Hsu Yu-Jen – Le Don Quichotte du monde de l’art taïwanais

Au fil de l’eau du temps…

Chercher la fleur solitaire

Boire seul sous le ciel, à l’intérieur et à l’extérieur du cœur.

Zhang Jinlian

Avant-propos par Chen Chi-Hsiang : Hsu Yu-Jen (né en 1951) est l’une des figures les plus singulières et indépendantes du milieu artistique taïwanais, surnommé « le pied bizarre ». Peintre rare maîtrisant l’huile, l’encre, la poésie et les médias mixtes, il possède une sensibilité naturelle, un style épuré et introverti, ainsi qu’une intuition perçante et une volonté inébranlable. Issu d’un environnement difficile dans la région saline de Jiali à Tainan, élevé dans une famille d’aquaculteurs, il a hérité du caractère des gens de mer, de la simplicité des paysans et de la ténacité des ouvriers. Son apparence brute cache un cœur délicat et doux, animé d’une passion ardente pour la vie. Solitaire et bohème, il vit avec naturel, indifférent aux apparences, libre comme une mouette errant dans le vaste ciel de la vie.

Pour lui, l’art est un instinct, au même titre que respirer ou manger. Il navigue selon son propre flux conscient, affrontant les défis de toutes les possibilités de la vie avec une pureté et une maturité remarquables. Ses œuvres, qu’elles soient à l’huile, à l’encre ou poétiques, révèlent une forte originalité, un attachement local profond et une puissance primitive. On y sent l’odeur de la terre natale, le sel des vents marins et la simplicité rurale.

Surnommé le Don Quichotte du monde de l’art, Hsu Yu-Jen était mon aîné à l’Institut des Beaux-Arts. Dès l’école, il se distinguait comme un élément étrange, résistant à un système éducatif restrictif qui n’a fait que renforcer sa détermination. En 1979, lors de sa première exposition personnelle au Taipei American Cultural Center, j’ai été bouleversé par ses œuvres expressionnistes, notamment ses peintures noires brutales et une immense installation de journal suspendue formant un visage géant. Ces travaux, uniques dans leur contexte fermé, ont gravé son nom à jamais dans ma mémoire.

En 1985, parti pour New York, il a vécu une période de désillusion en tant que vendeur de bijoux, se sentant « emballé » et « courant dans une voiture ». Cette perte de soi est illustrée par son autoportrait « Debout sur un tas de pierres » (1989). De retour à Taïwan en 1990, il a repris vie en travaillant comme concierge à Taipei, retrouvant la joie de créer. Ses toiles de cette époque, brûlantes et chaotiques, explorent la mémoire personnelle à travers des fleurs, des villes et des paysages intérieurs. Le critique Wang Jia-Ji notait alors l’inconfort visuel et émotionnel provoqué par ses touches vibrantes et colorées.

La croissance économique a permis à Hsu de vivre de sa peinture. Il s’est installé dans un atelier sans fenêtre à Hualien, puis à Sanzhi, où l’humidité et le froid sont devenus son alchimie créative. En 1996, il a exploré la peinture à l’encre, ouvrant une nouvelle perspective orientale. À partir de 2006, résidant à Beijing, il a confronté son art aux conditions extrêmes (froid intense, sable), peignant vêtu de multiples couches jusqu’à son manteau militaire vert. Cette expérience a intensifié sa pratique, mêlant huile et encre pour explorer l’état d’être.

Récemment, il a redécouvert la tradition de l’encre avec sa série « Une Fleur », la subvertissant par une approche originale. Après avoir perdu son fils, lui et sa femme ont lancé le « Projet Xuan Guang » pour soutenir la jeunesse. Nous nous sommes revus après trente ans, et j’ai pu voir ses œuvres majeures ramenées de Beijing.

Artiste complet maîtrisant poésie, calligraphie et peinture, Hsu défie les conventions. Sa création est un acte de libération pour découvrir son « vrai moi ». Ses œuvres oscillent entre figuratif, imagier et abstrait, reflétant une liberté totale.

Peinture à l’huile : Expression de l’existence Son travail est ancré dans la mémoire du lieu et de l’environnement. Influencé par Li Zhong-Sheng dans les années 1970, il développe une technique automatique. Dans les années 1980, ses œuvres semi-abstraites expriment une atmosphère sombre et oppressée. Dans les années 1990, ses thèmes (arbres, ruines) symbolisent sa croissance. Des toiles comme « Brique rouge » (1992) ou « La petite maison regardant le ciel » (1996) témoignent de sa conscience écologique et de sa solitude. Plus tard, des œuvres comme « Lotus flottant » (1999) ou « Pièges rouges/verts » (2003) mêlent sensualité et critique sociale. À Beijing, son style s’affine, intégrant des couleurs vives et des formes abstraites, culminant dans la « Série Plantes » (2007-08) où chaque fleur représente un univers.

Peinture à l’encre : Observation essentielle Hsu distingue l’encre de la peinture traditionnelle chinoise. Inspiré par ses croquis des années 1980, il utilise des traits fins et secs, brisant les conventions de l’humidité et du flou. À partir de 1995, il crée des structures géométriques naturelles, cherchant une « règle absolue » de l’encre. Vers 2000, son style devient plus lyrique et abstrait. La série « Calligraphie-peinture océanique » (2004) exprime sa nostalgie de Tainan. Après 2006, il développe une encre plus brute et symbolique, comme la série « Une Fleur » (2008), évoquant la résilience et la quête de l’essence. Comme le note Wu Ji-Tao, son œuvre est un voyage spirituel structuré, révélant une énergie vitale inépuisable.

Poésie : Image spirituelle Sa poésie, souvent humoristique mais mélancolique, accompagne sa peinture. Elle capture des moments d’existence, interrogeant la nature, le temps et la mémoire. Ses vers, tels que « L’eau coule sans trace… » ou « La mer m’a emporté… », reflètent une philosophie profonde et une connexion intime avec le monde naturel et l’infini.