邱梁城－尋回初心的夢

非器系列 X  H90x78x50cm  2012   陶、還原燒、熟料土、金銅釉1250度

築地系列 II- H88X114X68cm  2013   陶、還原燒、熟料土、金銅釉1250度

築地系列 III  H74X98X 86cm  2013  陳列在圓木柱台坐上

非器系列 III  H36X55X49cm  2010   陶、還原燒、熟料土、金銅釉1250度

非器系列 XI  H63x130x70cm 2012

築地系列VII  H50X53X48cm  2013   陶、還原燒、熟料土、金銅釉1250度

非器系列 VIII  2011年在貝瑪畫廊個展時的空間裝置

2014非畫廊個展空間布置場景之一

文化拓印-II  2012  赤燒 120x150x120cm

邱梁城於北藝大赤燒窯前 攝於2015-04

「當你發現你自已，你就成為你自已」

文／陳奇相 前言： 陶是以「泥土」作為一種創作的媒介，土形塑，釉彩繪，窯火燒製，一般傳統陶都以實用器物為主，現代陶藝創作幾乎都是非器物的陶雕，專注於勘探新造型(純為視覺欣賞價值，以立體三度空間的雕塑看待)。陶純屬手工藝品，經由軀體勞動及燒窯技術性製造，像煉金術般，「土」在火及時間的煉製化為「陶」，燒的過程也經常會有意外，只能憑感覺及經驗。台灣現代陶藝的創作很普片，但誇入當代藝術領域創作的先鋒非楊元太老師莫屬，繼往開來傑出的陶雕創作藝術家如陳正勳或俆永旭都有一番引人注目的勘探成就，邱梁城循著楊元太老師的創作路線尋回初心的夢。 藝術的啟蒙及初心的夢： 邱梁城(1962年出生嘉義扑子)從小就喜歡臨摹，從家裡的佛祖钗之觀世音普薩畫像開始，國小跟隨美術老師蕭土龍習畫，參加各種比賽，迷上繪畫對美術情有獨鍾，國中繼續跟隨蕭老師。高中有幸的碰到引領及影響他一生創作的美術老師楊元太，楊老師是台灣現代陶雕藝術的領頭羊，邱梁成走上現代陶的創作並不意外，在楊老師的藝術啟發下，認識西洋美術及現代雕塑，最為重要的是台灣主體意識的啟蒙，之後楊老師前往美國進修，出國前跟學生說了一席令人深思的話，要學生否認其先前的教導及分享，讓學生一頭霧水，打破醬缸的教學的震撼，意圖培養學生獨立自主的能力，多年後他才恍然大悟，創作的真理是自已摸索並走出自已的路。 受揚老師的影響他以雕刻為至志，高中投考藝專一分之差，雕刻夢碎，失望地錄取美術印刷科，心不在美工，繼續專注於他所愛的繪畫，認識美術科的朋友黃宏德及李奉(文彬)往來，並與雕塑的朋友經常有互動，對雕刻有基礎性的認知及摸索。美術印刷科讓他專注設計及攝影，開始作版畫，尤其是絹印，影響他往後的繪畫(尤其是黑線條的出現)。當完兵與朋友在台北開畫室，之後進入設計公司工作， 1986年楊元太老師「大地組曲」春之個展時，邀請邱梁城設計邀請卡及拍攝作品，並開闢戶外作品拍攝(楊老師的精典陶雕作品都在沙灘上拍)。 1989年進入雄獅美術當美編，發揮其美術設計的專業，隔年獨立出來，開當今設計畫冊及各美術館的展覽海報最著名的舞陽設計公司，幫藝術家與畫廊編印畫冊及展覽海報設計。首本是東芝畫廊張萬傳畫冊，如今成為台灣藝術家畫冊及展覽海報編輯設計的權威。人在江湖身不由已，為了現實生活投入設計，對藝術之熱情或創作的渴望，只能閒暇期間滿足他的衝動與抒發感情。陸陸續續創作十幾年後，1997年與同鄉畫家李奉在朴子梅嶺美術館開雙個展，在這設計及創作無法兼顧的壓抑過渡期間，開始接觸佛教及打禪七，沉浸佛經中，探觸生命意識，意圖尋找創作的出口。 經過十幾年的奮進設計公司業務穩扎下來，2005年邱梁城從設計的豐富經驗中，以電腦後製創作「飛行城市」內在風景系列，多方面嘗試並熱情地畫起油畫，啟動他的創作烈火，兩年後與陽尚風(陽元太老師的兒子)在高雄駁二開個展，空間的經營與佈置，讓他體驗場域空間的獨特性，啟開他對立體空間概念及意識。2008年與北藝大師生參觀日本現代美術館及陶藝工作室，見識當代藝術及其所熱愛的陶雕。藝術創作力之驅策下，如榮格所說「人，有著從『物質表現』回歸到內心完整的『真實本質』的，那份渴望」，2009年47歲的他(義無反顧下定決心走創作之路)又進北藝大念研究所，尋回原初的夢，找出創作的能量，選擇立體雕塑－像楊老師一樣作起陶雕。 確實，創作是視野及認知的問題，在多年編畫冊及設計展覽海報的經驗中培養出他自已的藝術鑑賞力道及品味，都深深影響他今後的創作。體驗創作與佛法是自然成形，創作過程中的心境，形構作品的面貌樣態。創作上深受楊元太老師的影響「找出你自已」，他期待創作的原動力是來自於自已與學院無關，邱樑城說：「當你發現自已，你才能成為你自已」(註1)。藝術創作就成為他生命態度及存在的意識與能量。 在地文化表徵「非器系列」(2010－13)： 考北藝大時的作品-陶雕系列，來自於他深藏內在已久的有機自然造型思維，精簡純化，受楊老師潛移默化影響，也是邱樑城進入立體作品的處女作，啟開三度空間陶雕創作的途徑。「非器系列」的表徵拓印靈感來自於建築施工，混擬土板模灌漿，乾燥後所造成的板模徵象，或從意外的一座水泥牆隔間而來(註2 )。非器以台灣隨手可得的金屬浪板，借助表徵拓印，作為他的視覺語彙與模塑的參照物。經由土的可塑性：倦曲、撕裂、翻轉、擴張、重複的靈活特性組織建構，創造出多元豐富的形式造型與內外翻轉的空間型態，在表徵及結構，感性與理性，空間及意識，意象及抽象間。強調別開生面的表層線性紋理語彙，凝固時間樣貌，呈現在地文化表徵。 非器系列以波浪板壓印凹凸肌理線條成為表徵，土坯成為支架，乾後塗金銅釉，瓦斯窯燒24個小時煉製。非器有類籌鐵的質地，是金銅釉燒出所造成的錯覺，高溫煉製約1250度即可完整顯色，巧妙地塗厚成為金色，塗薄成黑色，且造成霧面的黑色釉面，散發黑鐵般的質感及深沉的金屬光澤，充滿想像空間，顯現一種現代性的徵象。 非器是解構與再結構的自然意象，成為邱梁城藝術創作的轉折點，試圖以拓印的視覺語彙建構個人風貌，非器概念來自莊子哲理「無法之法，無用之用」的詮釋。並本著開放性的態度面對創作，在包容性的創作中不預設立場保留其隨機偶然性，呈現出流變生命的生活哲理，如金剛經所言「一切有為法，皆如夢幻泡影，如露亦如電，應作如是觀」。創作純屬自然它來自於直覺性的雛形，製造過程中依當下的覺知建構形的可能性，創作過程本著開放之可能性，隨機偶然地在這流程中形塑出具體的感覺意象，呈現似曾相似夢境中某種潛意識的記憶，示現在地歷史文化之片斷。 跨文化的紀念碑： 宏偉紀念碑的「非器－文化拓印I-II」(2012)，是邱樑城2011年赴日本沖繩藝術大學研究所駐地創作 ，因應大型作品親臨學習赤燒窯的燒製方法，經由身體性的勞動以最踏實的身體感所創作出來的兩件大作，這兩件淡紅半面剖面圓柱體作品純樸、精簡有力，「非器－文化拓印I」浪板拓印直線條類西洋神柱，藉由切割再重組之建構線條。「非器－文化拓印II」表面更簡約，切割柱面成不規則的呈現活潑線條，示現跨文化及日常生活之痕跡印記。讓藝術家有機會再次體驗到人在土地上生活的踏實感，歷史及自然的感受，強烈的對照土地及歷史，非器系列終結於宏偉紀念碑的「非器－文化拓印 」。(註3) 從繪畫空間到雕塑空間： 非器系列的徵象是立體三度空間的造型，間具有很明顯地平面繪畫的空間屬性，這來自於畫家或是平面設計家邱樑城的長年經驗累積的轉譯，強調的「表層拓印」面及線條勝過於立體空間，尤其是那些拓印的線條，光影下的明暗線條，形成視覺韻律節奏之美感，如非器-II-V-VI-VIII等，很快地從非器-III－中窺視到雕刻空間，真是一場意外驚喜，只因為這件作品在窯燒過程中爆裂，只剩下這個如斷裂的巨手碎片殘件，偶然的從平面繪畫空間跨入立體三度空間。接著非器-IV-VIII－穩定地三角形結構中示現空間，直到2012非器-X-XI－組合建構中確立雕刻性空間，表層拓印的面與線成為這系列作品最大的徵象。 心中的丘豁「築地系列」(2013－) ： 邱樑城「築地系列」繼續深入非器造型與空間的探討，擴展徵象性的表層拓印風格元素：浪板壓印，後加以彎曲、重組、築構出新的造型，或將浪板翻成大塊石膏模，再以石膏模為板模，重新壓模成型，強化別開生面的造型結構，化為建築及工業技術結構語彙。創作本著開放性的態度迎接所有可能性，藉由切割、穿透、交錯、重組、再構，空間的繁衍性，這些手法使得作品在「雕塑性」之外，更體現出人造空間與「建築結構性」的特色(註4)。 作品越做越大，超出一般瓦斯窯的侷限，因此赴日學習赤燒的方法，就地蓋窯製造發展大型作品。適巧2012年北藝大舉辦了「赤燒研究營」(註5)，結束後讓邱樑城有機會深入大型赤燒窯的勘探實驗。不只學會就地蓋窯還針對赤燒火候技術性的改良，突破赤燒窯的溫度限制，「築地系列」不只是赤燒窯所燒製還挑戰高溫(1250度)地創作。這系列都以赤燒就地造窯高溫所燒，呈金屬色澤像銅像鐵器，有些還會帶有奇妙反光質感，色彩比非器系列更沉，色調更豐富，作品深沉內斂乍看下如金屬之不確定感。 邱梁城「築地系列」靈感來自於充滿氣魄唐宋壯觀的山水畫，有感於范寬、郭熙、李成等畫家表現山水畫壯闊空間的胸襟，他省思身為創作者需抱持甚麼胸懷及宏偉眼界面去面對他處之時代，能否在面對時代的同時，也去造構「書寫他心中的丘豁」(註6)，作為他創作表現的自我期許。日本充繩的跨文化經驗後回到原初對在地土地及風景的感動，誕生了築地系列，他回到純粹的造型探討，透過形式、線條、色澤、光影，結構、空間與質地組合建構他所謂的「台灣內在風景」概念。在歷史、人文與自然，感性及理性，空間及結構，非具象及抽象，雕刻性及建築性間，映照人類文明進化後對自然之疏離及漠視，意圖恢復人存在的本能、感性及喜樂，作為精神上的安撫。 從雕塑空間跨入建築性空間： 從非器系列的空間探討及經驗中，邱樑城體會到開放性構成造型之可能性，必須經由具體組織性的結構－才能形構所謂雕刻的立體三度空間，如三角形的非器-X－藉由切割組件，或非器-XI－雙重三角形的合成組件，擴展出雕刻的新意識。築地系列他選擇以組件模式擴展其空間性的造型，如築地-I組織面與線，虛與實，量感與質地，呈現完美的空間結構，2013年豁然開朗的跨入空間的新視野，如築地-II－傾斜三角形的構造，厚實沉重，剖面簍空露出內部支架組織結構，裡表形成形式及顏色 (金銅調與紅色)對照，建構出多變複雜的繁衍性空間。翻轉裡外空間結構的築地-III-VII一退化了表徵拓印，強化建構裡外組織結構，形成多重的造型視界，形構虛實與明暗，有機線條與無機空間的對話(註7)。築地-IV一表層拓印消失，全然以精簡的面及線條(垂直線、曲線及斜線)組構，跨入建築性空間，示現一種工業及建築技術造型語彙。築地-V-VI一有機的形式介於自然與建築，多元形式相互重組、再構、交錯的複雜結構，反轉內外空間，引人遐思。 內化在地造型語彙： 邱樑城在地文化表徵來自於一座水泥牆，可見藝術家敏銳的觀察力及感知，水泥是現代化最大的徵象，喻示時代的變遷，都會化與鄉間農村的沒落。他的創作以「土」為思維的媒介，內化台灣泥土為情感及塑化在地意識，散發台灣現代化的能量。「非器系列」就建立在環繞我們現代化生活環境上，透露出人與自然的疏離中對「游離土地」的體驗。「築地系列」書寫他心中的丘豁－「台灣內在風景」，彰顯工業發展的軌跡情境之想像。他認為：「雕塑是空間的問題，人生的態度，人格化的感性(也就是溫暖、愛護與關懷) 」(註8) 。 邱樑城的內化造型語彙，混合著自然及人文與歷史的形象，在有機與組織建構的定型及不定型中，發現眾多三角形、方形、扭曲形體、螺旋形體、圓柱體、不規則及幾何形式等等，窺見在地意象如穩定的山岳、蠕動的生物(如蛹或螺)、無名的類建築(城牆及神柱)、荒廢遺址(斷章殘壁) 等，充滿想像空間與指涉。表徵拓印紋路不只是視覺性的線條、光影、明暗或指涉，更是時間的隱喻。還有他獨特性的造型語彙中經常強調虛實建構，以局部或碎片作為「虛空實有」的整體，並以其獨特的內化在地造型語彙 ，喚起台灣最幽微的美麗與哀愁。 確立位置－喚起展域的精神： 邱樑城對空間特別敏感，駁二個展空間的經營與佈置，體驗場域空間的可能性，確立今後展域的經營規劃。他掌握展覽空間條件時，思考將作品融入展域空間，意圖喚起場域精神。展出時他特別注重作品及台座質感、高低視線、位置與空間等關係，特製黑及白的中空細鐵台座，有些直接陳列在台座有些作品墊在厚木板或木柱成為台座(如築地-III)。高底佈置形構一種節奏，確立位置呈現流動性的空間。2014非畫廊個展時將紀念碑的築地-II直接陳列在地面上，最引人注目的是2011年在貝瑪畫廊個展時，他將垂直厚實非器-VIII作品安置在牆角橫跨白色平台的木座上，形構垂直平行的建築空間架構，或2013年嘉義泰郁美學堂聯展時，他將非器-XI兩座聯想性的山頭陳列(接近地面的木座)在水牆前，呼喚出一種宏偉的大自然意象。明確地確立作品的位置與空間，喚起空間場域的意識及精神。 作品的誕生程序： 練土後以波浪板印記塑形，保留壓印後形式的活度，不加以修飾保留原樣，強化背面支體的架構成為另面空間，作品成型等乾燥，上金銅釉，蓋窯，還原燒之關係厚塗成金色薄塗成黑色，從黑到金色的多層色澤變化，氧化將化為塑膠的質地，瓦斯窯燒(燒28個小時)，漸層的升溫，赤燒窯燒則需48個小時，相對的窯較大，燒的作品也較多(但燒完需拆窯)。兩系列都屬高溫(1250度) 臨界線燒法。燒經常會有意外，無法絕對保證依所願，但出窯興奮一刻經常會有很多意想不到的驚喜。 赤燒窯：是由紅磚塊所就地蓋(可拆撤的瓦斯窯)，窯大小依燒製作品的容量，窯內空間、火(16根火嘴)及(兩個)煙的出口等 (燒一次窯約15筒大瓶瓦斯)，設計都會影響到燒出的成效。築地系列則以還原燒製造，還原燒也就是透過煙的火候調節控制，升溫至950度時，就必須控制火候及讓煙還原的效應，火候高至1250度，每次燒窯時都需細心照料及有很詳細的溫度記錄，日夜48小時燒製過程，火及時間的煉製，拆窯取作品是興奮的時刻，赤燒窯就在辛苦地反覆蓋窯及拆窯的繁複過程中煉製。 註1：來自於2015-04的藝術家邱梁城訪談。 註2：從非器到築地－陶塑空間之研究 創作論述  p18  中華民國104-01 。 註3：從非器到築地－陶塑空間之研究 創作論述  p52  中華民國104-01 。 註4：從非器到築地－陶塑空間之研究 創作論述  p38  中華民國104-01 。 註5：2012年北藝大舉辦了「赤燒研究營」，由他在沖繩藝術大學的赤燒窯上條文穗教授指導主持。 註6：來自於2015-04的藝術家邱梁城訪談。 註7：從非器到築地－陶塑空間之研究 創作論述  p26  中華民國104-01 。 註8：來自於2015-04的藝術家邱梁城訪談。 2015-10 於巴黎