Le Masque bleu (2006), 198x147 cm, rempli de mythologie et d'espace imaginaire.

Les lignes et les aplats de couleur sont la caractéristique majeure de la peinture d'Adami – Vita_Faccia (2006), 198x147 cm.

Dramatique, A midsummer night - Titania e Bottom (2006), 198x147 cm.

La couleur et l'image composent un récit – Über Berg und Tal – Kubin (2006), 200x265 cm. L'exposition personnelle de Valerio Adami, « Jusqu'ici », est présentée à la galerie Daniel Templon du 27 octobre au 29 décembre. Né en 1935, Valerio Adami est le peintre italien le plus représentatif du réalisme narratif européen. Actif sur la scène artistique parisienne depuis les années 60, il est célèbre pour ses aplats de couleur légèrement acides et ses contours noirs épais qui dessinent des formes figuratives ; les lignes incarnent l'âme figurative, la couleur le corps, et dans une construction intellectuelle de la toile, il introduit de manière anecdotique la littérature, les voyages et le théâtre, dans la relation sublime entre poésie, musique et peinture. Au début des années 70, avec ses célèbres portraits de personnalités historiques, cette série devient son œuvre la plus emblématique : portraits de l'écrivain Joyce, de Nietzsche à l'université de Leipzig, de l'analyste psychanalytique Freud à Londres, ainsi que ceux de Benjamin et Gandhi, entre autres. Ils sont tous rendus par des images codées subjectivement dans une forme abstraite de type puzzle d'aplats de couleur, enrichie de références textuelles noires narratives. Adami ne cherche aucun sens supra-existant préexistant dans la peinture, car celle-ci produit son propre sens ; elle est très littéraire et anecdotique, poétique et pleine d'espace imaginaire. Il estime : « Dans cette peinture codée, le spectateur doit revivre son processus éducatif pour saisir l'image ». Après 1975, il retourne aux sources de la culture traditionnelle, plaçant au cœur de sa création les grands thèmes de la mythologie grecque et romaine. S'appuyant sur des références culturelles, il interprète dans une conscience postmoderne Ulisse, Arcadia, Apollon et Laocoon dans une formalisation modernisée, tout en montrant sur les toiles des objets symbolisant le monde moderne : voitures, caméras, wagons, sacs et couverts, offrant ainsi une démonstration où l'ancien éclaire le présent. Le peintre considère que « la peinture est comme un voyage, une découverte faite en lisant d'un point à un autre ». Dans les années 80, sous la conjoncture culturelle postmoderne, il réinterprète des chefs-d'œuvre classiques tels que Les Ménines assassinées, Le Fils prodigue et La Source. Le philosophe postmoderne J.-F. Lyotard s'interrogeait sur les œuvres d'Adami des années 80 : « Je veux mettre de l'ordre dans le chaos, c'est-à-dire la ligne. Pourtant ce que l'on voit, 'il', précède toute interprétation. On dit que la ligne est sacrée dans le visible, même s'il y a un visible. C'est cela le visible ; on dirait moins la couleur que la ligne. Oh !, la couleur obéit à la ligne (…) ». Adami est un classiciste parce que ses lignes respectent leur matérialité et leurs proportions. « La proportion joue, obéit à la norme, aussi rigoureusement que Raphaël ». Depuis les années 90 jusqu'à nos jours, le dessin et les lignes noires restent primordiaux ; pour l'artiste, les lignes et surtout les images entretiennent une relation étroite avec le texte et le langage. Continuant de se référer à toutes les œuvres littéraires, notamment Shakespeare et Nietzsche, comme dans ses œuvres récentes The Blue Mosque, Vita Faccia, La Slitta, Über Berg und Tal – Kubin, etc. Le développement pictural s'inscrit dans l'atmosphère de la poésie, les souvenirs d'enfance ou les voyages inaccessibles. Les œuvres récentes sont assez introspectives ; bien que les personnages peints soient colorés, ils portent une forte mélancolie. L'artiste déclare : « L'avancement de la peinture est l'avancement de soi-même ; ce chemin de développement sera la simplification et l'effacement des images. Ainsi continuant à s'étendre, elles finiront par disparaître complètement, puis réapparaîtront soudainement : la terre ! La terre est la fin du voyage. Regarder les choses diffère de leur existence substantielle, c'est une méthode de regard, celle de les toucher les yeux fermés… dans une sérénité parfaite, avant la tempête sans temps de la peinture. La valeur de la forme des objets et ce que nous pouvons sentir doivent être parfaitement réalisés : c'est ainsi que naît la limite, le dessin, devenant le résultat de la peinture… Le dessin et la pensée sont similaires. Ce n'est qu'une action d'exploration, sans aucune tentative d'atteindre un but ; c'est la peinture pour la peinture, l'œil pour l'œil, un chien qui mord sa queue, sans fin… La peinture parle trop d'elle-même, il faut au contraire lui permettre de revenir sainement au figuratif ».