Lin Hongwen – Le poète des arts

« Qui sait ce que sont ces formes abstraites ? Ce sont probablement celles de la nature. » Wassily Kandinsky (Note 1)

Par Chen Chi-Hsiang | Préambule : Les facteurs de la ville de Fu Cheng

Lin Hongwen (né en 1961 à Rende) est l’un des artistes les plus actifs de Formose du Sud et de la ville de Fu Cheng. Homme de réflexion, passionné par l’art et la vie, il a appartenu au mouvement « Nouveau Style du Sud de Taïwan » (Note 2). Avec Huang Hongde et Yan Dingsheng, il forme les « Trois Épées » de Fu Cheng, figures indépendantes qui ont enflammé l’art moderne après la levée de la loi martiale dans le sud de l’île, notamment par leurs images intuitives et leur peinture abstraite. Tous trois originaires de Tainan, ville riche en humanité, ils étaient camarades à l’École normale d’arts, avant et après la réforme, et piliers du groupe de peinture « Nouveau Style du Sud de Taïwan » (Huang Hongde en étant l’âme). Leur création s’enracine dans la capitale historique, cette ville imprégnée d’esprit humaniste, devenant le champ d’énergie et la source spirituelle de leur travail. N’ayant jamais étudié à l’étranger ni quitté leur patrie – Fu Cheng –, ils ont mené, avec un esprit d’aventure, une expérimentation concrète de l’art moderne local. Guidés par la sensibilité et l’instinct, ils se sont orientés vers l’exploration moderniste, transformant et intériorisant le monde naturel pour créer, par la fermentation du sens et de l’émotion, des formes et contenus naturels et spirituels propres à cette terre. En examinant les facteurs internes, en développant la conscience subjective et les instincts latents, et animés par un romantisme sincère, ils ont scruté les images et mentalités de l’écriture spirituelle intérieure, cherchant à capturer la vérité intérieure. Huang Hongde et Lin Hongwen ont particulièrement ouvert une voie nouvelle dans la peinture lyrique abstraite insulaire, créant un vocabulaire artistique personnel et distinctif, devenant les fruits nouveaux les plus uniques du contexte abstrait international local.

L’explorateur de la conscience – Lin Hongwen : Parmi les Trois Épées de Fu Cheng, Lin Hongwen est le plus dynamique et vital, offrant une production la plus diversifiée et variée. Audacieux, il façonne son art selon son environnement de vie local, explorant les matériaux naturels tels que le bambou flottant, et franchissant les frontières disciplinaires. Sous l’impulsion de sa volonté libre, il avance sans relâche pour étendre de nouveaux domaines artistiques. Fait rare, chaque phase de sa carrière voit naître des œuvres transformatrices. Il déclare : « Je n’aime pas regarder en arrière, car la création est comme un train filant vers l’infini » (Note 3). Il pénètre dans les mystères inconnus de la conscience ; « Avancer simplement parce qu’on ne sait pas », il explore sans hésiter les confins de l’art. Ses œuvres sont particulièrement lyriques, imprégnées de littérature et de poésie, présentant concrètement la compréhension du champ de vie et de l’environnement naturel. Tel un poète des arts, tantôt chantant haut, tantôt murmurant, il exprime librement ses sentiments. D’une part, il persévère dans sa terre natale – le jardin culturel riche de Fu Cheng –, approfondissant continuellement l’esprit et la réalité locaux à travers l’expérience quotidienne et naturelle. D’autre part, il vit en nomade libre, accumulant des expériences créatives à l’étranger : résidences d’artistes, camps internationaux de sculpture et expositions à Hong Kong, Macao, Bali (Indonésie), jusqu’à la «arrière-cour» américaine du Vermont, puis au Québec canadien. Tout au long de ce parcours, il continue d’oser et de défier, s’ouvrant et se métamorphosant, entrant sur la scène internationale pour laisser le monde entrer chez lui, élargissant ainsi son horizon et ces précieuses expériences culturelles, renaissant des cendres avec une vitalité créative infinie.

L’art de Lin Hongwen est abstrait, qu’il s’agisse de peinture, de sculpture ou d’installations dans la nature. Comme le vocabulaire poétique de son écriture sensible, il flotte avec la perception du temps, de l’espace et du lieu, racontant les émotions riches de l’intérieur de la vie et les profondeurs subtiles de la conscience, révélant une énergie spirituelle élégante sous une apparence silencieuse. Son territoire artistique commence par la peinture plane ; il utilise une écriture spirituelle, des images intuitives et mentales fines et délicates pour narrer les perceptions de la vie quotidienne et les sensations latentes dans la nature. Entrant dans l’art public tridimensionnel – la sculpture en fer –, il condense, dans des volumes denses et simplifiés, l’environnement naturel et la conscience humaine. Enfin, il élargit les installations naturelles et l’art environnemental, saisissant la relation intime entre l’espace existentiel, la nature, l’écologie et l’humanité, dialoguant avec l’espace environnant. Des installations architecturales en forme de monument racontent l’utopie de la vie et la réflexion sur soi, allant jusqu’à fusionner avec l’art vidéo pour explorer les contextes intérieurs et extérieurs inconnus et les champs spirituels, validant la nature de l’existence et de la conscience. Il vise à passer du plan au volume, de la nature à l’environnement, de l’espace physique tridimensionnel à la perception spirituelle quadridimensionnelle.

Peinture abstraite lyrique et sensible : Le « Nouveau Style du Sud de Taïwan » ne se contente pas d’expérimenter localement, mais explore largement tous les matériaux et expressions possibles (influencé ici par Ye Zhusheng). Au début des années 80, Lin Hongwen utilise une grande variété de matériaux : papier carbone, encre, plâtre, résine, plaques acryliques, toile de jute, papier coton, quincaillerie, etc. Les œuvres de cette période tendent vers l’abstraction matérielle. Il estime : « Les matériaux ne sont qu’un moyen d’atteindre un certain état de repos de l’âme » (Note 4). De manière évidente, les matériaux deviennent le médium où s’impriment les traces laissées lors de l’échange entre les espaces matériel et spirituel.

Dans les années 90, Lin Hongwen rejoint rapidement la pure picturalité. La couleur devient non seulement le corps et l’énergie de la peinture, mais les traits et traces portent également l’émotion intense du peintre. Il aime souvent utiliser des couleurs audacieuses, fines, appliquées en couches minces, fluides et pénétrantes : de grands aplats de bleu, de gros blocs de noir, de larges zones de gris, de grandes masses de vert ou de rouge. Comme l’écrit Kandinsky : « Le point et la ligne, libérés de toute finalité explicative ou utilitaire, possèdent leur propre identité essentielle ; leur expression est plutôt celle de la couleur » (Note 5). Sur des surfaces colorées silencieuses,latenceent souvent des traits d’écriture spirituelle, des halos subtils, des nuages colorés éthérés et pénétrants, des formes naturelles indistinctes et des symboles indéfinis. Ainsi, en 1993, « Ciel libre » montre un ciel bleu envoûtant, traversé par de légers nuages noirs fins ; dans le coin droit, une ombre noire révèle un halo. En 1996, « Laissez-moi façonner », un univers gris-bleu profond laisse apparaître quelques traits de ciel bleu et une touche de lumière blanche lyrique. En 1997, « Aube du Sanctuaire », un ciel bleu royal traversé par une épaisse ligne noire, présente lyriquement le champ du sanctuaire et l’image matinale ; l’œuvre est délicate, pleine de mystère et d’une atmosphère poétique, invitant à la réflexion.

En 2001, « Deux petits angles triangulaires plans » et « Points d’encre horizontaux plans supérieurs et inférieurs », ainsi que la série d’œuvres sur papier « Nouveaux paysages » de 2002, libèrent la spontanéité sous des formes minimalistes noir et blanc, utilisant la forme pour exprimer « le vide contient le réel, le réel contient le vide ; le vide extrême devient réel, le réel extrême devient vide », transmettant une vision métaphysique. Ils entrent rapidement dans la pensée et le contexte de la peinture zen orientale spirituelle. À travers des traits occasionnels, désinvoltes et libres, et une écriture spirituelle aléatoire, comme dans les séries « Sans titre » de 2004 et 2005, qu’elles soient en aplats de couleur ou en compositions doubles, elles sont appliquées en couches minces, fluides et pénétrantes, avec une poésie latentente et une traversée sans limites. Des formes intuitives et simples, sans aucune affectation. L’accidentel, l’inattendu ou l’insouciant deviennent pour lui la nature la plus exigeante, des images paisibles et heureuses qui constituent le corps de la peinture. Parce qu’elle n’est pas artificielle, elle est pure ; parce qu’elle n’est pas calculée, elle est précise ; parce qu’elle n’est pas affectée, elle est libre. Cette attitude créative fluide, ce vocabulaire formé naturellement, est l’aspect abstrait unique de Lin Hongwen.

En 2007-2008, « Illusion sans fleurs », des peintures en forme de monument, suscitent des vagues émotionnelles infinies sur de vastes surfaces gris-vert. De grandes touches irrégulières de nuages bruns-noirs remplissent le champ visuel, d’où émerge un cercle lumineux mystérieux, tandis que les coins gauche et droit mêlent des bleus-gris pénétrants, accompagnés de quelques traits désinvoltes et libres. Une structure rigoureuse joue, grâce à la couleur et à la forme, une symphonie spirituelle grandiose. En 2008, « Te dire », œuvre pleine de nostalgie, montre sur un fond rose romantique une image floue et symbolique peinte de « Elle », évoquant rêveusement des souvenirs et des récits sur « Elle ». « Le vent attendu par le cœur », écriture de l’état d’esprit, présente des traits de graffitis noirs désordonnés mêlés à des traces d’encre coulées et pénétrantes, exprimant les sentiments noirs et blancs du peintre face à l’absence. « Sentiments de fin d’hiver », de grands aplats verts transparents et quelques formes rouges irrégulières et fluides sont très lyriques, enfermant dans l’hiver la passion et l’amour intérieurs. « Permission tacite », de grands blocs gris-noir, au sein d’une masse noire, une petite ligne blanche horizontale, un petit trait blanc oblique et un point blanc révèlent la lumière lointaine et inaccessible de l’univers, racontant l’espace-temps infini et les émotions illimitées.

En 2009, « Fleurs tombées », « Attendre Lui », « Attendre Toi » et « Traces de style cardiaque », utilisent les traits de l’encre chinoise et des compositions minimalistes pour s’approcher de la conscience existentielle et de la nature de la vie. À partir de « Te dire », « Le vent attendu par le cœur », « Sentiments de fin d’hiver », « Attendre Lui », « Attendre Toi » ou « Fleurs tombées », qu’il s’agisse du thème ou de la peinture, elles relatent des poèmes d’amour du peintre, exprimant son cosmopolitisme et son état d’esme existentiel. De manière évidente, les œuvres de Lin Hongwen demandent au spectateur d’entrer dans des contextes invisibles mais perceptibles pour percer le monde émotionnel intérieur. Comme l’indique Le Petit Prince : « On ne voit bien qu’avec le cœur. L’essentiel est invisible pour les yeux. »

La peinture de Lin Hongwen naît d’un contact direct avec la nature et d’une contemplation immédiate de la vie. Partant du sentiment et de l’impression, sous l’effet de l’intuition, de l’instinct et de la sensibilité, elle traverse l’inconscient et l’expression spontanée pour transformer des formes indéfinies, des lignes improvisées, des couleurs intuitives et des espaces ingénieux en contextes métaphysiques de son, lumière, ombre et image. Elle verse les sensations immédiates du peintre, exprime son énergie et raconte ses émotions ; la toile devient un espace de repos spirituel intérieur et un champ de conscience. En intériorisant la nature, elle transforme la pensée abstraite en images concrètes, visant à révéler la conscience fondamentale de la vie. Cette peinture précise dans le chaos est à la fois lyrique et sensible, délicate et poétique, située entre l’image, la mentalité et l’abstraction. Ses peintures sont souvent le fruit de sensations et de compréhensions personnelles, racontant la condition du peintre face au ciel, à la terre et aux affaires humaines dans sa vie quotidienne, ou les dimensions de l’existence de la vie, recherchant la vérité intérieure. L’artiste affirme : « Mes peintures ne sont absolument pas abstraites, ni difficiles à comprendre » (Note 6).

Sculpture en fer moderniste : Lin Hongwen est l’un des rares artistes taïwanais à pratiquer la sculpture en fer, commençant au milieu des années 90. L’artiste dit : « Quand j’étais en troisième année primaire, mon père m’a offert un poste à souder comme cadeau. Depuis, il est devenu mon jouet et mon outil ». On peut imaginer que la sculpture en fer n’était pas si accidentelle ; elle est devenue naturellement une autre dimension possible de sa création. Presque toutes ses sculptures en fer sont debout, atteignant le plafond et les pieds au sol. Dans une structure moderniste linéaire et simplifiée et des signes, elles se situent entre l’image naturelle et l’abstraction. L’artiste explique sa sculpture : « La sculpture tridimensionnelleessence est un message trouvé dans la méta-pensée déjà établie de la peinture, introduit dans la dimension spatiale humaine » (Note 7).

La première sculpture en fer de Lin Hongwen, « Vers l’avant », apparaît en 1996. De style moderniste, elle est formée par soudage de nombreuses tôles irrégulières, avec un corps linéaire simple et fluide, plein d’images naturelles, semblable à des oiseaux volant joyeusement, se reposant sur un socle rectangulaire en bois. Rapidement, la verticalité devient la norme et l’apparence de sa sculpture en fer. En 1988, « Forme plate verticale » à la façade bifurquée ouvre une signification sculpturale en fer entre géométrique et non-géométrique, naturel et non-naturel, primitif et moderne, image et abstraction. L’année suivante, les séries « Forme base », « Forme Helí » et « Forme parallèle supérieure » sont des variations linéaires multiples, interprétant la texture du fer et les émotions de l’artiste entre lumière et ombre, volume et sensation de masse. La sculpture en fer évolue naturellement par oxydation du matériau ferreux ; la couleur devient ainsi une variation du temps. Le travail du fer est lourd et chronophage ; il en tire la philosophie créative : « Lentement, faire ce qui ne peut être fait vite ; vite, faire ce qui ne peut être fait lentement » (Note 8).

En 2000, « Sans titre », de forme monumentale minimaliste, ressemble à un organisme organique élancé et vertical plein d’énergie. Puis viennent les œuvres consécutives rythmiques « Trois fins », chacune composée de trois lignes quadrangiques évasées vers le bas et resserrées vers le haut, assemblées à l’extrémité supérieure, créant une partition rythmique ponctuelle, linéaire et plane poétique et picturale. En 2002, lors du Festival international de sculpture de Kaohsiung, Lin Hongwen crée audacieusement une sculpture en fer monumentale inhabituelle et spectaculaire appelée « Sans titre », haute d’environ 8 mètres. Formée par le soudage ordonné de nombreuses tôles, aux lignes brutales, évasée vers le bas et resserrée vers le haut, semblable à un immense bâton de baseball atypique, elle révèle, entre volume et sensation de masse, matière et esprit, l’intense émotion et la mémoire laborieuse de l’artiste à travers des lignes de soudage brutales. En 2004, la série « Variations de stèles fines et d’épées » de style linéaire vertical est forte et droite, rencontrant chaleureusement les lignes souples de soudage. Par les bifurcations, les doubles lignes et les creux, elle souligne le rythme du vide et du plein, de la lumière et de l’ombre, avec une poésie et une maturité raffinée.

En 2005, lors du camp de sculpture sur bois flotté de Shimen, Lin Hongwen utilise des matériaux locaux, du bois de Phoebe chekiangensis (espèce endémique de Taïwan). Comme lors de sa résidence à la «arrière-cour» américaine du Vermont en 2003, où il avait remplacé les poteaux de fer par des rondins de chêne locaux pour ancrer le contexte, il assemble deux ou trois sections de bois, allant du grossier au fin, en forme de monument, un pilier soutenant le ciel, avec des courbes ondulantes dynamiques à l’extrémité supérieure. Naturel, atteignant le ciel et les pieds au sol, il dialogue infiniment avec l’environnement naturel environnant.

De manière évidente, les chefs-d’œuvre de la sculpture en fer de Lin Hongwen sont réalisés lors de festivals internationaux d’art en acier ou pendant des résidences. Chaque fois est un défi vécu, chaque retour marque une croissance transformative. En 2010, au Festival international d’art en acier de Kaohsiung, il achève « Le commencement solitaire ». Œuvre aléatoire et naturelle, haute d’environ quatorze mètres, aux proportions libres, cet organisme s’étire depuis la terre vers le ciel, semblable à la ligne fluide la plus lyrique à la surface de la terre, racontant la solitude de l’artiste et le dialogue avec le lieu. Il écrit : « Un dialogue avec l’acier. Tout ce qui l’entoure le soutient dans sa grandeur. Bien sûr, moi aussi. Que ce soit quand je crie fort ou quand eux font des sons prétendument ennuyeux, une chose est vraie : la pollution corrode rapidement les âmes innocentes et tendres. Ce sont ceux qui tiennent des drapeaux pourris. La vie est une créature qui rampe. Bénédiction, moi aussi. Peut-être avons-nous besoin de plus ? Chacun a ses propres discours, c’est assez intéressant. Car le temps et le lieu ont toujours leur propre système, et ce système peut toujours jouer avec les cœurs sans s’en rendre compte. Bien sûr, celui qui tarde, disons, qui feint l’ignorance, ou qui se repose, aborde le prochain sujet avec une légère gratification. Disons que les gens attachés collent aux gens adorables. Ils se collent, même si on déchire violemment, il y aura une mort. Bien sûr, c’est celle de l’adhésif. Je me dis toujours, bien sûr, je ne fais pas de bruit. Et le niveau initial du son est déjà destiné. Tout ce qui était limité s’éloigne éternellement dans un instant » (Note 9).

Le festin le plus riche de la sculpture en fer de Lin Hongwen est en 2010. Sous l’égide de la Fondation nationale pour les arts, dans le cadre du programme de résidence à Donghe Steel, il réalise en quatre mois seulement vingt-deux œuvres grandes et petites. Créant sur place, dans l’usine d’acier, avec les outils et assistants, profitant du moment, du lieu et des conditions favorables, il maîtrise parfaitement son art. La sculpture en fer n’est plus seulement mature et améliorée, mais fait un grand bond. L’empilement linéaire devient surface, constituant dans des volumes denses diverses formes naturelles, majestueuses et spectaculaires. Certaines ressemblent à des organismes organiques, des outils, des anthropomorphismes ou des images naturelles et spirituelles. Les nuances subtiles de la sculpture en fer changent avec l’oxydation naturelle du matériau, semblant naturelles et faites par Dieu. Cette série de 39 pièces est installée sur les vastes collines de Gongliao, dans le nord de Taïwan, brillant sous un paysage naturel éclatant. Dans l’espace environnemental, lignes et points coexistent avec les volumes, rencontrant formes et couleurs, masculinité et douceur, volume et sensation de masse, nature et humanité, matière et esprit.

Installation naturelle et art environnemental : Lin Hongwen tente tôt de développer nouveaux matériaux et d’explorer d’autres voies pour l’environnement et l’espace. Dès 1985, il fabrique des cerfs-volants en bambou et plastique transparent, les lançant directement dans le ciel, réalisant la première performance d’installation du sud de Taïwan. L’année suivante, il utilise des plaques acryliques comme installation environnementale actionnée sur les lignes de séparation d’un parking. Ensuite, en 1987, il présente pour la première fois au centre culturel une installation d’espace environnemental avec des tubes fluorescents daylight dans une salle d’exposition sombre, dialoguant avec l’environnement et l’espace, montrant un contexte humaniste et un paysage de champ spirituel.

Les signes de bois ou bambou flottant de Lin Hongwen apparaissent au milieu des années 90. Profitant du hasard, son atelier est situé à Qigu. Grâce à la saison des typhons estivaux, la ligne côtière produit chaque année d’importantes quantités de bois et bambous flottés. Ces cadeaux saisonniers stimulent l’imagination créative et les possibilités infinies de l’artiste. Ce médium matériel simple et plat est naturel, porteur d’une forte émotion locale et d’une personnalité unique liée à la terre natale. Il devient l’exploration la plus proche et primitive de l’installation naturelle et de l’art environnemental de Lin Hongwen. Cette sculpture d’espace environnemental – l’objet – s’approche de la spiritualité et de la dimension de l’art Povero italien. L’artiste explique : « Trouver contrepoint mental (plan) dans l’espace de vie, présenter les symboles affiliés trouvés dans la coucheplongerente du plan dans le présent (installation naturelle et art environnemental), c’est un jeu et aussi un dialogue d’équilibre nécessaire à la vie » (Note 10). À partir de cette période, il élargit continuellement le territoire artistique, intégrant plan, volume et installation, commençant à construire son royaume virtuel avec du bois et du bambou flottés.

Le plus remarquable est en 1988, lors du Festival d’art de Tainan, où Lin Hongwen construit une installation environnementale massive en forme de bateau avec du bambou flotté (longueur 29m, largeur 6m). Le sujet intrigant « La voix de la chrysalide de la renaissance des vagues historiques » suggère que ce bateau flotte sur l’espace-temps historique de Taïwan. Structure architecturale rigoureuse, le spectateur peut y entrer pour visiter et entendre le léger froissement de la chrysalide. Chef-d’œuvre interdisciplinaire fusionnant objet, sculpture, environnement, son et interaction, c’est la première grande œuvre d’esthétique relationnelle du sud de Taïwan. Elle devient également l’œuvre pionnière de « Womb » (Architecture pauvre) en 2002.

En 1999, à Wu Garden à Tainan, « Domaine », fusion interdisciplinaire novatrice d’objet et de vidéo. Formé par l’accumulation de bambous flottés de tailles et épaisseurs variées en structures planes, parsemé de copeaux de bois et toiles d’araignée dessus et dessous, il ressemble à un vieux paravent rural accumulant les années, ou plus encore à un objet architectural Povero. Au-delà de la forme, on entend des sons subtils provenant de l’environnement naturel enregistré, créant un contexte unique. Porteur de la mémoire de l’espace-temps local, il raconte l’expérience naturelle et commente la conscience du sud. La même année, « Cocon », sculpture-objet novateur, de forme fuseléelignes fluides, enveloppé de tissu sur un tressage de bambou, contenant une radio à l’intérieur. Entre temps et espace, métaphore et imagination, il contient une énergie vivante espérant la renaissance.

L’an 2000 est l’année la plus riche et mature de l’art environnemental de Lin Hongwen. L’œuvre la plus émouvante est « Idées du Roi », installation spatiale objet-sculpture-vidéo au Temple Koxinga de Yaping à Tainan. Composée de bambous flottés s’étendant continûment et finement, longue de 360m et large de 6m, elle traverse la place d’entrée jusqu’aux portes du temple. Surnaturelle, semblable à un étrange grand monstre à tête grosse et corps petit flottant dans l’espace du temple, avec une vidéo installée dans la tête, elle décrit une puissance magique entre virtuel et imaginaire, physique et psychologique, imagination et rêve. En 2001, « Grand corps à œil droit, petites fleurs en dessous », sculpture-objet construit avec de nombreux bois flottés de tailles variées, contenant une vidéo à l’intérieur, semble flotter en l’air comme un navette spatiale décollant. Les spectateurs peuvent regarder la vidéo sous l’œuvre, créant un espace imaginaire absurde. « Zéro son - Cicatrices accumulées », forme organique semblable à une coquille, contenant une énergie infinie, laissant entendre vaguement des sons naturels subtils, rencontrant contexte humain et champ naturel.

En 2002, au Festival d’art public de Taipei, il assemble du bambou flotté pour former une haute tour fermée et arrondie semblable à un village perdu. Intitulé « Womb », symbole du corps maternel, c’est un bâtiment pauvre au goût primitif. À l’intérieur, des piliers complexes croisés soutiennent un espace spacieux où les spectateurs peuvent entrer, visiter et monter aux étages supérieurs pour admirer les paysages naturels des quatre côtés. La même année, au Québec, Canada, « Trois rivières » est très spectaculaire. Lin Hongwen utilise des matériaux locaux, empilant de petits bois pour former un pilier incliné vers le ciel, haut de plus de dix mètres. L’extrémité supérieure est tronquée, les bandes de bois liées devenant de fines lignes, présentant l’image de l’eau coulant vers le bas. Maîtrisant parfaitement matériaux, images naturelles et structures architecturales, il atteint une maturité parfaite, marquant laexpression la plus exceptionnelle de son art environnemental.

En 2004, lors de l’exposition d’art environnemental de Hong Kong, Lin Hongwen reconstruit un château architectural en bambou tressé, intitulé « Réalisation de rêve », copie de l’œuvre « Womb » du Festival d’art public de Taipei, visant à retrouver notre grande nature par le dialogue avec l’environnement. L’artiste pense : « L’artiste utilise ses propres mains pour réaliser ses imaginations et pensées intérieures. La création est une affaire de toute une vie. Si le spectateur comprend, c’est bien ; s’il ne comprend pas, c’est aussi bien. La création est le chemin de la vie... » (Note 11).

Lin Hongwen – Le poète des arts : La poésie est partout, tout peut être poésie. La poésie est un contexte, une perception, une association et un romantisme. Elle libère l’espace imaginaire des gens, éveille leur conscience et compréhension, témoignant de la conscience de l’existence de la vie. Les œuvres de Lin Hongwen ont une unicité extraordinaire ; ses images riches en significations cachent un vocabulaire poétique et contextuel envoûtant. Il est un créateur artistique rare et habile à maîtriser les mots, dont le texte perspicace contient des références et des révélations aux champs d’images picturales, diffusant également un tempérament lettré novateur et une qualité artistique. Car le texte n’existe jamais simplement pour expliquer quoi que ce soit ; c’est un médium et un besoin de création, reliant les images et suggérant images et significations, peut-être même des âmes sœurs hors-champ. Peindre est comme composer de la poésie, la poésie est comme la peinture. Ainsi, l’image est une poésie visuelle, la poésie est une image visualisée. L’inspiration des images semble venir de la poésie, tandis que l’inspiration de la poésie devient image, comme Wang Wei l’illustre : « Poésie dans la peinture, peinture dans la poésie ».

De manière évidente, les images ou la peinture abstraite sont tout dans le silence, inexpliquables, seulement sensibles. Cependant, Lin Hongwen utilise souvent son contexte poétique et pictural et ses titres littéraires référentiels comme préambule, visant à révéler et référer la signification des œuvres, traduire leur contexte, ou indiquer des domaines scéniques plus clairs, fusionnant le visible et l’invisible, le concret et l’abstrait, la perception et l’expérience, l’image et le mot pour émettre un nouveau contexte artistique. Le spectateur non seulement voit la poésie visuelle, mais peut aussi méditer et entendre l’écho poétique et mélodique du poète rhymant et chantant. Les noms d’œuvres, vocabulaire de vers, non seulement pleins de littérature et d’écriture d’état d’esme, contiennent également l’odeur de la terre et la sensation, comme « Grotte des oies et canards de Qigu » et « Attendant la saison des feuilles mortes » (1992), « Espérant qu’il soit la joie d’être laissé » (1995), « Aube du Sanctuaire » (1997), « Précieux / Laisser seulement le vent entrer », « Sons dans le temple » ou « J’aime le paysage derrière ma maison » (2000), « L’attente ressemble presque à ce que je dis » (2003), « Permettez-moi quelqu’un ? » (2004), « Résidence de l’oracle constant » (2005), « Illusion sans fleurs », « Attente cachée », « Sentiments de fin d’hiver » ou « Le vent attendu par le cœur » (2008), etc.

Lin Hongwen est encore plus génial dans ses séries, combinant la structure de ses poèmes pour former naturellement un poème lyrique rimé. Par exemple, en 2005, « Sans titre (Long poème) » : « La pluie de la veille a rempli les canaux déjà bloqués. Les chardons profitent de la germination vigoureuse. Avant que je n’aie pris la décision de les déraciner, parfois, dans les intervalles microscopiques de mon humeur, en regardant la lumière et l’ombre se coucher sur eux, il y a aussi une microscopique compassion. C’est peut-être la réflexion. » Ces sujets sont l’écriture contextuelle immédiate de Lin Hongwen, tentant de scruter les domaines inconnus et inconnaissables, validant l’inscription sur le mur de son atelier : « Avancer simplement parce qu’on ne sait pas », confession plus claire du contexte imagé et concret. L’artiste sage dit : « Dans la vie limitée, l’homme ne peut prolonger le voyage infini que par la pensée » (Note 12).

Notes :

1. Voir la carte de visite de guidage de Kandinsky au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou, Paris.
2. Le « Nouveau Style du Sud de Taïwan » est fondé à la veille de la levée de la loi martiale en 1986 (le 15 juillet 1987, Taïwan entre dans une ère nouvelle sans précédent – la levée de la loi martiale). Sous l’atmosphère de liberté envahissant l’air taïwanais, il prône la souveraineté locale et la prise de conscience de la conscience culturelle, apportant choc et nouvelles pensées. Sous la direction de Huang Hongde, le groupe de peinture « Nouveau Style du Sud de Taïwan » est fondé, composé principalement d’artistes du sud de Kaohsiung et Tainan : Huang Hongde, Lin Hongwen, Yan Dingsheng, Chen Rongfa, Ye Zhusheng, Hong Gensheng, Yang Wen Ni et Zeng Yingdong, ainsi que Zhang Qingfeng, récemment rentré de New York. « Sud de Taïwan » signifie la distinction avec le courant dominant du nord, cherchant à montrer un style unique local. Guidés par la sensibilité et l’instinct, ils explorent le modernisme pour créer des formes et contenus propres à cette terre. Le signe du « Nouveau Style du Sud de Taïwan », plein d’ambition et d’aventure, est : expérimental, matériel, autonome, fermentation d’intériorisation et de transformation, tentant de proposer une nouvelle forme novatrice et un point de vue unique pour dialoguer avec la culture dominante, situé entre figuratif et abstrait, image et mentalité, matériau et interprétation, local et international, moderne et postmoderne. Après d’innombrables expositions collectives et individuelles, discussions passionnées et dialectiques élevées, le groupe « Nouveau Style du Sud de Taïwan » met fin à ses activités deux ans plus tard, devenant le Biennale « Nouveau Style du Sud de Taïwan », visant à élargir le nouveau territoire artistique. Deux biennales sont organisées au centre culturel de Tainan, puis il se retire glorieusement.
3. Entretien simple pour l’exposition personnelle de peinture plane de Lin Hongwen « Regarder en arrière – Lin Hongwen 1990-2000 » au Hangar 20, Taichung.
4. Cai Hongming, 1987.
5. Voir la carte de visite de guidage de Kandinsky au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou, Paris.
6. Essai de lecture : « Cette personne, Lin Hongwen, et ses œuvres de peinture », par Jian Dan, 2008.
7. Voir le site web des œuvres de Lin Hongwen : lin hong-wen visualart worksit.url.
8. Essai de lecture : « Cette personne, Lin Hongwen, et ses œuvres de peinture », par Jian Dan, 2008.
9. Voir le site web des œuvres de Lin Hongwen : lin hong-wen visualart worksit.url.
10. Idem – Site web des œuvres de Lin Hongwen.
11. Idem – Site web des œuvres de Lin Hongwen.
12. Idem – Site web des œuvres de Lin Hongwen.