre, et même extrait une teinture pour tissu. Ainsi, Simon a utilisé son expertise et a aussi bénéficié aux gens.

Un jour, au bureau, un collègue de Simon, après avoir lu son rapport de recherche, lui demanda avec étonnement : "Comment as-tu pu trouver une équation si merveilleuse ?" Simon pointa une fleur sur son bureau et dit à son collègue : "C’est cette fleur qui me l’a dit." Le collègue dit : "Comment est-ce possible ?" Simon répondit : "Si tu l’aimes assez profondément, elle te révèlera beaucoup de ses secrets."

Cette histoire m’a beaucoup inspiré dans la peinture et la foi. Après une période d’exploration et de quête, j’ai progressivement concentré ma création sur les « paysages de Taïwan », qui sont intimement liés à ma vie. Et je crois que si nous aimons profondément Taïwan, elle nous racontera beaucoup de sa beauté et des aspirations de son peuple, elle nous révèlera les secrets qu’elle recèle. Notre vie devrait grandir avec cette terre et les gens qui y vivent, pour répondre à l’amour que Dieu nous porte. Cet amour est justement le point de départ de ma création artistique. »

Dialogue avec le peintre Chen Chih-Liang

À partir de quand avez-vous commencé à prendre « les paysages de Taïwan » comme thème de création ? Pourquoi ? R : « Les paysages de Taïwan » se sont formés après une très longue période de maturation. Initialement, c’était en 1980, en troisième année du département des beaux-arts de l’Université de la culture. À l’époque, le professeur Wu Hsueh-Jang donnait deux cours de « croquis en plein air ». Ensuite, je suis parti seul avec un crayon et un carnet de croquis, parcourant le nord et le sud de Taïwan, explorant ma propre « méthode de croquis de paysage ». Pendant environ cinq ans, je me suis concentré sur l’observation des changements naturels et sur l’expérimentation de différentes expressions au crayon.

En 1986, avant l’ouverture de la Chine continentale, j’ai eu l’occasion de voyager à Guilin et au Mont Huang. De retour à Taïwan, j’ai aussi peint quelques œuvres de Guilin et du Mont Huang. Plus tard, je me suis souvent demandé : pourquoi peindre le Mont Huang et Guilin ? Cela m’a fait réfléchir à nouveau : qu’est-ce que créer ? Est-ce juste parce que le paysage est beau que nous le peignons ? Cependant, créer ne consiste pas seulement à peindre un très beau paysage ; créer est un message, un dialogue. J’ai commencé à observer notre propre environnement de croissance, avec un sentiment de soin et d’amour pour cette terre, utilisant le croquis sur le motif pour organiser mes souvenirs de Taïwan. C’est à ce moment que « les paysages de Taïwan » sont devenus le thème de ma création.

Qu’essayez-vous d’explorer ou de transmettre through « les paysages de Taïwan » ? Qu’y avez-vous découvert ? R : Depuis mon diplôme en beaux-arts en 1982, cela fait plus de vingt ans que je me consacre à la création à l’encre. « Les paysages de Taïwan » ont toujours été mon thème d’interprétation, avec trois directions principales d’exploration :

1. Dans l’interprétation des paysages de Taïwan, quelles sont les principales similarities et différences entre la peinture à l’encre moderne et traditionnelle ?
2. En tant que langage de création, quelles sont les relations possibles entre la peinture à l’encre moderne et le thème de création « paysages de Taïwan » ?
3. Quelle forme possible pour le langage (symboles) de la peinture à l’encre moderne exprimant les paysages de Taïwan ?

Le recueil de peintures à l’encre « Paysages de Taïwan » publié en 1997 documente justement ce processus de création exploratoire. Pendant cette période, j’ai profondément senti la vitalité vigoureuse de cette terre taïwanaise, que ce soit chez les gens ou dans la nature, il y a une très forte dynamique de croissance, et cette force vitale circule aussi, visiblement ou invisiblement, entre moi et la création. Mais cette vitalité à Taïwan n’a cessé de se disperser ou de se consumer, manquant de la stabilité de l’internalisation et de la concentration. À Taïwan, il y a beaucoup de visions artistiques précieuses, mais elles sont rarement acceptées et reconnues, car le gouvernement et le public en général considèrent souvent l’art et la culture sous forme de consommation — après en avoir joui, on les abandonne ou on les oublie.

Lorsque je partage le message des « paysages de Taïwan » avec d’autres, je reçois souvent une réponse joyeuse ; ce qui est dépeint dans les œuvres suscite souvent une pulsation intérieure et une résonance chez les gens. Dans ce processus de création, de dialogue, de réponse et de échange avec les gens et la nature, j’ai progressivement clarifié ma direction de recherche, et je marche de plus en plus librement et authentiquement.

Vous utilisez tous les matériaux traditionnels de la peinture à l’encre, mais est-ce vraiment si traditionnel ? Votre création fusionne les techniques de l’encre et les caractéristiques de la peinture occidentale comme le dessin, la lumière et l’ombre, les lignes, la division de l’espace, etc. Cette technique innovante est-elle suffisante pour ouvrir de nouvelles perspectives pour la peinture à l’encre ou la peinture chinoise traditionnelle ? R : L’innovation technique est une voie nécessaire pour la peinture à l’encre. Quand j’ai commencé à créer, je voulais aussi faire une percée technique, essayant toutes sortes de méthodes de peinture pour transmettre les scènes infiniment changeantes de la nature, donc je me suis concentré sur la recherche des méthodes de peinture. Plus tard, j’ai réalisé que l’expression technique est fortement limitée par les matériaux et les outils, donc j’ai recommencé à expérimenter avec le papier, le pinceau et les pigments. Après une longue période d’exploration, j’ai abandonné « l’intention d’innovation » en peinture, et je suis passé de l’intention picturale du créateur lui-même au paysage lui-même, laissant le paysage parler par lui-même.

Lorsque je voyage, fais des croquis et contemple tranquillement les paysages de Taïwan, les paysages me racontent progressivement plus de messages qu’auparavant — pas seulement les changements saisonniers des nuages et du brouillard, mais aussi la naissance, la vieillesse, la maladie et la mort de la transformation de toutes choses, et aussi... Il y a là un espace de création infini. À partir de cet espace de création, le thème qui émerge me présente l’image entière de la peinture, et cette image a une forme, une couleur et une touche. Donc, quand je peins, je n’utilise pas beaucoup de techniques, de matériaux et de expérience pour atteindre le but de la création. Je laisse les paysages de Taïwan eux-mêmes me dire ce qu’ils sont, ce qu’ils présentent et racontent, et grâce à eux, j’obtiens aussi le médium de création — la méthode de peinture.

Quand on examine attentivement vos œuvres, la peinture entière est mostly constituée de points serrés et de fines lignes ou de couches de lavis superposées. Cette technique de création innovante fusionnant peinture occidentale et orientale, proche des caractéristiques pointillistes de l’impressionnisme ou du néo-impressionnisme, pourquoi ? Quel est votre avis ? R : La peinture de paysage de la dynastie Song est un classique de la création à l’encre. Des œuvres célèbres comme « Voyageurs parmi monts et rivières » de Fan Kuan et « Début du printemps » de Guo Xi m’ont beaucoup inspiré. La composition et la technique des rides en gouttes de pluie utilisées dans « Voyageurs parmi monts et rivières » m’ont inspiré deux concepts très importants pour la création : premièrement, placer le sujet à l’endroit le plus prominent de la composition ; deuxièmement, utiliser les rides en gouttes de pluie les plus simples pour peindre pourtant des montagnes imposantes et majestueuses.

Ensuite, j’ai essayé d’utiliser le trait le plus simple, le « point », comme base tonale de la création, étendant le « point » à toute la peinture ; c’est-à-dire utiliser le « point » comme fondation pour la lumière, l’ombre, l’espace et la structure formelle de la peinture de paysage, puis développer à partir de cette base constituée de « points » la touche, la couleur, les couches de lavis, etc. Toutes ces actions n’ont qu’un seul aim : conduire à l’interaction entre le paysage objectif et le paysage mental, et cette interaction aller-retour est justement le langage de la création de paysage.

Dans les œuvres « Herbes marines de Kenting » et « Col de Xiding à Alishan », on peut voir plus clairement cette interaction et ce dialogue. Donc, ma méthode de peinture par « points » et la méthode pointilliste impressionniste peuvent sembler similaires par certains aspects, leur apparence peut ressembler, mais leur esprit et leur contenu sont complètement différents.

En fait, la « méthode de peinture » de l’encre est une technique, mais aussi une méthode de l’esprit. Je l’explique par ma propre expérience : en 1985, j’ai terminé le croquis au crayon de la Grotte aux neuf détours de Taroko. De retour chez moi à Tainan, j’ai réfléchi à comment l’exprimer. En mars de l’année suivante, j’ai commencé à peindre la Grotte aux neuf détours. Je me souviens de l’état d’esprit du premier coup de pinceau : le cœur comme un miroir d’eau, le mouvement du pinceau ni pressé ni lent. Ensuite, à chaque coup de pinceau, l’humeur était comme au premier coup, et cela a duré trois mois, jusqu’à l’achèvement de la peinture. Et tout le processus de peinture n’a utilisé qu’un seul petit pinceau de type « Shanma », sans techniques variées ou complexes. Grâce à cette expérience, j’ai compris que la « concentration » du corps et de l’esprit seule permet à la création de se approfondir et de durer ; et que c’est grâce à cette simple méthode de rides en gouttes de pluie que l’on peut dévoiler les mystères de la création dans les paysages, à l’image de l’art visuel numérique, dont les gènes de composition ne sont que de simples 0 et 1.

Vos œuvres n’ont manifestement plus le style, la composition, le cadrage et les symboles de la peinture à l’encre traditionnelle. Dans des atmosphères de paysage vaporeuses, spacieuses, et des scènes au rythme dynamique, entre figuratif, abstrait et imagé, cela semble si unique. Pouvez-vous nous parler de votre expérience personnelle de création, et de l’état d’esprit et de l’humeur présentés par l’image ? N’est-ce pas là le vrai contenu de votre art ? R : C’est effectivement une question assez complexe. L’œuvre elle-même cache les pensées de l’auteur. L’esprit et l’humeur présentés dans la création changent aussi souvent avec la croissance et l’expérience de la personne. Et mes pensées et réflexions sont profondément influencées par le taoïsme, le bouddhisme et la foi chrétienne, et à travers leurs enseignements, elles révèlent dans les œuvres ma propre compréhension de la vie et de l’art.

Au début de ma création, j’étudiais la médecine traditionnelle, la géomancie, la méditation assise et d’autres théories anciennes, pensant especially que la théorie des « Cinq éléments et Six souffles » pouvait s’appliquer à toute chose entre ciel et terre. Prenons la « couleur » par exemple : les cinq éléments sont métal, bois, eau, feu, terre, représentant les cinq couleurs : le métal est blanc, le bois vert, l’eau noir, le feu rouge, la terre jaune — exactement les trois couleurs primaires plus le noir et le blanc, couvrant toutes les couleurs, ce qui correspond aussi à la théorie moderne des couleurs. Donc, envisager la nature et les paysages selon la pensée des « Cinq éléments et Six souffles » permet au créateur de voyager en esprit dans le paysage, de contempler paisiblement les souffles du paysage. Parcourir les veines de souffle du paysage, discerner leur orientation, s’appelle « chercher le dragon ». Après avoir observé les veines de souffle, on les assortit avec les cycles temporels, « choisissant » son propre espace-temps sélectionné, c’est « utiliser l’esprit ». Ainsi, contempler la création du ciel et de la terre, chercher le dragon et utiliser l’esprit, suivre la nature sans agir, l’être et le non-être résidant dans le cœur — cela permet au croquis de paysage d’exister entre vide et réel, avec croissance et déclin, entrée et sortie, sans tomber dans des paroles en l’air. C’est-à-dire qu’en observant les souffles du paysage, on comprend la vitalité du changement des phénomènes naturels, et cette vitalité est l’opportunité de la création de paysage. Il faut peindre du vivant, pas du mort.

Plus tard, sous l’influence de la pensée bouddhiste, toute ma réflexion picturale a changé. L’enseignement du « les choses ne changent pas » m’a fait comprendre, dans l’écosystème naturel en perpétuel changement, la vision immuable de toute chose. Donc, dans le croquis de paysage, j’ai acquis une perspective supplémentaire. Avant, je me considérais comme faisant un avec le paysage ; maintenant, c’est la vision de la liberté bouddhiste. Grâce à ces deux expériences, je peux contempler le « être » du paysage naturel, comme les cinq couleurs, et aussi contempler son « non-être », comme la vacuité des formes. L’interreflet de ces deux états d’esprit permet à la création de paysage d’avancer, mais aussi de reculer.

Cependant, le changement le plus important dans mon parcours créatif est survenu le 18 mai 1989, lorsque j’ai rencontré Jésus-Christ. Jusqu’à maintenant, après des années d’initiation dans la foi, j’ai acquis une nouvelle attitude envers la création : l’art ne donne pas de « réponses » au spectateur, l’art est un dialogue, une « révélation » intérieure.

Dans la révélation de « l’incarnation » de Jésus-Christ, j’ai compris une union : celle de « Jésus », personne réelle dans l’histoire, et du « Christ », nature divine dans la foi. J’applique cette perception à la création : « Jésus » est comme l’entité réaliste et figurative dans la création, et « Christ » est l’esprit suggestif et abstrait dans la création. Le réalisme sans contenu suggestif et abstrait limiterait le niveau de créativité artistique ; s’il n’y a que l’intention suggestive et abstraite sans base réaliste et figurative, la création deviendrait vaine et détachée. Ce n’est que lorsque les deux fusionnent que la création peut avoir une vie réelle et mature.

De plus, grâce à la foi chrétienne, j’exprime aussi mes sentiments pour Taïwan dans le thème de la création de paysage, prenant par exemple la création « Marais salants de Budai ». Les marais salants de Budai sont un endroit que j’aime beaucoup. En allant au nord de Tainan par la route 17, après Xinhun, apparaît une étendue de marais salants s’étirant sur plusieurs kilomètres, vastes et calmes, simples et naturels. Je vais souvent aux marais salants de Budai pour dessiner, photographier, me promener, regardant les marais salants présenter différents niveaux de changement et de paysage selon les moments et les lieux.

Dans mon imagerie picturale, je considère toute la terre des marais salants comme un tabernacle de Dieu, et j’associe les paysages des marais salants à différents moments et lieux avec le concept de tabernacle. Dans le temps et l’espace où l’esprit de Dieu opère, se souvenant de l’histoire centenaire des marais salants, écrivant la sueur et les espoirs des sauniers. Ainsi, après combien de jours de soleil et de pluie, cette terre de prospérité et de déclin a été formée, tous les souffles circulant dans le temps et l’espace sont gravés dans chaque pouce de terre sous le regard de Dieu. Le lui faire face, c’est comme voir l’esprit de sacrifice des pionniers, laissant dans le cœur un sentiment de chérissement. Ce sentiment m’a fait retrouver l’« amour » initial dans la création.