Richard Serra « Promenade » : exposition commémorative de 2008

Préambule : Chaque année, lors de ces jours de mai doux et ensoleillés, le Grand Palais à Paris accueille son exposition commémorative annuelle (du 7 mai au 15 juin). Cette grande manifestation est devenue une institution de l'art contemporain français et européen, s'imposant comme l'une des expositions les plus internationales de Paris. Après le succès sans précédent de la rétrospective du célèbre artiste allemand de la Nouvelle Figuration, Anselm Kiefer, qui a attiré près de 136 000 visiteurs en cinq semaines seulement, c'est cette année au tour du célèbre sculpteur minimaliste américain Richard Serra de relever le défi d'un espace immense dans la vitrine artistique en verre du Grand Palais. L'œuvre de Richard Serra ne se contente pas de défier des espaces inhabituels ; elle interroge le champ visuel et artistique du public, suscitant souvent le débat. Ses sculptures sont illimitées, confrontant des espaces vastes (intérieurs et extérieurs). Depuis quarante ans, il construit ses œuvres in situ, créant des volumes extraordinaires par le biais de processus comparables à de grands chantiers de construction. Ces plaques d'acier novatrices renforcent leur poids, leur gravité et leur équilibre, créant une tension inhabituelle qui forme des scènes grandioses et dramatiques, révélant un espace inimaginable ainsi qu'un volume physique et spirituel.

Richard Serra : Né en 1939, Richard Serra est l'un des artistes post-minimalistes américains les plus représentatifs. Diplômé de l'Université de Californie, il intègre l'Université Yale à New York sous la direction de Joseph Albers. Il s'intègre rapidement au cercle artistique new-yorkais, fréquentant des figures telles que Robert Rauschenberg, Frank Stella et Ad Reinhardt. Son voyage en Europe en 1964 fut déterminant : à Paris, la visite du studio de Brancusi, récemment reconstruit au Musée national d'art moderne, lui fit acquérir une nouvelle conscience sculpturale, notamment concernant la situation spatiale de l'œuvre et les contours de la sculpture. L'artiste déclarait : « Ce qui m'intéresse chez Brancusi, c'est sa puissance tridimensionnelle et les lignes sur les bords (contours) ; après tout, l'essentiel de la sculpture est la forme ». Suit ensuite un séjour en Italie où il découvre l'Arte Povera, particulièrement l'énergie des matériaux et le concept de construction matérielle instinctive. Serra n'est pas un sculpteur traditionnel ; il n'a jamais utilisé d'outils classiques, privilégiant des techniques proches de l'industrie lourde (grues, équipes d'ouvriers). Il affirmait : « J'essaie souvent d'étendre l'utilisation potentielle des équipements des aciéries ou des chantiers navals, ce qui est intimement lié à mes besoins créatifs ». Cette attitude modifie la relation entre la main et l'œuvre, ouvrant une nouvelle imagination et poussant Serra à repenser les outils et les gestes de l'artiste.

De retour à New York en 1966, comme les artistes de l'Arte Povera, il affirme la valeur des matériaux et de l'énergie, abandonnant l'objet pour retrouver l'individualité et souligner le processus, développant diverses possibilités. Intéressé dès le départ par les systèmes et la présentation, le processus devient l'œuvre elle-même, comme en témoignent les pièces « Plinths I » (1967) et « Splashings ». À partir de la série « Prop » (1968), Serra explore les propriétés robustes de l'acier, utilisant spécifiquement des tôles épaisses issues des chantiers navals (son père étant technicien naval, il avait l'occasion de visiter son père ou de participer aux activités de l'usine). En 1969, « One Ton Prop (House of Cards) » est constituée de quatre plaques d'acier carrées épaisses juxtaposées, sans soudure, formant une sorte de château de cartes pesant plusieurs tonnes. Cette œuvre instaure une tension et une insécurité dans l'imagination du spectateur ; Serra considérait que « le déséquilibre est une force et une énergie ». Des constructions similaires, comme « Floor Pole Prop » ou « Right Angle Prop », explorent l'équilibre entre le poids et la poussée. Dès les années 1970, il développe des sculptures environnementales de forme monumentale, se concentrant sur l'interaction entre l'œuvre et le public. Comme dans l'art minimal, le lieu-espace devient le cœur de son exploration : « C'est le site qui détermine la méthode ; je réfléchis donc à ce que je vais construire ». Ainsi, « Circuit » (1972) est une installation environnementale où quatre plaques rectangulaires épaisses sont disposées selon une diagonale dans une galerie carrée, formant deux contrastes en « V ». Le spectateur est entouré ; les surfaces sculpturales forment des lignes divisantes qui construisent l'espace. La même année, « Twins » crée également un espace dramatique. L'artiste expliquait : « J'analyse le site et je décide de redéfinir les limites de la sculpture ; ce ne sont pas ses limites physiques existantes ».

À partir de 1974, il entame une autre pratique : le dessin. Il y voit une activité individuelle consistant à appliquer directement de l'encre de gravure noire et dense sur un support (papier ou toile), comme « Shafrazi » sur toile de jute, créant des surfaces rectangulaires mates et noires qui soulignent la masse matérielle et l'espace imaginaire, évoquant une peinture monochrome (noire). Pour l'artiste, « le dessin est un travail de pleine concentration, immergé en lui-même, accompagné de problèmes inhérents et simultanés ». « Sight Point » (1975) est une sculpture environnementale composée de trois grandes plaques d'acier verticales, soulignant la combinaison de surfaces et de lignes, possédant une beauté industrielle. L'aménagement spatial le plus dramatique reste « Span » (1977) : dans une galerie blanche, des piliers d'acier géométriques et linéaires sont dressés verticalement et parallèlement, créant un « vide » exceptionnel et parfait. Considérée comme l'une des œuvres les plus remarquables des années 1970, elle offre au spectateur aucune sensation de contrainte ou d'oppression.

En 1980, la construction de « St John Rotary Arc » à New York, suivie l'année suivante par « Titled Arc » sur Federal Plaza, donne naissance à des sculptures publiques monumentales hors norme. Constituées d'une seule plaque d'acier semi-arrondie épaisse, elles marquent l'espace public urbain, invitant le public à les contourner, évoquant poétiquement un arc-en-ciel de l'ère industrielle (elles sont toutefois devenues des obstacles aux carrefours urbains, tels des murs, et ont été démantelées dans les années 1990 sous la pression des habitants de New York). En 1981, à la Galerie Castelli à New York, l'œuvre « Marilyn Monroe – Greta Garbo » dispose deux grandes plaques d'acier semi-arrondies en dialogue, divisant l'espace global en deux murs, créant une oppression spatiale qui souligne l'énergie matérielle, la surface et l'espace dramatique. En 1983, une autre œuvre majeure, « Clara-Clara », est installée au Jardin des Tuileries à Paris. Formée de deux grandes plaques d'acier semi-arrondies ouvertes en double « C », elle présente une esthétique industrielle sans précédent. Cette « surface » devient le seul moyen de compréhension visuelle, sans lien direct avec les irrégularités du terrain ou de l'environnement, pleinement ancrée dans le matériau. Après l'exposition au Jardin des Tuileries, faute d'espace ou d'acquéreurs, l'œuvre est déplacée en 1985 au parc Choisy (13e arrondissement de Paris). Pour les riverains, elle ressemble à deux murs obstruant la vue, et est finalement démantelée, libérant la vision opprimée. Murs, sol et espace environnemental restent les objets de questionnement de Serra à travers des formes matérielles et énergétiques solides, offrant contemplation et compréhension du lieu et de l'espace, affirmant une « esthétique industrielle » urgente et redéfinissant les limites de la sculpture.

« Promenade » Exposition commémorative 2008 : Dans cette exposition personnelle, Serra établit parfaitement l'espace, tel un jardin métaphysique hors norme, présentant magnifiquement la relation entre ce bâtiment transparent et massif et le public, ainsi que le dialogue tacite entre les sculptures et l'architecture. Il propose une expérience artistique et spatiale unique, défiant la perception du public et le concept de gravité. Dans cet espace immense, à la fois radical et poétique, minimaliste et vivant, il présente des paysages d'acier grandioses : contraste subtil avec le bâtiment, révélant un espace ouvert qui invite le public à se promener dans cet espace à la fois physique et spirituel. Les spectateurs peuvent admirer l'œuvre sous tous les angles, ou méditer sur la tension et l'énergie fortes des œuvres perçues librement, suscitant des émotions particulières et des sensations inhabituelles.

On dit que l'inspiration novatrice de cette installation vient de son séjour au Japon, notamment les jardins zen de Kyoto. Là, quelques pierres minuscules, placées avec une précision absolue, incarnent la beauté de l'ordre cosmique naturel et l'espace métaphysique. S'appuyant sur cette expérience relationnelle métaphysique, Serra titre l'exposition « Promenade », concevant le spectacle comme une évocation libre dans un espace artistique grandiose, métaphorisant les mystères du jardin dans les relations spatiales concrètes. Chaque spectateur, selon son propre déplacement, observe et médite avec une perception unique, entrant au cœur de l'œuvre comme dans un jardin artistique.

Serra installe cinq énormes plaques de fer (4 mètres x 17 mètres, 70 tonnes chacune) sur l'axe principal du Grand Palais, définissant l'espace avec simplicité et force. Disposées verticalement au sol comme des monuments industriels modernes, elles sont légèrement inclinées et espacées rythmiquement de cent mètres (non alignées). Elles forment des effets de lignes, de surfaces et de formes, révélant le complexe par le minimalisme et l'infini « vide » par le « plein ». L'espace colossal devient le cœur de l'œuvre. De loin, la sculpture semble stable sous tous les angles ; de près, la masse gigantesque (tel un mur) et la dynamique de l'inclinaison créent une sensation d'oppression. Se promenant autour, on ressent une impression de balancement. Chaque point de vue révèle ses propres mystères (différences de perception). Pour voir l'ensemble, il faut des angles spécifiques. On perçoit vaguement la scène : le point de vue le plus subtil se trouve face à la première sculpture à gauche ; en se décalant légèrement vers la droite, la deuxième apparaît ; en continuant, la troisième surgit entre les interstices, puis la quatrième (partiellement), enfin les cinq dernières apparaissent ensemble dans les interstices. La vision traverse couche par couche, créant une perspective étrange, une expérience visuelle propre aux jardins japonais ou français.

Le site « Promenade » devient clairement un vaste espace public, voire un théâtre social. Les sculptures servent de décor idéal et de cadre grandiose. Les vêtements colorés des spectateurs et leurs gestes deviennent à la fois objet et sujet d'observation ; toute activité lors de la promenade dans le jardin est intégrée à la visite. Dans cette foule d'espace public, l'expérience coexistante tisse des relations collectives, bien que la promenade ou l'appréciation relèvent toujours de l'expérience de vie et artistique personnelle. De plus, dans ce palais de verre, la lumière vive danse avec le temps. Sous les horaires étendus (jusqu'à 23 heures du jeudi au dimanche), les sculptures résonnent avec l'ombre et la lumière. En journée ensoleillée, le soleil caresse les sculptures, renforçant leur éclat et leur poids, créant un théâtre d'ombres inattendu. Lorsque les lumières s'allument, les œuvres ne sont pas seules ; elles sont accompagnées par les nombreux visiteurs venus après le travail, parfois sous un ciel étoilé ou en présence de la lune. Cette scène poétique est unique au Grand Palais. L'exposition « Promenade » se forme ainsi, dans la relation étroite entre hauteur et longueur, surface et forme, volume et matière, vide et plein, sculpture et architecture, espace et environnement, temps physique et esprit, créant un paysage artistique grandiose.