« Superdome » — Exposition spéciale au Palais de Tokyo, Paris

Christoph Buchel — Regarder droit vers l'amoncellement de déchets comme un tas d'ordures, c'est la nature même de l'œuvre « Dump » — Détail de l'œuvre — 2008

Préface : L'exposition spéciale « Superdome » est présentée au Palais de Tokyo à Paris du 29 mai au 24 août. Un groupe de soldats casqués noirs de Star Wars alignés de manière uniforme, un pistolet à air comprimé, un éléphant renversé sur sa trompe, deux horloges murales face à face, un énorme tas d'ordures — des objets extraordinaires qui n'ont aucun lien entre eux, ne ressemblant en rien à de l'art pour l'art. Les visiteurs déambulent parmi eux et subissent un choc visuel et psychologique hors du commun.

L'exposition spéciale « Superdome » est une nouvelle perspective et orientation sur les tendances artistiques actuelles en Europe. Cette exposition collective comprend cinq expositions personnelles de forme monumentale, avec la participation de jeunes artistes de trois régions d'Europe : trois artistes français, Daniel Firman, Fabien Giraud et Raphaël Siboni ; l'artiste suisse Christoph Buchel ; l'artiste britannique Jonathan Monk ; et l'artiste italien Arcangelo Sassolino. Tous appartiennent à la jeune et moyenne génération du monde de l'art, les artistes français Giraud et Siboni, âgés d'un peu plus de vingt ans, étant les plus jeunes et prometteurs. Cette exposition spéciale se caractérise par les formes artistiques actuelles : les œuvres sont particulièrement théâtrales, transdisciplinaires et conceptuelles, maîtrisant les nouveaux médias et techniques, et établissant une présentation sous forme d'installation spatiale. Ce sont toutes des œuvres d'installation monumentale d'objets et d'environnements, qui, entre performance et concept, matière et forme, temps et espace, imagination et métaphore, fragilité et équilibre, pointent vers une possibilité de géométrie chaotique extraordinaire.

Thème de « Superdome » : Le thème de « Superdome » métaphorise la catharsis collective dramatique et la conscience situationnelle de la société depuis le modernisme, à travers de grands rassemblements sportifs, carnavals, conventions politiques, messes, concerts, et même des résumés de situations et consciences collectives de catastrophes compatissantes, le tout dans une atmosphère de jubilation et d'effervescence. « Superdome » vient de la légende du stade. Ce stade monumental en dôme, le « Superdome », a été construit en 1975 en Louisiane, à La Nouvelle-Orléans, aux États-Unis. Il a accueilli de nombreux grands événements sportifs jubilatoires — comme les finales frénétiques du championnat national de football américain — et de grands événements politiques — comme les conventions de nomination des candidats présidentiels démocrates. C'est là qu'a eu lieu la messe dramatique de bénédiction du pape Jean-Paul II. Ce stade en dôme est devenu un refuge extraordinaire pour les sinistrés il y a trois ans lors de la grande catastrophe de l'ouragan Katrina qui a frappé les États-Unis. C'est dans ce double phénomène contradictoire et anormal de grande jubilation festive et d'angoisse inquiète que l'inspiration de l'exposition spéciale « Superdome » provient de cette émotion et conscience situationnelles supplémentaires et schizophréniques. Le thème fait clairement référence à un portrait de certains états mentaux collectifs et situations existentielles de la société moderne occidentale actuelle.

L'exposition spéciale « Superdome » est organisée par le directeur du Palais de Tokyo et le conservateur Marc-Olivier Wahler, qui, après 2005, continue de faire fonctionner avec souplesse le concept d'art contemporain, rassemblant spécialement cinq orientations de discussion sur l'art contemporain, naviguant entre le théâtral et l'égotiste, les décibels et la requête, la haute technologie et le chaos. « Superdome » est la première exposition personnelle sous forme collective. La première exposition personnelle de l'artiste allemand Jonathan Monk dans une institution artistique parisienne. La première collaboration entre le Palais de Tokyo et le Musée d'art moderne de la Ville de Paris en face. La première grande exposition personnelle de Fabien Giraud et Raphaël Siboni. La première exposition personnelle en France de l'artiste italien Arcangelo Sassolino. La première fois que l'artiste suisse Christoph Buchel réalise sa grandiose installation environnementale. La première fois qu'un véritable éléphant se tient sur sa trompe dans l'espace, etc.

Monde de géométrie chaotique : Fabien Giraud (né en 1980) et Raphaël Siboni (né en 1981) sont les nouvelles promesses les plus prospectives de la scène artistique française actuelle. Ils collaborent ensemble depuis la Biennale de Lyon de l'année dernière. Leurs œuvres s'établissent à la marge de la sous-culture, naviguant entre consommation de masse, folklore et pop. Leurs objets subversifs, souvent dans des scénarios d'événements complexes, apparaissent donc particulièrement théâtraux (découpage d'un avion de ligne et reconstruction scénique à la Biennale de Lyon), remettant en question, dans une perspective futuriste, les possibilités de création subjective actuelle.

Ici, « Last monoeuvres in the dark » est une installation audio-visuelle-objet extraordinaire, particulièrement théâtrale, construite avec trois cents guerriers mortels casqués noirs et maléfiques Dark Vador (les super guerriers héros de la trilogie cinématographique Star Wars), alignés de manière uniforme comme une armée brave et robuste bien entraînée. Dans une symphonie de combat sombre et grondante de tambours de guerre, elle forme une atmosphère de combat majestueuse et imposante, un combat intense et grandiose face à face se déroule sous nos yeux. Dans un scénario cinématographique dramatique, chaque statue est reliée par des câbles micro-électroniques à un ordinateur principal qui donne des ordres et contrôle le comportement du groupe, comme le commandement d'un dictateur militaire ou telle une impulsion absolue du cerveau, entre matière et forme de l'intelligence artificielle, imagination et métaphore, chaos et géométrie.

Daniel Firman (né en 1966) est l'un des artistes les plus représentatifs de la scène française actuelle. Il étend constamment le domaine de la sculpture par diverses méthodes extraordinaires. Ses œuvres transdisciplinaires sont très théâtrales, posant des questions inhabituelles sur le chevauchement des éléments quotidiens et des personnages anonymes, montrant les aspects structurels d'un équilibre instable. La critique d'art H. Besacier écrit : « Le corps est impliqué comme un aimant, tel que les outils qui l'entourent (comme des meubles prolongeant le corps), lui permettant ainsi de changer le monde qui l'entoure ». À travers ces empilements architecturaux grotesques (personnages et objets), il traverse clairement le langage de la performance et du geste, faisant émerger la relation d'équilibre entre la société de consommation actuelle et la fragilité humaine. Avec ce vif intérêt pour le corps et l'équilibre, il développe cet équilibre gravitationnel et inversé, comme l'œuvre dramatique « Wursa (18000 sous terre) » : au centre d'une salle d'exposition vide, un éléphant comme ceux du cirque se tient droit sur sa trompe, un équilibre fragile donnant à tout moment l'impression qu'il va s'effondrer. Dans une mécanique géométrique extraordinaire, il explore une gravité et un équilibre, imaginant la situation après la disparition de la gravité en s'approchant du noyau terrestre à 18 000 kilomètres sous terre. Le thème de « Wursa » vient du nom du vaisseau spatial russe Spoutnik, évoquant la situation des objets dans l'espace extra-atmosphérique, privés de gravité, dans une expérience dramatique novatrice physique et psychologique, une rêverie poétique infinie.

Arcangelo Sassolino (né en 1967) est l'artiste-ingénieur en conception mécanique le plus novateur de la scène italienne actuelle. Sous l'influence du minimalisme de Serra et Judd, il considère son expérience professionnelle personnelle. De même, dans le futurisme italien comme dans l'héritage de l'Arte Povera. Sa création se concentre sur l'établissement du processus des matériaux industriels : objets mécaniques et installations stupéfiantes. Chaque projet est soigneusement conçu et planifié par une équipe de design jusqu'à un résultat stupéfiant, avec des matériaux industriels inimaginables et des forces multiples (comme la gravité, la pression, la collision), soulignant toute l'esthétique et la métaphore de la technologie humaine et industrielle. Les murs, le sol et le plafond de l'espace architectural participent à la construction de l'œuvre, soulignant clairement la relation d'interpénétration entre l'espace environnemental et l'œuvre.

Dans cette exposition personnelle parisienne, il présente de manière novatrice « Afasia 1 », une installation environnementale spatiale composée d'un pistolet à air comprimé pneumatique inimaginable, d'une cible, d'une bouteille d'azote et d'une minuterie, enfermée dans une maison en plastique transparent et grillagée pour des raisons de sécurité. « Afasia 1 » est une sculpture-objet extraordinaire. Ce pistolet à air est monté sur un axe de colonne montante central, une construction mécanique en équilibre vertical, sur laquelle on peut placer une série de bouteilles de bière en verre vert. À intervalles réguliers, le pistolet tire avec une pression puissante de six cents kilomètres à l'heure, projetant les bouteilles de bière en verre vers une plaque de fer (la cible) à cent mètres devant. À cette intensité, le sol est couvert de cendres vertes de verre pulvérisé. On peut imaginer le résultat de cette vitesse et de cette intensité. Les spectateurs attendent toujours avec excitation ce moment dramatique du tir et sont souvent surpris par le bruit de l'explosion inattendue. La relation entre l'œuvre et le spectateur n'est pas seulement intellectuelle mais aussi physique, dans un sentiment d'inquiétude et de menace. L'artiste estime que c'est la situation de notre vie actuelle, où la violence est partout ou cachée. Il explique ainsi : « Mes sculptures sont l'expression momentanée d'une pression corporelle, une mémoire durable, un équilibre de crise. Je ne crée pas d'images, mais un état de tension des choses, et grâce à la pression pneumatique et à la gravité, je construis par de grandes frictions ». L'utilisation des bouteilles de bière est une référence à la culture pop et rock jusqu'à l'environnement urbain.

Jonathan Monk (né en 1969) est l'un des plus renommés de la scène britannique actuelle. Il pose la question : après l'héroïsme moderne, que reste-t-il à voir pour l'artiste ? Après la révolution radicale de l'avant-garde, comment l'art peut-il continuer ? Monk, par des détours sinueux, utilise divers médias et filtres à plusieurs niveaux pour tenter de déconstruire la création de l'art contemporain. Il crée des formes linguistiques, de la sémantique et de la logique, comme en 2005 avec « En mouvement constant et restant intact », présentant un vélo renversé, intact mais dont les deux roues tournent constamment. Il persévère dans la pensée inverse, se réfère à la vie quotidienne et interprète l'histoire avec une sensation littéraire.

« Quelle heure est-il sur la Lune en ce moment ? » demande l'artiste. Est-ce la même chose que sur Terre ? On peut être sûr que l'heure sur Terre est dictée par le centre spatial de Houston, au Texas, aux États-Unis. Imaginez que ces deux emplacements géographiques permettent cette possibilité de synchronisation. Cette exposition personnelle « Time Between spaces » est présentée simultanément face à face dans deux bâtiments similaires (le Musée d'art moderne de la Ville de Paris et le Palais de Tokyo). Elle indique une simultanéité spatio-temporelle extraordinaire, remet en question la perspective, montre une sensation du temps événementielle, autobiographique, simplement historique, dépassant les formes de création traditionnelles et l'espace-temps : une installation de deux horloges de taille similaire disposées face à face en forme de dialogue, dans le tic-tac simultané des pendules (on ne voit pas l'heure), intitulée « Couple étrange ». Ou une horloge murale démontée et laissée intacte, « Meeting no-3 », où le temps ne peut qu'être perçu, pas seulement référé par des chiffres. Une relation de signes en miroir, présentant deux sculptures-puzzles identiques, installées dans des scénarios différents, sur le sol intitulée « The Outside of Something » et autour d'un pilier « The Inside of Something ». Il déconstruit la célèbre peinture « Piscine » du peintre pop britannique David Hockney. L'original montre une personne plongeant dans la piscine, éclaboussant l'eau. Ici, les deux tableaux imaginent l'avant et l'après du plongeon, c'est-à-dire la piscine assez calme. C'est le jeu de l'art contemporain d'après le postmoderne, dans un contenu littéraire insignifiant. Un portrait autobiographique dans deux peintures de personnages identiques, dépeignant les oncles de deux artistes dans une scène de rue, intitulé « La ressemblance de mes oncles distingués avec ma mère », dans une relation de parenté de similarité, montrant une vision simultanée. Une série de phrases écrites sur les murs, comme « Paris à telle date en 2030 » ou « Paris à telle date en 1789 », comme la signification spatio-temporelle de « Quelle heure est-il sur la Lune en ce moment ? », où l'on capture le passé et le futur, dialoguant avec l'art conceptuel.

Christoph Buchel (né en 1966) est l'artiste le plus représentatif de la scène suisse actuelle. Il explore, dans une attitude et un comportement subversifs super-dadaïstes, l'esthétique de la catastrophe sous le capitalisme tardif actuel, la surconsommation, la mondialisation, la protection de l'environnement, la géopolitique et les désastres naturels et humains. Il imagine les divers problèmes de la société réelle et les scènes environnementales comme de l'art, montrant le cauchemar inévitable post-11 septembre dans les scènes les plus dramatiques et intenses d'Hollywood aux États-Unis. La réalité est plus frappante, plus tendue et plus émouvante que le virtuel