Tino Sehgal : L'œuvre est là, c'est nous

Texte et photos / Chen Chi-Hsiang

« L'art n'existe pas, l'art, c'est vous »

Benjamin Péret

Lieu : Palais de Tokyo, Paris | Dates : 7 septembre au 31 décembre

Cette spectaculaire exposition est le grand rendez-vous du Carnaval d'Automne de Paris 2016. Elle combine théâtre, danse et arts visuels dans un dispositif spatial. Le lieu principal est pourtant vide, laissant les visiteurs perplexes. Les murs sont d'un blanc rare ; on y voit des groupes se promener dans cet « espace » vide. Des accompagnateurs spécialisés discutent avec vous et vous posent des questions. Les paires qui conversent créent une situation de performance improvisée semblable à celle d'un théâtre. Rien ne bloque le regard. Que vend-on ici ? Dans l'art contemporain, cela devient banal. Si ce n'est pas étrange, ce n'est pas assez artistique. Puisque vous êtes là pour visiter, laissez-vous aller.

L'organisation de cette exposition est très rigoureuse. Elle invite de nombreux artistes multidisciplinaires. Le public participe passivement et est guidé dans ce jeu. C'est une exposition participative tendance actuelle. Le spectateur est l'élément principal de l'œuvre. Sans spectateur, l'œuvre n'existe pas. Venez donc examiner les choses en profondeur. Où est l'œuvre ? Sommes-nous l'œuvre ?

Tino Sehgal (né en 1976 au Royaume-Uni, vit à Berlin) est l'un des artistes performeurs européens les plus remarquables de sa génération. Il construit ses œuvres selon le contexte temporel et spatial, réinventant la rencontre entre l'œuvre et le spectateur. C'est le meilleur exemple d'esthétique interactive contemporaine. Sa performance ressemble à un rituel, révélant une vision de l'art immatériel et défiant nos perceptions. De plus, il transmet que son œuvre n'a jamais de brouillon écrit. Il n'y a aucun acte d'achat ou de vente (il transmet les commandes oralement avant la rédaction). Il ne signe aucun contrat. Ses expositions ne font l'objet ni de catalogues ni de photographies archivées (Note 1). Il vit dans l'instant présent. Son exposition ne laisse aucune trace, comme un fleuve qui ne revient jamais en arrière.

Il a participé à presque toutes les biennales et grandes expositions importantes. En 2005, il représente l'Allemagne à la Biennale de Venise en tant que plus jeune artiste. Deux ans plus tard, il présente Kiss au Musée d'Art Contemporain de Chicago, sa première exposition aux États-Unis. Ensuite, il effectue une tournée personnelle dans les grandes villes européennes. En 2013, il participe à la Biennale de Venise (où il remporte le Grand Prix) et à Documenta en Allemagne.

Sehgal s'est lancé dans la danse moderne très jeune. Il suit le chorégraphe renommé Jérôme Bel et son ami, le célèbre danseur corporel Xavier Le Roy. Inspiré par la grande danseuse Pina Bausch, ils croient fermement que la danse n'est pas un simple divertissement, mais un outil de pensée libre et libérateur. Ainsi, il cherche plus de possibilités en passant de la danse aux arts visuels. Il crée ses arts visuels avec une conception novatrice. Son seul élément fondamental est l'être humain, considéré comme un matériau. À travers diverses situations, il construit sa pensée et façonne la sensibilité. L'artiste dit : « Ce qui m'intéresse, c'est l'endurance de ce matériau et la conscience subjective de chacun. J'explore la création de situations où l'individu et le collectif peuvent se rencontrer ». La conservatrice Rebecca Lamarche-Vade ajoute : « Par rapport à certaines de ses œuvres qui demandent au spectateur une énergie incroyable, une matière fixe et abondante apparaît à travers la rencontre avec autrui » (Note 2).

Dans sa mise en scène, le spectateur fait partie intégrante de l'œuvre. Cela permet de réfléchir à toutes les questions : la danse, l'objet artistique et les spectateurs. Tout l'espace du Palais de Tokyo est dédié à ce jeune artiste. À l'entrée, des inconnus vous accueillent bizarrement (on pourrait croire à une blague). Le lieu principal est vide. Les spectateurs ne peuvent pas visiter librement (quelqu'un vient à votre rencontre). Ils sont interrogés et interagissent à travers des conversations sur le thème. Quatre niveaux de dialogue façonnent l'émotion subjective et la conscience du spectateur. C'est un type d'exposition que je n'ai vu depuis plus de trente ans, un genre jamais vu auparavant : une exposition spéciale intitulée « L'œuvre est là, c'est nous ».

Cette exposition novatrice est dirigée et curatée par Tino Sehgal lui-même. Il invite des artistes de tous horizons (de nouveaux types multidisciplinaires). La liste comprend presque tous les artistes les plus populaires actuellement : With, Fredrique Ait-Touati, Daniel Buren, James Coleman, Markus Gabriel, Felix Gonzalez-Torres, Pierre Huyghe, Kaori Kinoshita, Alain Della Negra, Isabel Lewis, Celime Minard, Philippe Parreno, Mathieu Potte-Bonneville, Apichatpong Weerasethakul.

À l'entrée, les spectateurs passent sous le rideau de grosses perles de Felix Gonzalez-Torres, ouvrant ainsi une performance dramatique vivante. Parfois, des acteurs arrivent sous forme comique pour accueillir les spectateurs, lançant le rideau de l'exposition. On traverse ensuite un couloir théâtral éclairé par des cercles rouges, jaunes et bleus au plafond (œuvre de Daniel Buren). Au bout du couloir, on entre dans la salle principale vide. On ne voit qu'un groupe de personnes marchant et discutant intimement dans l'espace, commençant un voyage vers Ulysse.

Alors que j'hésitais sur quoi visiter, un garçon de huit à dix ans court vers moi, me salue et se présente : « Je suis l'œuvre ». Oh ! Cela me stupéfie. Il me pose une question : « Qu'est-ce que le progres ? » Ce mot signifie : avancer, progrès, développement. Le progrès décrit un état de croissance quotidienne et d'avance constante. Le développement signifie s'étendre vers l'avant. Il m'accompagne alors pour discuter. En parlant avec l'enfant du concept de « progrès », je réponds instinctivement « vers l'avant ». Mais ici, il s'agit du développement humain ou du progrès de la civilisation. Il est difficile d'obtenir des indications claires auprès d'un enfant dans cette exploration de concepts flous.

Ensuite, une fille d'âge lycéen prend le relais pour continuer à discuter du « progrès ». Avancer ne doit pas être aveugle ; il faut parfois s'arrêter, écouter, regarder ou même faire demi-tour pour éviter de heurter un mur et tomber dans une impasse. Le progrès est l'ensemble des réalités développées par l'humanité pour améliorer sa vie, résultant du développement scientifique multiple.

Pendant ces réflexions, un homme d'une quarantaine ou cinquantaine d'années prend le relais pour approfondir le « progrès » humain. Nous sommes dans une ère sans précédent où les technologies hiérarchisées et la nature sont éloignées. Bien que la matière améliore les conditions de vie humaine et facilite le quotidien, les humains avides produisent sans limite et consomment sans retenue. La dégradation de l'environnement, le gaspillage des ressources naturelles et la corruption des cœurs détruisent l'esprit humain. Sous le progressisme aveugle, l'avenir de l'humanité est anéanti.

Ces dialogues avec l'homme mûr déclenchent des étincelles de réflexion. Avant que celles-ci ne s'apaisent, j'entre dans un autre espace où une femme retraitée vient à ma rencontre. Regardant la situation historique actuelle, elle me raconte une histoire mûrement réfléchie pour conclure cette conversation artistique. C'est l'histoire tragique d'un roi et de ses trois fils se disputant la succession. Le droit de succession devrait aller à l'aîné, mais le cadet ourdit un complot, élimine ses deux frères aînés et monte sur le trône, contrôlant le pouvoir suprême et dirigeant le royaume. Cependant, l'impermanence de la vie conduit finalement à sa mort accidentelle.

La signification inspirante de cette histoire est de dire aux gens que si le progrès est utilisé comme un outil, celui qui contrôle l'outil détient le pouvoir réel et peut tout manipuler. Le pouvoir peut dominer et gouverner les gens. Il peut soit bénéficier à l'humanité, soit la mener au bord du précipice, selon la conscience individuelle. Si l'on possède le droit d'émission de monnaie d'un pays, peu importe qui est président, ce sont ses marionnettes. Le monde actuel est presque dominé par les grands crocodiles financiers oligarchiques. Celui qui contrôle les médias de masse peut manipuler les foules. Celui qui possède les armes les plus avancées ou mortelles peut violer la souveraineté d'autrui sous divers prétextes. Celui qui contrôle le climat peut décider de la vie ou de la mort à volonté. Celui qui possède plus d'informations privilégiées sur les actions peut gagner beaucoup d'argent. Ou encore, lorsque le grand public est dominé par la télévision ou le téléphone mobile, devenant des « accros » ou ayant le nez collé à l'écran sans s'en rendre compte, ou consommant simplement pour consommer, finissant par devenir esclaves des objets, etc. Les artistes russes Kabakov et Emilia Kabakov disent : « Le monde change si rapidement que les gens oublient le sentiment de la vie elle-même » ou « Le grand progrès, la science et la noble image de l'humanité conduisent les gens au bord du désastre ».

De toute évidence, l'artiste devient réalisateur. Dans cet espace vide, grâce à l'accompagnement intentionnel de ces quatre tranches d'âge et à l'arrangement de dialogues thématiques, les participants comprennent les références à chaque étape de la vie, de l'adolescence à la vieillesse, et leur compréhension et perception des choses. Le vide est en réalité un voyage vers Ulysse. Dans ce scénario de société ultra-moderne informatisé, capitalisé, consumériste, mécanisé, hiérarchisé et objectivé, on ressent profondément les paysages infinis du concept moderniste de progrès. Il vaut la peine de réfléchir à l'avenir du progressisme moderne. Nous utilisons des outils modernes mais finissons par être captivés et contrôlés par eux sans nous en rendre compte, dans un état de confusion.

Bien que le pavillon principal soit vide, les spectateurs entament un voyage vers Ulysse. Là, ils expérimentent leurs propres expériences subjectives complexes et gravent les contextes intérieurs et extérieurs auxquels ils se confrontent lors de cette promenade et de ces conversations thématiques. En descendant dans la grande salle souterraine, tout est vide. Colonnes creuses. Touchez votre tête, où est l'œuvre ? Dans l'espace, un groupe d'enfants entoure un professeur qui dessine. Quelques spectateurs errants. Des gens assis à discuter dans l'escalier. On voit clairement un groupe organisé (hommes, femmes, jeunes et vieux) marcher continuellement en rotation le long des diagonales de l'espace architectural. Que se passe-t-il exactement dans cette performance ? Appartenons-nous tous à la partie « observation » dès notre entrée dans le champ spatial ? Finalement, on découvre que cela ressemble aux rues animées d'une métropole prospère ou aux flux interminables de foule entrant et sortant des stations de métro pour aller travailler. Une énergie vivante circule dans l'espace, révélant la conscience collective et la situation de la vie quotidienne dans la rue.

Au rez-de-chaussée du sous-sol, outre la salle principale, un autre espace expose les œuvres vidéo de personnages de mangas japonais des artistes amis de Sehgal, Philippe Parreno et Pierre Huyghe. Lorsque la projection se termine, les lumières s'allument. Le personnage de la vidéo se transforme en une fille vivante qui gesticule devant les gens et dialogue avec un jeune spectateur enfant. Leurs œuvres sortent du cadre traditionnel de l'art pour entrer dans le domaine de la vie et interagir avec les spectateurs dans des situations quotidiennes.

En descendant au deuxième niveau du sous-sol, on pénètre dans un couloir en face de la lumière. À l'entrée, une personne (performeur) bloque la porte, interagissant intentionnellement ou non avec les spectateurs (bloquant délibérément les visiteurs) pour jouer à cache-cache, ajoutant une certaine charme. Finalement, on laisse entrer les gens. Un son léger bourdonnant emplit le lieu. Qui chante ? On ne distingue pas le performeur du spectateur. En reprenant ses esprits et en observant attentivement, le son provient des quatre personnes face au mur, y compris celle qui a joué au chat perché à l'entrée. Chaque espace est un voyage vers Ulysse. En entrant dans chaque champ spatial, on savoure personnellement ses propres perceptions et on les compare au contexte actuel.

Je connais bien le Palais de Tokyo. Pourquoi s'écoule-t-il le long du coin du mur ? Il doit y avoir une astuce. Je m'arrête pour prêter attention. Je vois le guide emmener un groupe en bas. On peut imaginer que l'art est partout, proche de la vie, ou que la vie elle-même est de l'art. Tout dépend de la façon dont chacun affronte son contexte et sa conscience actuels. Dans un espace noir comme de l'encre, où l'on ne voit pas ses doigts, un groupe est accroupi devant le mur. Cela attire mon attention. Je vais examiner. Le mur est couvert de taches noires. Le mur et le sol sont remplis de mouches noires. Haha, ce n'est pas de l'art, impossible. Alors j'utilise le flash pour photographier ce que je vois. L'art semble toujours témoigner de l'instant présent dans l'incompréhension. Enfin, dans un coin sombre et incliné, une œuvre vidéo est installée. On n'entend que des sons de bang bang bang et des lumières clignotantes. On ne peut apercevoir qu'à la seconde près l'image de deux boxeurs se battant. S'agit-il d'un match de boxe, des sons de bang bang bang ou des lumières clignotantes ? Voilà tout ce que l'art exprime. J'ai enfin compris. L'art est partout. Peu importe si c'est de l'art ou non, la vie est de l'art.

Note 1 - art media agency - 19 octobre 2016 p 61 Tino Sehgal. Artiste de l'éphémère. Note 2 - Le Monde 2015-10-11 culture - Tino Sehgal. Créateur d'échappées.