Ye Zhu Sheng - L'Intime de la Peinture « Éveiller l'esprit, créer les paysages » exposition personnelle

« Nous ne créons rien, vraiment. Nous empruntons et recréons seulement. » Henry Miller (Note 1)

Texte par Chen Chi-Hsiang

Préface : Le développement de l'art taïwanais s'est largement construit en résonance avec les grands courants de l'art occidental. La peinture abstraite a transplanté l'évolution de l'abstraction occidentale pour mener des expériences d'enracinement local, intégrant ces éléments pour former de nouvelles expressions contextuelles. L'abstraction taïwanaise se divise en deux grands systèmes. Le premier, fondé sur la tradition culturelle chinoise comme les groupes Orient et Mai des années 1960, suit les idées artistiques de Li Zhongsheng. Ils ont initié l'art moderne occidental à travers l'esthétique orientale, cherchant à différencier leur approche des schémas et de l'esprit de l'abstraction moderniste occidentale. Une autre tendance, influencée par le style international de l'abstraction, inclut Lin Shouyu, Chen Zhengxiong ou Ye Zhu Sheng. Ces artistes, forts d'une riche expérience interculturelle, se sont pleinement intégrés aux courants artistiques occidentaux, développant sous le contexte culturel oriental un vocabulaire et un style personnels distinctifs. L'abstraction taïwanaise n'a jamais constitué une tendance dominante ni présenté de clivage nord-sud marqué ; elle se définit par des singularités individuelles.

Généralement, la peinture abstraite repose sur deux systèmes : le lyrisme subjectif et sensible, dont Ye Zhu Sheng est l'un des représentants majeurs ; et la structure mathématique rationnelle, incarnée de manière unique par le minimalisme de Lin Shouyu. À l'ère contemporaine et postmoderne, une nouvelle génération explore des abstractions hybrides et transversales, comme Xue Baoxia. Beaucoup de ces artistes, tels Yang Shiming ou You Kewen, ont vécu à l'étranger, notamment à New York ou Paris, et possèdent une riche expérience interculturelle. D'autres, comme Qu Deyi, Chen Shengsong et Zhang Zhengren, partagent également cette formation internationale. Ils naviguent entre sensibilité et rationalité, ordre et désordre, matière et esprit, conscience et subconscient, lyrisme et expression. Il est évident que l'art abstrait taïwanais penche majoritairement vers l'expression lyrique et sensible d'inspiration orientale, laissant peu de place à l'abstraction géométrique purement rationnelle.

Le véritable développement de la peinture abstraite taïwanaise trouve ses racines au début des années 1980, avec le retour d'artistes comme Lin Shouyu (Royaume-Uni), Zhuang Pu et Ye Zhu Sheng (Espagne). Ce mouvement coïncide avec l'avènement de l'ère des musées (comme le Musée des beaux-arts de Taipei en 1983) et précède la levée de la loi martiale. Sous l'impulsion de Lin Shouyu, revenu en 1982, qui a mené des expérimentations spatiales et abstraites locales, les concepts de l'art contemporain taïwanais ont été éclairés et leurs horizons élargis. Cela a engendré une tendance et une influence sans précédent pour le développement de l'art abstrait, dérivant d'une internalisation et d'une recréation locale de l'expérimentation picturale occidentale. Cette évolution a donné naissance à diverses orientations abstraites appelées « narration esthétique abstraite » (Note 2), transformant le visage multiple et les possibilités de développement de l'art abstrait local.

Ye Zhu Sheng, leader de l'art abstrait sensible : Le développement de l'art contemporain taïwanais entretient des liens uniques avec l'Espagne. Autour des années 1980, trois artistes formés en Espagne sont rentrés au pays : Chen Shih-Ming, Zhuang Pu et Ye Zhu Sheng. Ils ont apporté trois lignes de création et perspectives différentes : le dessin précis de Chen Shih-Ming, sa vision large de l'art occidental et son attitude face à la vie artistique ; le minimalisme, l'art conceptuel et l'exploration expérimentale de multiples espaces de Zhuang Pu ; et l'exploration des matériaux et médiums post-Dadaïsme, ainsi que les expérimentations et développements locaux de Ye Zhu Sheng. Ces apports ont eu une influence déterminante, servant de pont entre le passé et l'avenir, ouvrant la voie à une diversité de visages et de questionnements locaux après la levée de la loi martiale.

Ye Zhu Sheng (retour en 1982) s'est installé dans le sud de Taïwan, à Kaohsiung, retournant à ses racines pour approfondir son environnement et ses origines culturelles. Il cherche à concrétiser la création de formes et de contenus propres à cette terre. Grâce à ses expérimentations, internalisations et transformations de multiples matériaux et médiums, ainsi qu'à son attitude inclusive envers l'art, il a exercé une influence décisive et un rôle d'éveil auprès des jeunes peintres du sud de Taïwan, marquant le début d'une nouvelle ère pour le développement de la peinture matérielle et abstraite dans cette région.

Né en 1946, Ye Zhu Sheng est l'un des peintres abstraits les plus actifs de Taïwan et un leader de l'art abstrait sensible. Depuis plus de trente ans, il avance sans relâche avec un esprit pionnier, explorant continuellement de nouveaux domaines de la peinture expressionniste abstraite. De son early post-Dadaïsme à son abstraction lyrique actuelle, il expérimente avec des matériaux physiques pour explorer l'image intérieure, l'intention et l'abstraction, en élargissant les possibles. Dans cet espace d'expression vaste, le peintre utilise constamment sa conscience subjective pour explorer les mystères de la peinture. Ayant pris conscience de son autonomie dans le sud de Taïwan, il a réfléchi à la politique et à l'environnement qui lui correspondent, ancrant sa pensée localement. Libéré intérieurement, il laisse libre cours à son imagination, découvrant les images de l'âme ou les intentions du subconscient. Ses créations expressives génèrent un vocabulaire pictural personnel unique, plein de tension et d'énergie, devenant un style et un modèle novateurs dans le milieu artistique taïwanais. Le célèbre critique d'art français Marcelin Pleynet écrit : « La peinture, transformée par son matérialisme, produit un objet perceptif exprimant pleinement l'intelligence des forces de ces matériaux. Ainsi, l'artiste travaille objectivement dans les faits historiques. » (Note 3)

L'intime de la peinture « Éveiller l'esprit, créer les paysages » : Le paysage naît de l'esprit, l'intention change selon le paysage ; tout est créé par le cœur. Parmi toutes les manifestations, internes et externes — objets, figuratif, non-figuratif, image mentale, image étrange, intention, abstraction — chaque image est l'intime de la peinture. « Éveiller l'esprit » signifie pour le peintre une création basée sur la volonté libre et la conscience autonome. « Créer les paysages » structure divers contextes et champs, touchant à l'essence du cœur. Éveiller l'esprit implique de pointer directement vers l'esprit intérieur ou les échos venus des profondeurs de l'âme. À travers une conscience subjective et l'inconscient, le peintre fait émerger toutes les formes possibles et les couleurs intuitivement expressives, transformant le paysage en un univers cosmique, révélant les mystères de la vie. Comme l'écrivait Mondrian : « La vie intérieure et ses puissantes forces actives déterminent la forme artistique. Lorsque l'art exprime l'immatériel, il n'a qu'un seul sens, car c'est ainsi qu'il offre à l'humanité la possibilité de se transcender. » (Note 4)

L'exposition personnelle présentant les nouvelles œuvres « Éveiller l'esprit, créer les paysages » de Ye Zhu Sheng poursuit la série « Environnement spirituel ». Elle explore l'intériorisation des images mentales et les intentions issues des échos profonds de l'âme, ainsi que le vocabulaire abstrait métaphysique. Tout cela ressemble aux sons célestes d'une sérénité intérieure, invitant le public à ressentir un appel spirituel et à percevoir une beauté rythmique et mélodique hors norme. Cela révèle que la vie contient de nombreuses perceptions ressenties mais indicibles ; c'est là l'intime de la peinture, surtout face à l'art abstrait. Comme le disait Braque : « L'art est ce qui rend mal à l'aise ; la seule chose à faire est : on ne pourra pas expliquer. » (Note 5)

La série récente « Environnement spirituel » marque une continuité et une ouverture. Le peintre, grâce à sa clairvoyance intérieure et son instinct, se libère encore plus qu'auparavant. Pour Ye Zhu Sheng, l'abstraction est un appel infini et inépuisable de liberté, capable d'atteindre la nature et le contenu cachés sous les apparences extérieures. Maîtrisant parfaitement sa technique, sa caractéristique majeure réside dans des formes autonomes, des couleurs riches et vibrantes, des coups de pinceau énergiques, des lignes fluides, brutales ou délicates, des graffitis passionnés, des traces naturelles et détachées, des rythmes de forme et de couleur, des textures tactiles, des assemblages matériels ingénieux. Passionnée, cette œuvre porte une émotion interne abondante, dégageant une sensualité remarquable, naturelle et détachée, lyrique et poétique, offrant au spectateur un espace d'imagination libre et un monde de méditation.

Interprétation des nouvelles œuvres « Environnement spirituel » : La série récente est plus miniaturisée, élégante, pure, lyrique, harmonieuse et abstraite. Les signes symboliques du passé s'estompent, simplifiant le complexe. La conscience domine le subconscient, la raison apprivoise l'instinct, l'ordre structure la logique, la modération régule la passion, l'élégance conquiert la spontanéité, et la rationalité calme remplace la sensualité excessive. Les surfaces colorées géométriques dominent la composition brute, le plan vainc la profondeur, et des blocs de couleur paisibles forment l'état mental, remplaçant l'espace matériel par un champ spirituel, entrant dans un monde de méditation. À travers ces nouvelles œuvres vivantes et libres, on perçoit que Ye Zhu Sheng continue d'approfondir et d'élargir son style pluriel. Outre le lyrisme abstrait et la peinture matérielle, ses créations récentes font émerger des peintures monochromes et géométriques de surfaces colorées.

Les peintures monochromes énigmatiques : La couleur ne constitue plus seulement le corps de la peinture, mais devient un espace de méditation. Comme dans « Environnement spirituel 61 », un rose séduisant, plein d'énergie, éveille une spiritualité dans le silence. « Environnement spirituel 70 » présente un noir à richesses stratifiées, contenant l'expérience de la vie et pointant vers une conscience profonde. « Environnement spirituel 72 » offre un bleu azur mystérieux, évoquant les merveilles de l'univers. Gauguin disait : « Les stimulations sensorielles que nous donnent les couleurs sont elles-mêmes un mystère ; logiquement, on ne peut les utiliser que comme un mystère. Chaque fois, utiliser la couleur n'est pas pour décrire, mais pour saisir le sentiment musical qui découle de la couleur elle-même. La qualité de la couleur est intérieure, mystérieuse, dotée d'une force énigmatique. Grâce à une harmonie raffinée, on peut créer des symboles. La couleur vibre comme la musique, capable de toucher les forces internes les plus universelles, omniprésentes et vastes de la nature. »

Les peintures géométriques de surfaces colorées : La rationalité ne se contente pas de discipliner le désordre, elle éveille aussi la conscience spirituelle. Comme dans « Environnement spirituel 59 », une division géométrique rigoureuse en trois tiers, contrastant rouge et brun foncé, illustre l'équilibre entre matière et esprit. « Environnement spirituel 60 » sépare le bleu clair et le bleu azur par une ligne blanche centrale, dessinant temps et espace sous des lignes géométriques contrastées. « Environnement spirituel 62 » construit une grille de type échiquier en neuf cases, suggérant divers états d'existence, tandis qu'une croix centrale indique le champ spirituel. Kandinsky écrivait : « L'art pictural est constitué de facteurs concrets de forme et de couleur, qui deviennent plus expressifs dans leur combinaison et construction. » Malevich affirmait : « Dans la création picturale, ce qui est le plus précieux est la couleur et l'organisation, qui constituent l'essence de la peinture. »

Le lyrisme abstrait expressif : Sous la domination de l'instinct et du subconscient, les pensées et émotions internes abondantes galopent librement, exprimées intuitivement à travers l'expérience personnelle. Comme dans « Environnement spirituel 40 », un ciel et terre brun-rouge, ornés de lignes blanches musicales et de notes bleues, composent un mouvement à la fois beau et poétique. « Environnement spirituel 52 » utilise des textures épaisses et matérielles de noir, brun foncé et brun-rouge, contrastées par des dilutions au solvant, manifestant un sentiment interne de vitalité. « Environnement spirituel 58 », sous une lumière jaune éclatante et des lignes de graffiti improvisées, capture la sensation de passion interne. Dubuffet disait : « La peinture est un langage instinctif, plus direct que les mots, plus proche du cri et de la danse. C'est une expression de notre langage intérieur, plus efficace que les mots. » Klee ajoutait : « L'art ne consiste pas à rendre visible ce qui existe, mais à créer ce qui est visible. »

La peinture matérielle : Issue des explorations post-Dadaïsme, domaine privilégié de Ye Zhu Sheng, elle utilise du sable fin, du plâtre, des branches, du tissu et de la poudre de couleur. La matière est à la fois texture, forme, couleur et grain, mais aussi énergie. Le peintre déclare : « Les matériaux et textures eux-mêmes possèdent un vocabulaire artistique fascinant, pouvant être utilisés seuls pour exprimer l'essence de la matière. » Internalisée, la matière devient intention et symbole. Dans « Environnement spirituel 53-54 », le calumet de fumée noir symbolique et la figure humaine blanche stylisée sont construits par mélange de sable fin et application épaisse, générant une énergie texturale tactile, privilégiant la suggestion à la description. « Environnement spirituel 75-76 » va au-delà des couleurs épaisses et des collages de peaux colorées variées, utilisant même les tubes de peinture vides et les couvercles de pots comme traitement matériel, confirmant l'harmonie interne et la procédure de construction du monde intérieur, faisant référence de manière métaphorique à l'extérieur de l'intention ou dissimulant des mécanismes secrets.

Le même n'est pas toujours identique : Le nouveau est-il toujours nouveau ? Francis Picabia plaisantait : « Tous les crocodiles sont mes amis, cependant, il n'y a pas de distinction entre crocodiles modernes et anciens. » Alphonse Karr ironisait davantage : « Le nouveau est souvent nouveau, mais il est vieux comme le monde. » Surtout après la modernité ou la postmodernité, le nouveau vin dans de vieilles gourdes a un goût intense et complexe. Clairement, dans ce contexte globalisé où la Terre est plate, les cultures anciennes et modernes, orientales et occidentales sont des ressources communes aux citoyens du monde. Chacun se tient sur les épaules de la civilisation pour continuer et ouvrir de nouvelles voies. La création artistique ne fait pas exception ; dans leur commonalité et leur différence, ils montrent leur unicité. Le lyrisme abstrait de Ye Zhu Sheng s'inscrit dans ce contexte. Henry Miller écrivait : « Nous ne créons rien, vraiment. Nous empruntons et recréons seulement. »

Depuis l'Antiquité, différentes régions, races (ou ethnies) ont des visions de la vie et de l'univers, voire des valeurs différentes. Des points de vue culturels différents sont inévitables, comme le montre clairement la linguistique mondiale classifiée. L'artiste contemporain français Ben (Ben Vautier) estimait déjà dans les années 1980 : « La prochaine innovation artistique sera d'assumer sa propre langue, sa culture et sa race. » Ben considérait que la « différence » raciale est un élément incontournable de l'art globalisé actuel. Dans sa conception de la relation entre la vie et l'art total, le nouveau et le différent sont les valeurs principales et l'unicité distinctive.

L'expérimentation et le développement locaux sont devenus une autre discipline majeure dans l'exploration de l'art globalisé. Emprunter, détourner, recréer, transformer et fusionner les frontières deviennent une nouvelle vitalité créative, ouvrant un nouveau horizon de mondialisation locale. Les anthropologues américains Sapir et Whorf ont également souligné : « Derrière chaque langue se cache une logique de pensée et des valeurs culturelles uniques, dont les utilisateurs sont profondément influencés et dominés. » Il est évident que le lyrisme abstrait de style international de Ye Zhu Sheng a une valeur et une unicité significatives pour l'enracinement local. Il utilise l'art de la peinture abstraite comme annotation et interprétation du local et du global. Dans son expressionnisme abstrait distinctif, si le public observe attentivement les œuvres, dépasse l'image, entre en méditation, ferme les yeux pour ressentir et écoute la voix intérieure, il expérimentera ce qui dépasse la normale. Comme le disait Ad Reinhardt : « Ce qui n'est pas présent est plus important que ce qui est présent. »

Les groupes humains et les régions ont chacun leurs points de vue culturels. La même lune raconte des histoires différentes, le même soleil offre des perspectives différentes, le même coucher de soleil crée des contextes différents. Le même être possède différentes énergies. Le même n'est pas toujours identique ; il y a des implications catégorielles. Tout se déroule dans l'atmosphère de cultures, coutumes et environnements propres, où la différence devient une valeur réelle. Le grand écrivain du XXe siècle D.H. Lawrence écrivait : « Chaque continent a son propre grand esprit local, chaque nation a ses caractéristiques locales ; c'est la maison, c'est la patrie. Sur cette terre, différents lieux ont différentes vitalités, différentes vibrations, différentes odeurs chimiques, différentes étoiles, différentes propriétés. Vous pouvez l'appeler comme vous voulez, mais l'esprit local est une réalité grande. » Effectivement, les œuvres de Ye Zhu Sheng partagent une universalité transfrontalière avec l'expressionnisme abstrait lyrique occidental, mais possèdent également une réalité spirituelle locale et une différence unique de pensée culturelle orientale. Sous son attitude face à la vie et sa philosophie de l'existence, Jonathan Swift disait : « L'art est la transmission de la vision de l'invisible. » Cette réalité locale invisible et cette pensée sont profondément cachées dans ses œuvres. Comment les expérimenter et les décoder ? Cela dépend de la sensibilité et de la profondeur de chacun. Comme je le dis : « Le même n'est pas toujours identique. »

Notes : Note 1 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p18, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 2 : Expérience « Abstraction-Espace » à Taïwan dans les années 1980, texte curatorial de Wang Pin-hua. Note 3 : Référence à la carte didactique du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou - carte support surface française. Note 4 : Expression spirituelle de la nature et révélation de l'essence - brève évaluation de l'art pictural de Ye Zhu Sheng, p12, Gong Yunbiao, Shanghai Art Museum, Centre d'art Youxian, 2009. Note 5 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p72, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 6 : Référence à la carte didactique du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou - carte Kandinsky. Note 7 : Référence à la carte didactique du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou Suprématisme - carte Malevitch. Note 8 : Référence à la carte didactique du Musée national d'art moderne du Centre Pompidou - carte Dubuffet. Note 9 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p30, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 10 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p30, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 11 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p56, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 12 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 13 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p70, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991. Note 14 : Citation - Forum des questions, Ben Vautier, p17, Centre Pompidou, Paris, novembre 1991.